jueves, 26 de julio de 2018

Thanatoloop: “Resilencia: resistencia y muerte en los días del capitalismo voraz”

Michel Leroy Valdés parece decidido a vivir por la música, su personalidad lo muestra como un artista inquieto que se siente cómodo trabajando en varias cosas a la vez. Esa vorágine creativa ha llevado a este chileno, oriundo de La Serena, a amasar una extensa y variada discografía. Como bien anuncia la ficha de lanzamiento de su más reciente trabajo: “Resilencia: resistencia y muerte en los días del capitalismo voraz”, desde sus inicios en la música a mediados de los 90s Leroy ha lanzado más de cuarenta trabajos, algo que se vuelve aún más interesante si tomamos en cuenta que sus lanzamientos se extienden tanto al presente como al pasado (Leroy viene editando desde hace unos años una serie de lanzamientos basados en grabaciones en cassette de sus primeros años). Durante sus casi tres décadas de actividades Leroy ha desarrollado una serie de proyectos tanto grupales como personales los cuales representan buena parte sus inquietudes musicales: Un Festín Sagital funciona como un colectivo en constante cambio (de formación y sonidos) en el cual uno se puede encontrar  tanto con experimentos libres en vivo como con discos ampliamente estructurados y conceptuales, bajo su mismo nombre Michel Leroy ha ido lanzando tanto colaboraciones con artistas de todo el globo como grabaciones acústicas más personales, mientras tanto Thanatoloop ha sido otro de sus vehículos creativos principales el cual evitando tener un sonido definido ha logrado incursionar en terrenos musicales bastante disímiles.



Este último trabajo de Thanatoloop entreteje varios estilos y temáticas con gran coherencia. Ante todo hay una postura crítica que Leroy asume desde el titulo: “Resilencia: resistencia y muerte en los días del capitalismo voraz”, una frase en dos partes que posiciona muchos planteamientos políticos del disco y re-significa de paso el sonido y las letras. San Semane, por ejemplo, se convierte en una canción con aire gótico que critica de modo punzante al servicio nacional de menores chilenos. Con esos detalle el aire oscuro y pesimista de muchas canciones cobra otra dimensión, Thanatoloop no nos habla de las emociones cotidianas en las que la mayoría de canciones ahondan sino de planteamientos mas problemáticos y profundos ¿Cómo poder sobrevivir ante un sistema económico voraz y despiadado? su caracterización con adjetivos propios de lo humano no es por gusto, mas bien apunta a mostrar el capitalismo desde la óptica de  muchos autores contemporáneos: una criatura, un ente capaz de absorber y alimentarse hasta de nuestros propios ataques.


 De cualquier manera el disco no es solo una desahogo pesimista. Su titulo está formulado casi como una tesis porque dentro de si mismo reflota una hipótesis: resistencia y muerte; resiliencia. Ante el panorama desolador de lo social y económico Leroy parece plantearse caminos y acciones capaces de superar lo catastrófico. Por eso cuando aparece "Expresiones", tras una sobrecarga de distorsiones en casi todos los temas anteriores, su aire acústico y esperanzador no parece fuera de lugar. La canción dice:  "mas allá de tus fantasías, éxtasis social", las palabras y el momento no son fortuitos, Thanatoloop se plantea una manera de resistir.


Mas allá de la musical, que sin duda, es interesante y bien hecho, la coherencia y capacidad de articular tantas ideas y posturas sin ser abiertamente "político"  me parece notable. Encarar lo político, social y económico desde ese ángulo poco común pero que e cada tanto aparece en ciertos artistas (ahora mismo me viene a la cabeza Black Pope Francis y Gabriel Pereira Spur, los cuales han lanzado en meses anteriores discos con una dinámica similar) los cuales construyen un discurso alternativo que ya sea con sutilezas o asperezas cumple su objetivo.

