Enema Noise, romper con los convencionalismos.

Desde el 2009 Enema Noise viene haciendo canciones intensas, con un aire desgarrador y combativo. Los ritmos disparejos y desbaratados de este conjunto se construyen tras unas canciones que hablan desde la rabia. Cada cosa que sale de ellos parece natural y deforme; la voz y la guitarra de Lamim se proyectan desde un lugar bien adentro mientras que la segunda guitarra de Murilo y la batería de Daniel cierran un conjunto caótico que ejecuta unas canciones redondas que se consumen rápidamente dejando en el escucha una sensación de desconcierto. Después de algunos simples, splits y trabajos iniciales, en el 2014 la banda toma una nueva dirección reconociendo el portugués como lengua principal de sus composiciones, es ahí cuando lanzan "manual pouco prático do desapego", luego aparecería EP homónimo en el 2016, sin embargo es con su disco de este año "eventos inevitáveis" que terminan de romper el molde.

El giro del ingles al  portugués no puede ser pasado por alto,  es claro que Enema Noise aprendió a aceptar su realidad y con ella su lenguaje, re-armando su manera de entender el mundo y las canciones.  Sobre ello la banda reflexiona: "Las canciones nacen como sonidos, ideas musicales. las letras llegan después. En 2016 lanzamos un EP direccionado al post hardcore, pero esta vez fue una decisión consciente que los temas fueran mas abstractos, y las letras reflexionaran sobre temas políticos." Sin embargo este disco no suena tanto como un disco político o como un disco de denuncia (exceptuando tal vez temas puntuales como bayer+ monsanto). En el se respira constantemente una reflexión que el conjunto define como un "critica contra el progreso y una oda a la destrucción del futuro", lo inevitable se convierte en una fuerza capaz de aplacar el espíritu humano. Tal vez por eso  a pesar de la larga (y corta) distancia que guardan el portugués y el español canciones como "queimada", "morte pela morte" o la que da nombre al disco resultan comprensibles por un factor básico: el sentimiento.

Un sentimiento comprometido con la rabia, con el desencanto y como ellos mismos dicen  "no necesariamente como un lamento, pero si como un agradecimiento por el fin del mundo". Hay en esos eventos inevitables una oposición a lo emocional y alegre, al positivismo y a la falsa esperanza en el progreso que parece vender casi como una nueva religión. Esa manera de escribir y de cantar choca un poco con la idea preconcebida que tenemos del portugués y del brasileño por extensión como alegre. "hay un vicio mercadologico en la música brasileña que busca exagerar lo romántico, y que ido conquistando también lo "underground". Esto crea un estilo especifico  de cantar, que solo repite. No somos partidarios de  esta formula. Es necesario que esto se acabe para que haya una continuidad  de estilos y temáticas . Esto ya sucede con algunos grupos y discos  brasileños recientes como La Burca o In Venus. Para nosotros hay antecedentes diversos de la música fatalista o pesimista en Brasil, como la canción "Não Creio em Mais Nada" de Paulo Sergio; o los grupos Black Future e Velho de Cancer.

Tenemos en Enema Noise entonces una serie de situaciones que hacen de ellos una banda propensa a romper con los convencionalismos. Su origen en una capital aislada y planeada como Brasilia puede ser una de las razones que los lleva a abordar caoticamente el sonido y la letra. La configuración de la ciudad que ellos describen como "una arquitectura espaciosa y gentrificadora que crea espacios vacíos entre personas"  los lleva a encarar sus perspectivas desde el aislamiento. Sumado a esto estar en un centro alejado de los focos principales del movimiento cultural los ha obligado a viajar constantemente un "problema en cuanto a costos, que resulta gratificante en la posibilidad de escaparse y conocer personas en otros lugares"

Hoy mas que nunca hay que forzar las situaciones, hay que forzar la lengua. Hay un claro capitalismo lingüístico (como reflejo del capitalismo económico) del que se habla mucho, pero pocas veces se habla del capitalismo del contenido, ese que convierte cualquier manifestación en un producto y cualquier sentimiento en un termino simple y vendible. El mayor éxito de  Enema Noise en  "eventos inevitáveis" es romper con ese condicionamiento.

FACEBOOK/BANDCAMP /SOUNDCLOUD

Première, Vídeo Esreno: Oxy- No Shoes

En junio de este año en nuestra sección "Cronicas Miscelaneas" presentamos a un joven conjunto brasileño llamado  Oxy, oriundos de la ciudad de Brasilia y con apenas un año de existencia Sara Cândido, Blandu Correia, Lucas Eduardo, Thiago Neves y Marcelo Vasconcelos lanzaron en marzo su primer EP homónimo compuesto por cuatro canciones en las cuales vierten su espíritu y energía juvenil en canciones que brillan por su vitalidad y buen manejo de la técnica y el sonido de las guitarras.  Para un EP debut lo que queda claro tras escuchar esta banda es que tienen claro como hacer buenos temas, han sabido alimentarse de ese sonido nostálgico y adaptarlo a sus propias situaciones.

Continuando con la promoción de este primer lanzamiento la banda ha preparado su primer videoclip hecho íntegramente por sus mismos integrantes (con dirección y producción de Enzo Correia) y grabado en su ciudad, Brasilia. La canción que escogieron es la que abre su EP "No Shoes" un tema con una frecuencia sublime y reflexiva que se permite sin embargo explotar en ciertos momentos. En palabras de su cantante Sara

"No Shoes, trata sobre tomar las cosas con calma, sobre la vida cotidiana y disfrutar las cosas simples despegándote  de lo que no es importante, queríamos hacer un vídeo sobre eso, sobre disfrutar un momento relajante caminando por la ciudad"

FACEBOOK /BANDCAMP

Softspoken de The Sorry Shop, desarmando lo cotidiano.

The Sorry Shop representa para mi uno de los  mejores ejemplos de una banda moderna y de un modelo de creación musical en nuestra época actual. Son sin lugar a dudas una banda constante que desde su fundación en el 2011 ha lanzados tres excelentes LPs, un EP y múltiples canciones en diferentes tributos. Sin embargo, encontrar su propio ritmo como banda es lo que les ha permitido no ahogarse creativamente, una rápida mirada a sus vidas nos hará ver que no estamos hablando de "grandes estrellas de rock" que tocan todos los fines de semana sino de músicos que dividen sus momentos creativos con trabajo, estudios y familia. Tras el lanzamiento en el 2013 de "Mnemonic Syncretism" la banda de Rio Grande realizó algunas presentaciones antes de entrar en un largo silencio que cada tanto anunciaba lo inminente de un nuevo disco.

Esa idea  estuvo siempre presente en la mente de su fundador, Regis Garcia, durante estos cuatro años. Sin embargo para lograrlo el músico tuvo que encontrar la manera de congeniar varios detalles creativos y humanos "Para este álbum quería la participación de toda la banda en las grabaciones pero no fue fácil encontrar el tiempo para juntarnos a componer las canciones. Ese fue uno de los mayores problemas, la vida diaria y los compromisos de cada integrante de la banda"- Finalmente Garcia decidió encarar la grabación del disco él solo; las primeras grabaciones no fueron satisfactorias y fueron siendo descartadas hasta el punto de que la idea de un nuevo trabajo quedo casi archivada. En medio aparecieron muchos otros proyectos, Regis Garcia lanzó un disco de canciones instrumentales bajo el alias "The Cult of the Dead Bird", lanzó un single con una nueva banda llamada "Porcelain Animals" y mas recientemente dio vida a un sello discográfico llamado "Lovely Noise Records" enfocado a la promoción y lanzamiento de bandas de Rio Grande do Sol. Sería injusto decir que todo esto fue hecho por él solo, en estos proyectos estuvo acompañado por su pareja de largo tiempo Mônica Reguffe.- "Aunque mi trabajo y estudios (actualmente trabajo como psicólogo clínico y estoy terminando un doctorado en Historia de la Literatura) toman buena parte de mi tiempo, estas son actividades que puede coercionar con la música sin demasiado problema. En el plano familiar es aun mas sencillo ya que Monica, quien actualmente canta y toca el bajo en The Sorry Shop, ha sido mi compañera y colaboradora incondicional por muchos años"

La llave para re-estructurar esas canciones semi-olvidadas estaba aun en el pasado: tomando algunas grabaciones de "Mnemonic Syncretism" el segundo disco de The Sorry Shop y algunas tomas del primer intento fallido Regis recomenzó , junto a Monica y Marcos Alaniz aportando en las voces y composición, la creación de ese tercer disco que terminaría llamándose Softspoken- " Estas canciones fueron compuestas en los últimos años, pero algunas como "Pearls" tienen ya varios años. Siempre termino dándole mucho énfasis a la parte instrumental. De esa manera, Marcos trabaja en las letras conmigo y Monica y al final todos agregamos las voces. La Segunda parte es la mas rápida, todo lo demás es largo y agotador-". Este es entonces un disco armado y desarmado varias veces, un trabajo marcado por la fragmentacion de ideas, detalles y grabaciones que han ido tomando forma en los últimos años. Ese sentido "fragmentado" sobrevive especialmente en las letras del disco que muestran en muchos casos frases sueltas que se van uniendo por los potentes arreglos sonoros; bajo ese estilo de composición las canciones crean una serie de imágenes difusas, distantes pero perfectamente perceptibles (algo que la portada realizada por Meire Todão mantiene). 