“Resilencia: resistencia y muerte en los días del capitalismo voraz” esta disponible a través del sello alemán Blackjack Illuminist Records en formato cassette y CD. Pueden encontrar en el Bandcamp de Thanatoloop buena parte de su extensa discografía.

miércoles, 25 de julio de 2018

Podcast Nuson: Koyak.

Es un gusto contar desde el día de hoy con la participación de Nuson.org como colaboradores de nuestro sitio. Nuson es una organización de artistas bolivianos que promueve el desarrollo de nueva música a través de festivales musicales, compilados, podcasts y una comunidad colaborativa.  Dentro de sus actividades se destaca una serie de podcasts gestados por Hahne Tun, uno de los fundadores de este proyecto, en los cuales se muestra la música de artista bolivianos que enmarcan su creación mas allá de lo convencional y encarando siempre procesos de búsqueda en el sonido. Esta serie tiene ya cinco entregas las cuales van alineándose como un mapa de referencias esencial para entender lo que esta sucediendo en la actualidad en Bolivia. Esta semana: Koyak, proyecto guatemalteco afincado en La Paz.

Me gusta asociar Koyak con la palabra proceso. Eso es para mi, un proceso de vida, en el que me conecto con este viaje. Es por eso que cada composición plantea viajes sonoros imaginarios en donde hay un despegue, un desarrollo de la situación o una exploración de un nuevo territorio y un aterrizaje. Estos viajes generalmente están relacionados al contacto de las antiguas culturas americanas con seres de otras galaxias. Koyak es mi proyecto musical (Chrisitan Morales) soy guatemalteco pero por asares e intuición vivo en la ciudad de la Paz, Bolivia y es aquí donde nace. Es difícil de definir, pero básicamente es música ecléctica/electrónica que fusiona géneros como el drone y el avant garde con el pop introspectivo. Y emula sonidos de la naturaleza desde maquinas que generan una dimensión alterna. Koyak es un proceso mutante, me ayuda a conocerme y encontrarme. Cada disco es una fotografía que registra una parte específica de este proceso, mientras que el acto en vivo es efímero se genera una historia que desaparecerá con la ultima nota.
Podcast:


Bandcamp:



WEB

martes, 3 de julio de 2018

Presentando Sonidos: Memoria Atari lanza su disco debut.

Hay un tiempo para cada obra. Cada una está condicionada por el lugar y por las situaciones. Tal vez el nombre de Memoria Atari no resuene mucho pero hace ya hace 6 años lanzaron un EP titulado “Disonancias” que con apenas 3 canciones mostraba una sensibilidad musical poco normal para la época y el lugar. La idea de un disco formal estuvo desde ese momento presente, para que se hiciera realidad tendrían que pasar varias cosas. “Nunca tuve músicos fijos en la banda, - comenta Daniel Gerez único miembro estable de la banda- hubo grabaciones que no terminaron, esta vez salió y por ende tengo muchas canciones acumuladas de estos años. Vale destacar que no paramos de tocar nunca. La banda fue mutando, distintos músicos, tuvimos dos formaciones antes de la actual. Musicalmente fuimos cambiando aunque manteniendo siempre el sonido ambiental, lo pop y la búsqueda por la experimentación”

Esos lineamientos ya estaban puestos a andar en ese lejano primer EP que el entonces cuarteto de Santiago del Estero dejó como único documento durante mucho tiempo. “Estaba enfocado en tocar en vivo, y no existía las posibilidades adecuadas para entrar a un estudio de grabación” – sentencia Daniel- históricamente hacer arte desde el interior  de la Argentina parece algo no viable, en el caso del rock, Capital Federal y Provincia de Buenos Aires, es donde está la escena y el público, nosotros estamos a 1200 km”. Sin embargo esas mismas desventajas fueron dando forma a la banda y a su particular búsqueda por lograr lo que en otro lugar y situación no hubiese sido, tal vez, tan difícil. Durante los años que pasaron en medio la banda nunca dejó de existir, mientras aparecían nuevas canciones otras iban desapareciendo, cada intento por dar forma al disco era una caminata a tientas en la oscuridad. 