En lo personal siento que detrás de esas lineas (tanto sonoras como líricas) hay varias alusiones a temas como la percepción, la memoria o el lenguaje, Como ejemplo simple pondría "Rosseta"  ("I Tried to reach you /You were away /Speaking in a language /Of our own /Symbols  /Only we know  pero) o Lost in Between (Gone away  /Memories of youth  /Ghosts walk hand in hand with me ). Pero tomando en cuenta el trabajo y estudios que el mismo Regis Garcia lleva a diario me pareció importante consultarle - "Conceptos, en general del psicoanálisis, son comunes en las cosas que escribo. En el 2014 durante el primer intento de componer este tercer disco tenia la seguridad que se llamaría "Uncanny" (en relación a la teoría de Freudiana de "lo extraño"). Considerando que mucha de la imagineria presentada en las letras de The Sorry Shop tiene referencias al existencialismo, es imposible que la manera en que percibo el ser humano desde la base de la psicología no este presente. Además, con la experiencia clínica, el caos, la confusión, la fantasía, el ensueño, y la fragilidad son siempre evidentes para mi, algo que sin lugar a dudas genera un horizonte de ideas para pensar mi propia condición y llevar eso a la composición."-

El modelo musical actual pide la presencia constante del artista que además de músico debe entretener para no caer en el olvido,  The Sorry Shop ha logrado saltarse a esa regla apareciendo cuando es necesario con un disco genial sin perder el cariño de su publico y ganar cada vez mas reconocimiento. Sus integrantes logran congeniar la creación a la par de la vida cotidiana encontrando en ella lo extraño, lo fantástico y lo sensible. Estas imágenes están siempre presentes en su música y nos recuerdan que buena parte de la fantasiosa es una construcción diferente de la realidad, una construcción necesaria para no agotarse ni ahogarse. Este tercer disco poner a la banda como un ejemplo paradigmatico y uno de los mejores secretos de la música actual en Brasil.

FACEBOOK/BANDCAMP

Pasiones desmedidas, Gorduratrans lanza su segundo disco "Paroxismos"

"problemas psicológicos se tornam físicos (o homem mais forte que eu conheço) fue uno de los temas que Gorduratrans había mostrado tanto en vivo como en una sesión para LOW/LIVE  a finales del año pasado, la canción casi como su nombre, se desarrolla lenta y emotivamente (por no decir dolorosamente). En ella Felipe Aguiar (mitad de este dúo oriundo de Rio de Janeiro) canta: "Nada va a cambiar la noche en que te vi llorar" [nada vai mudar a noite /em que eu vi você chorar], una frase lapidaria y fuerte que por algún motivo al ponerla aquí en español siento que pierde algo importante, un sentimiento de la canción que está implícito en su lengua, el portugués. Hace algún tiempo cuando escuché el disco debut de Gorduratrans lo primero que llamó mi atención fue como aun cantando en portugués (una lengua cercana y extraña a la vez) el sentimiento en sus canciones se hace perceptible a cualquier escucha aun sin entender totalmente todo el mensaje.

"repertório infindável de dolorosas piadas" su primer disco  fue  lanzado en el 2015 y logro que Felipe y  Luiz Felipe Marinho  lograran cierto reconocimiento de la prensa y el publico gracias a mostrar en sus primeras canciones una fuerza y coherencia admirable. Dicen que el segundo disco, mas aun después de un gran debut, suele ser la prueba de fuego para una banda, dos años después este dúo rompe con todas las expectativas con "Paroxismos" un trabajo  que explora aún mas a fondo los sentimientos fuertes, tensos pero  necesarios de su debut sumándole una profundidad en el sonido que ayuda a enfatizar lo "excruciante" de sus emociones. Otro detalle no menos importante es la duración de las canciones, aunque obviamente la diferencia no es abismal, entre su primer y segundo disco hay una prolongación en las notas. Como bien lo muestran canciones como "7 segundos" o "linha tênue" Felipe y Luiz se permiten aquí un poco mas de libertad haciendo que ciertas notas se hagan mas largas, densas o profundas; este efecto no es gratuito o solamente un detalle, mas bien busca una vez mas enfatizar, ahondar.

La banda no oculta que este fue un disco difícil, Paroxismos puede ser visto como un disco casi psicológico, un trabajo que muestra una inmersión en estados comunes, que todos vivimos pero que la mayoría de las veces preferimos pasar de largo y no entrar a analizar. El significado de la palabra misma [El paroxismo, por lo tanto, puede considerarse como una figura retórica que consiste en exagerar y reflejar con pasión desmedida alguna cuestión.]. Justamente es eso lo que Gorduratrans construye en este disco, una pasión desmedida por el análisis de las situaciones y los sentimientos humanos tomados desde una perspectiva personal pero no ajena a nadie. Esa base que podríamos llamar ideológica no sería nada sin lo musical ya que sentir, todos sentimos, pero son pocos los que son capaces de comunicar de manera acertada esos sentimientos. Curiosamente y aunque siempre evito hacer comparaciones estas nuevas canciones me recordaron mucho el primer disco de Red House Painters, no creo que la banda los tenga como una referencia o una influencia pero Paroximos al igual que Down Colorful Hill es un disco que logra combinar lo musical y lo sentimental certeramente, sin ser demasiado "meloso" sino al contrario llegando a un punto crudo y fuerte,

A pesar de ser un disco oscuro, y tal vez triste, funciona para mostrar a este dúo carioca en su mejor momento; eso puede parecer una contrareidad pero la historia musical y cultural esta lleno de eso, ya que solo viendo las cosas desde una visión menos optimista (algo que lamentablemente se hace común hoy en día) podemos ver mas agudamente la realidad y transpolarla a otros lugares y estados. El portugués, una lengua que es mas bien conocida por su alegría aquí resulta todo lo contrario, Gorduratrans fuerza justamente su idioma y de esa manera logran unir la palabra y el sonido en una sola voz.

Paroximos ha sido lanzado por el sello Balaclava Records y Gorduratrans lo estará presentando en diferentes ciudades de Brasil en los próximos meses.

In Venus presenta "Ruína" un manifiesto de ideas hechas sonidos

La música es una de las mas fuertes vías de expresión humana. Nos permite decir lo que en una conversación formal seria mas difícil poner en palabras a través de una mezcla de sonidos, palabras y emociones. Es por eso que en muchos casos  mas que hablar del sonido ( ¿a que suena? ¿Cuales son sus influencias?) es mejor hablar de un motivo, ya que detrás de cada acorde, de cada canción hay algo, una voz que quiere expresarse.  En el cuarteto paulista "In Venus" hay un claro contexto tanto local como mundial, podemos verlo en diferentes niveles, una ciudad (Sao Paulo), un país (Brasil), pero si queremos ver el cuadro completo tenemos que hablar  de una problemática común marcada por el panorama violento y poco inclusivo hacia la mujer, una problemática que si bien se creía en parte superada muchos acontecimientos en el ultimo tiempo nos han mostrado que estamos lejos que vivir en una sociedad inclusiva y equitativa. In Venus se forjo en ese contexto, en una ciudad que como denotan sus letras puede convertirse en un escenario opresivo para la mujer.

Formadas en el 2015 por Cint F. (en voces y teclados ), Camila Ribeiro (batería) Rodrigo Lima (guitarra) y Patricia Saltara (bajo). "Mother Nature" el primer single de In Venus apareció recién a finales del año pasado, la banda sin embargo se ha venido presentando en el circuito local activamente y  sus integrantes hacen parte de diferentes actividades vinculadas al movimiento Riot Grrrl en Brasil (sobre el mismo hay un excelente articulo que recomendamos leer: Riot Grrrl 2.0 de Maíra  Valério fundadora del sitio Vulva Revolução); su disco debut apareció en mayo de este año y es sin dudas uno de los debuts mas interesantes de este 2017. "Ruina" deja expreso un momento no solo para la banda sino para una comunidad cultural con una identidad fuertemente fundamentada.

In Venus no niega ni reniega de las influencias obvias que podemos notar en su música. en vez de eso en base a ellas construyen un sonido y unas letras personales, a través de las cuales podemos escuchar sin dudas el lado mas reaccionario del noise rock pero transportado a las realidades del siglo XXI, "Digital Relationships" lidia con la manera de relacionarnos a través de las redes sociales, "What Do you Fight For?" se erige como un tema de apoyo y compañerismo, " Mother Nature" analiza a  la madre naturaleza como entidad femenina creadora y poderosa. Las temáticas son claras y dejan ver que la banda busca dar un mensaje preciso y critico. Sin decirlo "Ruina" muestra como muchos roles que hemos construido son peligrosos y erróneos, la certeza de sus letras se contrapone con la idea de que la música femenina (o mas aun la música en general) debe ser "divertida", que la mujer debe ser un personaje simpático y complaciente, su misma cantante  Cint F comenta en una entrevista "Somos vistas como un adorno en las bandas, algo que esta ahí pero no por su talento sino por tener "un cuerpo escultural", "una voz suave". Somos extremadamente objetivizadas hasta cuando nos elogian. Para nosotras la musica es mas que un entretenimiento es una herramienta de consciencia política"

In Venus estará presentando este disco en diferentes ciudades de Brasil.