Finalmente el pasado mes de mayo Memoria Atari dio cierre a ese al largo y arduo proceso de crear su primer disco. Bautizado de manera homónima esta colección de canciones sigue el rastro de sus primeras grabaciones pero apunta a lograr algo más complejo y cohesionado entre sonido, letras y banda: “el disco tiene la intención de transmitir un concepto, un concepto que tiene que ver con los canticos Indígenas, manthras, repeticiones, conexiones, que viene de los Pueblos Originarios de América, hay cierto chamanismo, donde el ayahuasca, el San Pedro, plantas usadas para rituales de sanación tienen un lugar. La Letras hablan de eso. El álbum trata de compartir una experiencia, una conexión.”

Esa sea tal vez su marca más original, una suerte de simbiosis entre las texturas de teclados y guitarras creadas con pedales y el uso de ritmos étnicos propios de su entorno cultural. Gracia a eso canciones como “Tropic topic”, aun teniendo un título en inglés, resaltan por su interesante mezcla de sonidos autóctonos e internacionales. Memoria Atari logra un equilibrio puntual entre esas dos corrientes, su sonido no cae en la estridencia ni en lo exótico sino logra mantenerse en un punto de convergencia entre ambos: el trabajo vocal de Daniel Gerez mantiene un estilo particular que recuerda los cantos indígenas, las percusiones giran constantemente hacia lo tribal mientras que el eje guitarra- teclados aporta esos colchones de sonido ensoñadores. 


Por momentos parecía imposible llegar a terminar el disco , ya que todos los años intente grabar y pasaba algo, pero a la vez creo que este tiempo sirvió para madurar, para encontrar el sonido que uno quiere o va buscando, y para descartar canciones, conceptos en el camino. 

Actualmente establecidos como trío junto a Paula Díaz en batería y Fernando Catalfamo en bajo Memoria Atari ve hacia el futuro con otros ojos, la larga experiencia de su primer trabajo no ha sido en vano y la banda ya piensa sin muchas vueltas en el siguiente. Mientras tanto la edición física de su debut saldrá este mes con apoyo del Instituto Nacional de la Música (INAMU). Durante el segundo semestre la banda planea presentarlo en su ciudad y otras regiones del país.

miércoles, 27 de junio de 2018

Juguetes para Grandes: Verónica Cerrotta

Tras un receso de varios meses hemos decidido comenzar una vez mas nuestra sección "Juguetes para Grandes". Lo que podríamos llamar la primera temporada de esta sección reunió a 15 artistas de diferentes lugares  de Latino América mostrando sus técnicas, enfoques, instrumentos y aparatos de grabación y creación. Nuestra idea es invitar a participar a artistas de diferentes campos y estilos para hacer  así mas rico y nutrido el intercambio tanto para quienes ya conocen sobre procesos de grabación como para aquellos que están interesados en iniciarse. 


Es un gusto dar inicio a esta segunda temporada con la artista argentina Véronica Cerrotta quien enmarca su trabajo en practicas como la grabación de campo, la poesía sonora y la música experimental.  En Verónica se manifiesta un fuerte interés por los objetos y espacios como vehículos y espacios donde puede tomar forma el sonido. Si bien su set en vivo cuenta con una fuerte carga de instrumentos electrónicos usualmente estos son mas bien vehículos del sonido natural y durmiente de las cosas que nos rodean. Además de hacer música Verónica organiza talleres de grabación y lutheria experimental, esta nota busca ser justamente una introducción al taller que estará dando en Yapeyú durante julio.


Nombre: Verónica Daniela Cerrotta
Proyectos: Teodoro, García y Cramer (TGC)/2103/Vero Cerrotta y otras agrupaciones aleatorias.
Equipo: A veces toco con la compu y otras con un set que incluye instrumentos y pedales. 