Los dos últimos temas son los únicos cantados en portugués y en lo personal mis favoritos, ya que van mas allá de la lengua; incluso si no llego a entender totalmente el poema cantado a gritos con el que cierra "Inverno do Alma"  (y con el que también termina el disco) el sentimiento plasmado es claro y universal, en este In Venus le grita a una ciudad, a una sociedad, a un tiempo y a una época. En este debut dejan su mensaje claro, el mismo no esta lejos del de bandas como Rakta o Katze, pero también es cercano ( tal vez sin saberlo) al de otros proyectos fuera de Brasil como Kusama (Perú) o Diavol Strâin (Chile).

Ruína ha sido lanzado en cofradia por los sellos  Howlin’ Records, PWR Records, Efusiva y  Hérnia de Discos,hay además un fanzine disponible como acompañamiento del disco (se puede ver y descargar aquí). 

El tiempo y momento exacto: Conoce a Devilish Dear y su disco "These Sunny Days"

Braulio Almeida comenzó a hacer música hace 20 años cuando aun era adolescente. Aunque hoy se dedica a la producción audiovisual también tiene un estudio de audio mas enfocado en la producción de grabaciones para juegos y bandas sonoras de TV y cine. Como referente previo a Devilish Dear esta Montecarlo Jive proyecto en el cual ya estaban Shelly Modesto (voces) y Rômulo Collopy (bajo), dejaron un solo disco grabado (Uh! lanzado en el 2008). Justamente algunas grabaciones que quedaron fuera de este proyecto fueron el motivo para darle vida a Devilish Dear ( el nombre viene del tema  “Mercury” de la banda Processory.)

Aunque su debut  These Sunny Days apareció en el 2015, no fue sino hasta comienzos de este año, con el relanzamiento a través del sellos brasileño Midsummer Madness que en cierto modo este disco es re-descubierto. Tal vez uno de los motivos por los cuales el disco paso desapercibido es el hecho que sus integrantes nunca presentaron estas canciones en vivo y el mismo Braulio considera este proyecto como un hobby "Para mi Devilish Dear es un pasatiempo mi contribución para que la gente siga escuchando este tipo de sonidos. Recibir un email de alguien que se sintió identificado con la propuesta es mas que suficiente. No busco llenarme los bolsillos con esto, para eso hago otras cosas. No todo tiene que generarnos una retribución económica."

 La reflexión de Braulio es importante porque actualmente es difícil escapar de la presión capitalista que hace que cada acción implique una retribución económica. El arte no se escapa de esto y obviamente modifica mucho las posibilidades y las libertades. Esa posición liberada es lo que ha hecho de este disco un trabajo fresco, no hubo ningún tipo de presión de tiempo ni formato para estas canciones, en vez surgieron de la tranquilidad y el tiempo libre. Hay ciertamente una fuerte inclinación hacia las guitarras distorsionadas sin embargo el uso de los teclados es igual de importante en la formula. De esta manera hay una buena transición de canciones como "Time to live a little" sustentadas prinicipalmente en riffs a otras como "3 AM" donde los teclados cobran protagonismo. Durante el disco hay una interacción constante entre todos los instrumentos lo que hace que cada uno tenga su lugar y momento preciso y que el resultado final logre ser uniforme sin volverse aburrido.

El hecho de que este disco haya recibido reconocimiento tiempo después de su lanzamiento (durante este año ha recibido excelente criticas en diferentes partes del globo) confirma su estatus atemporal. No fue hecho para ser un producto del momento sino para ser descubierto como algo nuevo cada vez. Ante la posibilidad de un segundo trabajo Braulio comenta que existe material pero que las reglas para él siguen siendo las mismas, no imponerse ningún ritmo, si un nuevo trabajo de Devilish Dear esta destinado a aparecer, el tiempo lo dirá, mientras tanto "These Sunny Days" puede seguir madurando en cada escucha.

Recomendamos leer una de las notas de lanzamiento del sello Midsummer Madness de la cual hemos tomado varios pasajes e información. Así como otros proyectos relacionados a esta banda como:  Kao & the Mind Melt, Montecarlo Jive, Angelfood , Spaced Out Gafieira, Lost Letters.

Metas cumplidas: Camille Claudel lanza su disco debut.

Hace unos días hablando de otra banda brasileña ( The Concept ) meditabamos sobre como en las décadas pasadas grabar un disco podía llegar a convertirse en una labor de toda una vida, las posibilidades y opciones de grabaciones en los 90s eran aún bastante caras y la tecnología aun no permitía las facilidades de grabar en casa. Esto en un panorama latino americano siempre va a ser aún mas fuerte . En el caso de Camille Claudel (bautizados así como homenaje a la escultora francesa) les tomo 23 años lanzar su primer disco, aunque decirlo así es un poco injusto con ellos y con su historia. 

La realidad es que esta banda nació en 1994 en Volta Redonda, Brasil siendo fundada por Frederico Griman, Henry Farani y los hermanos Maria Stella y Bruno Ribeiro,  en aquel entonces estuvieron unos años juntos con la idea de grabar un disco cosa que por motivos económicos -y otras cosas- no lograron separándose tras algunos años de recorrer escenarios locales. En el 2013 Frederico resucita esta banda con una nueva formación. Cuando el año pasado conocí esta banda la vi mas como un proyecto nuevo (de  hecho estuvo en nuestra sección mensual Crónicas Misceláneas dedicado principalmente a artistas nuevos), sin embargo tras  Camille Claudel ya había una historia larga de intentos e intenciones. ¿Porque volver? en cierto modo podemos decir que no dejaron una huella fuerte en su momento y tal vez no sean recordados por mucha gente (tomando en cuenta que de su primera época no quedaron registros ni grabaciones) sin embargo tras este regreso hay una intención clara: saldar una deuda con el pasado,

Tras lanzar algunos singles bastante interesantes el año pasado (Novo qualquer y Ceu Laranja) la banda lanzó su LP debut en marzo de este año. Al darle play a este disco es importante entender todo lo que encierra tanto musical como emocionalmente para sus integrantes, afortunadamente el resultado no decepciona para nada. . Este disco suena tan vital ahora como hace 20 años. Mezclando temas cantados en portugués como otros en ingles, Camille Claudel se acerca al sonido clásico del shoegaze aunque personalmente me recuerdan en buen modo  a Jesu ya que tienen no solo esas guitarras densas y lentas sino también letras fuertemente intimas y reflexivas, buen ejemplo de ello es "Balada Borderline". Este disco fue grabado y mezclado por  Bruno Giacomim en su estudio casero, de la formación original de los noventas solo queda  Frederico Griman quien se encarga de las guitarras y composición acompañado ahora por Luiza Griman en bajo, Rafael Inácio como segunda guitarra y Daniela Magalhães en batería.  Las múltiples referencias Shoegazer están presentes no solo en el sonido sino en la canción del mismo nombre, un curioso homenaje al genero de una manera tanto confesional como fanática, creo es la primera vez que una banda habla de la situación puntual de tocar en directo mirando los pedales en una canción, una jugada peligrosa que les sale bien logrando un gran tema.

El disco cierra en su cover  del clásico de My bloody Valentine "O que você quer (what you want)" hecho para el disco tributo del portal brasileño The Blog that celebrates Itself que tiene al final un genial guiño a la música tropical brasileña. Con esta segunda venida estos brasileños no solo han cumplido su meta de lanzar su primer disco sino que también han vuelto a presentarse en vivo, con todo lo que puede significar un disco como este hay que decir que este es uno de los debuts mas significativos del año, un disco que muestra bien que mas allá de las distorsiones siempre debe haber buenas canciones, es decir que mas allá de la máquina tiene que haber alma.

* Parte de la información de esta nota viene de un excelente articulo publicado en el portal Floga-se sobre esta banda, recomendamos mucho leerlo. Pueden seguir a Camille Claudel en Facebook.

Reconstrucciones: El regreso de "The Concept", siempre volver a intentarlo.

Hace algunos años cuando conocí a The Concept, me sorprendió toda la historia y años detrás de este proyecto brasileño. Hablar de ellos es hablar de un grupo que en mas de 20 años  de historia dejo una lista de  larga de lanzamientos,  anécdotas musicales y humanas. La banda se forma en 1993 con Robson Gomes y Vagner Sousa como fundadores, la influencia adolescente  de  Teenage Fanclub y del tema "The Concept" fue tan grande en Vagner que después de escuchar Bandwagonesque se prometió que algún día tendría una banda con el nombre de la emblemática canción de ese disco. El mismo relata en una entrevista "En un día soleado de 1991, llegue de mi humilde trabajo agarre la parte de cultura del periódico del estado de Sao Paulo, lo llevé para el comedor y antes de cambiarme de ropa leí una reseña que cambiaría mi vida y la de otros locos que vengo encontrando en este trayecto de creaciones y glorias. Era una reseña del álbum Bandwagonesque  de los escoceses Teenage Fanclub, sin pensarlo fui directo a la Galería Rock y ya llegando a Velvet la primera cosa que vi fue la tapa rosada del álbum con un saco de dinero, no recuerdo cuanto pagué pero para mi el precio era lo de menos, después de pasar la tarde entera escuchando las distorsiones y melodías, así nació The Concept.". Entre el lanzamiento de ese disco de los escoceses y el nacimiento en Brasil de la banda hay apenas dos años, dos años en los que se empezaron a fabricar varias fantasías.