En la compu tengo el Ableton Live. En esta plataforma cargo y proceso las grabaciones de campo que realizo con una grabadora Zoom. También utilizo los sintetizadores, samplers y drum racks que el programa tiene. Los sintetizadores que más uso son el Analog, que imita la síntesis sustractiva analógica y el Operator, que simula la síntesis Fm (síntesis por frecuencia modulada). 

Este set lo utilizo para ocasiones en las que esté restringido, por algún motivo, el uso de instrumentos convencionales. También lo utilizo bastante para componer. De esta manera hice la siguiente pieza, para la secuencia fotográfica Percepciones de un Silencio de Laura León Pérez.



El otro set está compuesto por:


-Un teclado Casio SA-46, de dos octavas y media (¡al cual exprimo!). Este teclado es filtrado por un monotron delay y luego loopeado con un mini looper. 

-Grabaciones de campo reproducidas desde un Mp3 y procesadas con un pedal de delay y otro pedal de efectos varios.

-Micrófono de voz, que puede ser enviado a los efectos de la mixer, pero no siempre.

-Tablas amplificadas; éstas tienen diferentes objetos que crean nuevos timbres y textura. 

- A veces uso algún juguete o teclado electrónico que tienen sus circuitos intervenidos.

-Micrófonos de contacto.

A continuación se puede escuchar una sesión, corta, en vivo, con varios de los componentes de este set:


El “instrumento” que presento a continuación son las tablas. Estas las uso sobre todo cuando toco con otras personas y hay gran variedad de recursos, ya que aportan sonidos originales que funcionan muy bien sobre fondos sonoros, recortándose sobre los mismos.



Estas, al ser amplificadas mediante un micrófono piezoeléctrico, pueden incluirlo tanto en el set de instrumentos, como en el digital (a través de la placa de sonido). Utilizo tablas de madera ya que este material es un buen conductor de las vibraciones sonoras, que es lo que traduce el micrófono de contacto. Sobre estas tablas están ensamblados diversos objetos: cuerdas tensadas, de diferente grosor, clavos, tornillos, pedazos de lija, gomas elásticas, campanas de bronce, resortes….etc…

Cada material, cada objeto  tiene su propia  sonoridad, que es  amplificada por el micrófono, permitiéndonos oírlos como quien ve a través de una lupa. Así un simple tornillo puede develar  un sonido iterado parecido al croar de los sapos, o el choque de los clavos con otro objeto metálico puede asemejarse  al sonido del agua.

Construir estos “instrumentos”, estimula la imaginación respecto al mundo sonoro que tenemos, ya que implica una búsqueda y un descubrir  de timbres nuevos  en cualquier objeto que tengamos cerca.


Con 2103 (Facundo Aguirre y yo) utilizo la tabla, para crear texturas sobre máquinas de ritmos y osciladores digitales:


Con Juan José Calarco, tocamos en Yapeyú, en Abril de este año, con un set compuesto sólo por grabaciones de campo procesadas y objetos amplificados, que en esa ocasión los tocaba él.


Con TGC (Julio Lamilla-Facundo Aguirre y yo) tocamos en el Ciclo Sonoraje, en Peral al Olmo, en Mayo de este año.  En este set, que incluyó un tocadiscos y cassetteras, utilicé la tabla de las cuerdas, pasada por el delay.


Con Malcolm Delaney nos presentamos en Octubre del 2017, en un Panal Abierto, dentro deEspacio 404, donde tocamos con un set compuesto en su mayoría  por tablas y objetos amplificados:


En las vacaciones de invierno estaré dando un Taller de Luthería Experimental en Yapeyú, donde inventaremos y construiremos nuevos instrumentos/objetos/artefactos sonoros. El taller está pensado como un espacio abierto y colaborativo en el cual intercambiaremos prácticas, saberes e imaginación en torno a los instrumentos musicales.