Para poder entender un poco el espacio que ocuparon en el tiempo podemos dividir su historia en 3 grandes etapas,- "Los primeros años fueron una especie de escuela fue donde aprendimos a crear, fue donde creamos ese proceso de composición demente que duro más de dos décadas" Esa primera época comprende su formación en 1993 hasta el 1997 marcado por los múltiples cambios de formación: la banda por momentos fue un dúo (Vagner/Sousa) en otros llego a ser un quinteto (Rithinha en voces, Adriano en batería y Milton en las guitarras) y en otros jugo con la idea de ser un trió clásico. Esos años estuvieron marcados por la búsqueda de una identidad, varias personas intentaron encarar la labor de las voces sin terminar de convencer del todo. Según Robson Gomes  "Hubo un  hiato de la banda que  fue importante, fue donde me convertí en vocalista (no sabía cantar, pero no cantaba menos que los otros vocalistas que la banda había tenido). Andre Cordeiro deja la banda y finalmente asumo las voces," De aquella época quedaron tres demos tapes de los que aun queda la deuda de ser digitalizados:  Life by Rocker – Demo -tape 1995 - Confidence – Demo-tape 1996 -Live Again -Demo-tape 1997. Históricamente esta es una época importante para la música underground brasileña que vive un fuerte auge y expansión de la mano de bandas como Pin Ups o Second Come que se influencia fuertemente de la noise rock y la psicodelia hecha en el extranjero y buscan llevarla al contexto local.

La que se podría catalogar  como la segunda época de la banda comienza entre fines y comienzos del nuevo siglo, The Concept entra en una nueva era tanto en lo personal como en los cambios sociales y humanos que marcarían el siglo XXI; Single Da Era  y My Lost Generation  lanzado en el 2002 (disponible en el Bandcamp de la banda) marcan una búsqueda por un sonido mas profesional así como de una madurez,  sus fuertes influencias siguen presentes pero se empieza a vislumbrar una postura mas personal en sus canciones, esto en gran parte debido al hecho que sus integrantes ya no eran adolescentes y su vida adulta empezaba a colarse fuertemente en su música haciéndola un producto de su realidad y no tanto de sus fascinaciones. En el 2004 la banda llega a la final del festival de música de la extinta radio "Brasil 2000/Anhembi Morumbi" con lo cual graban una versión para radio de su single "Truth Telegram" lanzado con el lado B "Dont Shine" además de significar una mayor rotación en las radios locales The Concept empieza a tener una recepción mucho mas fuerte por parte de la escena local, el hecho de que la banda asumiera mas fuertemente la grabación y producción de su música así como la primer década de experiencia cierran una etapa gloriosa para ellos.



"Operation End (Single.2005)  y The Today are passing by (B-Side-2005),  fueron para mi los divisores de agua de The Concept donde finalmente maduramos musicalmente tanto en vivo como en estudio. No mucho después apareció TIMES IN ACTION (Live Álbum) Gang Music Hall/Julho de 2003."

Sin embargo este fuerte periodo de gracia también dio lugar a disputas entre sus integrantes, la banda se separa por tres años dejando un futuro incierto. Los motivos para volver no fueron del todo gratos.  "Volvimos debido a  la muerte de un amigo nuestro, Leandro. - relatan- Él siempre me decía que iba a hacer la banda volver a los escenarios pero no se imaginaba que sería de una manera tan triste y dramática"  además de rendir un homenaje al fallecimiento de un fan y amigo, la vuelta de The Concept buscaba también grabar nuevos temas. el EP "Reconstruction" lanzado en el 2011 reúne algunos temas antiguos junto a una nueva canción queda nombre el lanzamiento. Recuerdo de hecho que la primera vez que escuché de The Concept fue en el 2012 cuando lanzaron su single "Wrong Way", una canción que los mostraba en su momento mas lucido, el sonido y la composición mostraban que la banda había logrado a palos y abrazos la madurez. Esta nueva época, les brindo una ventana mas grande gracias a la fuerte expansión del rock brasileño en otros países gracias al Internet  y a medios independientes como "The Blog That Celebrates Itself" que empiezan a difundir en el circuito internacional proyectos locales.