Tomaremos como punto de partida los mecanismos de producción de sonido ligados a las distintas familias de instrumentos (y no la forma de los mismos) para crear los nuestros, inventando nuevas formas y soportes, construyendo con materiales de uso cotidiano y herramientas básicas de carpintería.

Serán dos encuentros intensivos e independientes (se puede asistir sólo a uno) donde revisaremos junto con la práctica, algunas nociones de acústica y  de lenguaje musical y nos introduciremos en el uso de micrófonos de contacto para amplificar nuestros instrumentos.

jueves, 21 de junio de 2018

Este viernes en Ruido_Blanco: Horrisono

Parte de la labor de la arqueología supone desenterrar esa cadena de géneros y significados existentes en el tiempo, esta labor no está excluyente en la música y supone un ejercicio búsqueda de historias, registros y rastros por los cuales transitan anécdotas, experiencias y saberes. En el contexto de este esfuerzo seguimos en la ciudad de Cartago, una de las primeras capitales de Costa Rica, para muchos uno de los lugares más conservadores del país siendo a su vez territorio de resistencia acústica, donde géneros como el Black Metal, HNW (harsh noise wall) y el ambient están entre los más característicos de la comunidad underground.


Por ello esta semana hablamos con "Horrisono", proyecto de ambient, drone y HNW cartagines. "Horrisono" comenzó  a finales del 2015  como una búsqueda  experimental con sonidos y ruidos variados abarcando diferentes géneros de la música experimental mezclados con una temática fría, sombría y depresiva con el fin de generar una esencia oscura que caracterice la música y le dé contexto al nombre del proyecto. Sí quieres escuchar la entrevista te recordamos que Ruido Blanco se transmite todos los Viernes a las 9 pm (Hora de Costa Rica) en Costa Rica Radio (101.5 FM), vía streaming en Ivoox  ivoox.com/podcast-ruido-blanco_sq_f1494153_1.html y la página oficial de la emisora :http://www.costaricamedios.cr/radio-nacional/en-vivo

Cerca de 10 lanzamientos entre largas duraciones y splits recorren el transito del proyecto y hablan, cual manifiestos, de una experiencia de "libertad total" según menciona su fundador Andrés Cordero.
Sugerimos revisar el trabajo de este exponente, especialmente la obra dedicada a Lil Peep que rememora trabajos shoegaze drone al estilo de Fennesz o Jefre Cantú-Ledesma con matices y colores del vaporwave



Ruido Blanco es producido por Sergio Wiesengrund y se transmite todos los Viernes a las 9 pm (Hora de Costa Rica) en Costa Rica Radio (101.5 FM), vía streaming en Ivoox ivoox.com/podcast-ruido-blanco_sq_f1494153_1.html y la página oficial de la emisorahttp://www.costaricamedios.cr/radio-nacional/en-vivo

viernes, 15 de junio de 2018

Podcast Ruido_Blanco: Eye Floater

Siguiendo con la cartografía sonora continuamos nuestra expedición de dark ambient costarricense, esta semana tendremos a Eye Floater, proyecto josefino (SJO, CR) creado en el 2010 por el melómano Efraín Valerio, influenciado por la música industrial y los empastes más oscuros. La historia del proyecto incluye 6 lanzamientos. Sí quieres escuchar la entrevista te recordamos que Ruido Blanco se transmite todos los Viernes a las 9 pm (Hora de Costa Rica) en Costa Rica Radio (101.5 FM), vía streaming en Ivoox ivoox.com/podcast-ruido-blanco_sq_f1494153_1.html y la página oficial de la emisora http://www.costaricamedios.cr/radio-nacional/en-vivo 



Efraín nos comenta que el proyecto empezó como una especie de búsqueda intima por sonidos más caóticos e industriales, objetivo que se mantiene intacto hoy en día y le ha permitido con colaborar con artistas como Darren Mora y Melómana Distorsión.

 Eye Floater también tiene un proyecto hermano llamado Coarse que nos recuerda los años de Mick Harris (Napalm Death, Lull) con Scorn, un ambient trip hop barnizado por escalas menores, repeticiones y cacofonías que apelan a la decadencia de la época post-industrial, la cuarta revolución tecnológica, la era informática.


 Hablando de era informática les compartimos el bandcamp oficial del proyecto para que puedan acceder a material de escucha del proyecto. Recuerden que este tipo de música se escucha mejor con audífonos y con la apertura de sentir texturas y colores acústicas.

Podcast  Eye Floater


Ruido Blanco es producido por Sergio Wiesengrund y se transmite todos los Viernes a las 9 pm (Hora de Costa Rica) en Costa Rica Radio (101.5 FM), vía streaming en Ivoox ivoox.com/podcast-ruido-blanco_sq_f1494153_1.html y la página oficial de la emisorahttp://www.costaricamedios.cr/radio-nacional/en-vivo

sábado, 9 de junio de 2018

Feminoise Latino América: Entrevista con Las Grasas Trans

“aún somos pocxs y nosotrxs queremos
que el lesbianismo domine al mundo”

Las Grasas Trans 

Cansadas de años de exposición de la cuerpa que responde al canon de belleza impuesto, en un mundo patriarcal donde gustar es más importante que poder expresarse artísticamente, donde “nosotrxs nunca tuvimos bandas de lesbianxs para poder escuchar”, sale del closet argento “Las Grasas Trans”. 

Explican como su música va mas alla del sucias guitarras voces rasposas, para resplandecer el grito lesbianx en proyectos de reivindicación de temas profundamente odiados por la sociedad de consumo, donde se aunan con redes y bandas que promueven una “propia contracultura fuera del mundo heteronormado”. 


Integrantes: 
Irene Stimpy: Guitarra y voz
Sor Viciosa: Bajo y coros 
Maruncha Charuta: Sintetizador 
Fragata Portuguesa: Batería 
Lugar: Buenos Aires, Argentina 
Estilo musical: Rock lesbiano deforme 
Año de formación: 2015 


Discografía: 
- Falso Álbum - año 2015 
- Pandemia Lésbica - año 2016 

Nacimiento 

La banda nació luego de varios campamentos lesbianos que realizamos con nuestrxs amigxs en el Delta del Tigre y en el sur de Argentina en el año 2015. Entre las historias de salir del clóset y las bromas, empezamos a escribir canciones y una vez que tuvimos un puñado nos juntamos a ensayar. Queríamos tener una banda porque además de que somos amigxs y nos gusta hacer música, nos interesaba ocupar espacios reservados tradicionalmente a los varones hetero-cis. También nos hacía un poco de ruido la escena "queer" de Buenos Aires y la falta de opciones y de movidas. Era algo que queríamos y necesitábamos y terminamos haciéndolo. 

Sobre las letras de las canciones


Nuestras letras hablan de cosas de nuestra vida cotidiana. Son todas historias verídicas que tienen que ver con nuestra existencia como lesbianas, como chongas, como sudamericanas, como sobrevivientes de la heterosexualidad obligatoria, de la Iglesia Católica, etc. Tenemos canciones que hablan del pánico que podemos pasar un sábado en el supermercado y otras acerca de nuestras madres que preferirían que estuviéramos en el clóset. 

Intentamos transmitir anécdotas de nuestra existencia misma ya que nosotrxs nunca tuvimos bandas de lesbianxs para poder escuchar y tal vez poder sentirnos identificadxs. 

Los recitales en vivo 

Los recitales en vivo suelen ser experiencias muy gratificantes para nosotrxs. Se suele armar un pogo de lesbianxs donde muchas bailan sin parar desde el principio hasta el final. Nosotrxs salimos con máscaras porque nos da mucha ansiedad la situación de exposición y eso nos hace sentir más cómodxs. Muchas veces invitamos a que alguien suba a cantar con nosotrxs, a hacer coros, a participar, así se pierde un poco ese miedo a exponerse. Es lo mismo estar arriba que abajo, solo que tenés un micrófono o un instrumento en la mano y la posibilidad de decir lo que quieras. También pedimos que los varones hetero-cis se queden atrás y dejen disfrutar a aquellas corporalidades/identidades que nunca tuvimos espacios propios. 


Los proyectos que les acompañan


La banda en realidad es un proyecto mucho más grande que hacer música y tocar. Nos interesa sobre todo hacer redes con otrxs lesbianxs del mundo y conocernos, apoyarnos, compartirnos, crear nuestra propia contracultura fuera del mundo heteronormado. No queremos pertenecer a eso. También nos interesa propiciar la creatividad, la autogestión y el "hazlo tu mismx". Además de tocar organizamos nuestras propias fechas, dibujamos, hacemos fanzines, escribimos, hacemos nuestras propias remeras, diseñamos stickers, dibujamos las tapas de nuestros discos, dirigimos nuestros videos, actuamos, etc. Por ejemplo, ahora con las Horregias (banda de lesbianas de Chile) hicimos un fanzine que se llama "Todxs pueden tener una banda" contando todo lo que sabemos desde nuestra experiencia y compartiéndolo para que otrxs se animen a hacerlo. Creemos que lxs lesbianxs debemos hacer todo de nuevo. Tenemos muy pocas películas, series, literatura, historietas, bandas y demás expresiones creativas desarrolladas por personas con nuestras vivencias. 

Hay muchxs lesbianxs haciendo cosas pero aún somos pocxs y nosotrxs queremos que el lesbianismo domine al mundo.

La "escena" de músicas mujeres, como aportan uds y que sugieren


Primero deseamos aclarar que no todxs nos consideramos mujeres en nuestra banda. Nos identificamos más con nuestra identidad lesbiana. Por ejemplo, Irene Stimpy (cantante y guitarrista) es una persona que se identifica como transmasculina no binaria. 

En cuanto a la escena de mujeres la vemos un poco mejor que hace algunos años pero creemos que todavía falta. Hay bastantes mujeres tomando los escenarios pero aún muchas de ellas participan de proyectos mixtos en donde los protagonistas siguen siendo los varones hetero-cis. No hasta hace mucho se los convocaba incluso a tocar en espacios feministas. Así no hay manera de empoderarse, ellos históricamente ocupan esos espacios y no vemos por qué la necesidad de que lo sigan haciendo, mucho menos que se apropien de nuestros discursos. Hay que animarse a ser protagonistas y hay que poner el cuerpo. No es fácil pero no hay otra manera. 


En cuanto a las bandas de lesbianas/trans/marikas también hay un crecimiento de la escena pero la poca falta de difusión y de espacios hace que sea súper difícil visibilizarse y llegar a ser escuchadxs. Como positivo podemos decir que hay buenas bandas/solistas que existen al momento, que están tocando y que merecen ser escuchadas: Horregias, Nihilisa Simpson, La Negrah Liyah, Sasha Sathya, Paz Raperx Sudaka, Indomitamorfosis, Chicha Bungle, Choa Ocampo, Femcee, Rrayen, Las Ex, Tranki Punki, Diavol Strain, Dadalú,Chocolate Remix, etc. 

A nosotrxs nos interesa aportar desde nuestra visibilidad, ya que hay muy pocas bandas que utilizan el lesbianismo como algo político y para nosotrxs es fundamental. No es lo mismo ser heterosexual que ser lesbiana. Así como no es lo mismo ser lesbiana trans que ser lesbiana cis. Esas cosas forman parte de nuestra identidad y son tan importantes como la música.

Links: 
Nota realizada por Maia Koenig. 
FEMINOISE LATINOAMERICA 
sisterstriangla@gmail.com