Foto por Dimitry Uziel

Esta tercera era de la banda los muestra ya no como adolescentes aficionados sino como adultos que hacen catarsis de sus sentimientos y problemas a través de la música. Sus presentaciones y grabaciones buscaron ser mas cuidadas, como su bajista Vagner confiesa en una entrevista de la época: "Ese período de hibernación   fue importante  para que  algunas personas empezaran a valorarnos, hoy en día preferimos hacer pocas presentaciones y no tocar en cualquier lugar por un par de cervezas." su nueva ambición era completar lo que se podría llamar su primer LP, el material ya estaba en sus cabezas, como el mismo Robson cuenta: "En ese periodo intentamos grabar nuestro último álbum, Unknown Pop por  primera vez pero no lo logramos, las grabaciones eran malas resolvimos regrabar el disco algunos años después pero esto resulto ser un parto de elefante, el proceso de grabación no fue tan largo pero entre las mezclas y masterizacion la banda se separa nuevamente dejando el disco en los anaqueles, lanzado en el 2015 de manera ya póstuma."

The Concept propone un viaje del amor adolescente a la madurez, Unknown Pop es un disco tremendamente bueno que cristaliza sus ambiciones durante mas de dos décadas, es también un disco que tomo tiempo, un trabajo adaptado a la realidad de una banda latino americana. La pasión  y el fanatismo, guardan algo fantástico en si mismo ya que en si son los motores que impulsan cualquier historia, Aunque parezca que Unknown Pop  apareció tal vez demasiado tarde ese ultimo disco, es también su mejor momento. Ya sea por la misma necedad que los lleva volviendo a juntarse durante 24 años The Concept se vuelve a reunir por cuarta vez este año, nada promete que no vuelvan a pelearse pero al fin y al cabo esa es su historia personal ya lejana de aquel disco de una banda escocesa.



* Junto con el re-lanzamiento de esta nota publicada originalmente en el 2013 y aprovechando la reunión de la banda se puede escuchar y descarga por primera vez el disco "Unknown Pop" a través de Bandcamp.,también pueden conocer y seguir a The Concept en Facebook

maquinas, del lado del sonido que se funde en uno solo.

Hay una calle de la ciudad de Fortaleza por la que transitan miles de historias, por una camina Heitor, un profesor de ingles taciturno perdido en si mismo se cruza desprevenidamente con Roberto guitarrista de "maquinas" mas allá de lo físico por esa calle transitan sentimientos "todo el contexto del álbum remite a lugares, no necesariamente lugares simbólicos de Fortaleza pero si lugares cotidianos de nuestras vida, ya sea nuestras casas, nuestros cuartos, el carro que nos trae a casa después de trabajar, la calle que transitamos. De cierta forma esos lugares tienen algo siempre inquieto, Son los entornos en los que nos soltamos, dejamos nuestras mascaras y mostramos lo que realmente somos o simplemente observamos el mundo que nos rodea. Ese es el "Lado Turvo" los lugares por los que transitamos y que influyen una energía sobre nosotros  El disco habla de la melancolía del día a día pero creo que el mensaje final no es necesariamente triste o alguna oda a la melancolía es mas sobre desligarse de esos sentimientos y seguir adelante."

Mas que necesario el esperado este debut viene para terminar de cerrar una construcción lenta pero contundente. En maquinas, vive un amor puro por el sonido lento casi hasta llegar al slowcore pero aderezado con una rítmica vibrante que se permite giros de tonalidad y ritmo donde el escucha es el principalmente el afectado. La banda alcanza aquí una sensación; esa empatia personal y esa química musical que los pone en el mismo plano derritiéndose poco a poco en estas 6 canciones. No hay un liderazgo la guitarra, bajo, batería y voces terminan haciéndose uno y logrando una continuidad sonora y sentimental envidiable. Hay un fuerte sentido de dualidad en este disco, no solo por el titulo que tiene una correspondencia como su cantante Allan la explica lineas arriba, sino en como el sentido musical tiende a ser estructurado, construido lentamente entre los instrumentos en un espiral, casi una montaña rusa a una velocidad que nos permite registrar también las historias que hacen parte de este trabajo

Hay un tono confesional desde la manera en que Allan cantan en varias canciones, con un ritmo recitado y contemplativo, él mismo confirma y ahonda en esto - "creo que solo quería ser sincero conmigo mismo y hablar de algo de lo que realmente quería hablar sin fantasear algo que estuviese fuera de la realidad de mi vida".- A través de ese tono y sentimiento se fueron creando durante los dos últimos años las canciones que componen este trabajo, prácticamente después de terminar su EP debut en el 2014 este disco ya estaba tomando en forma en una parte en la realidad en otra desde las cabezas de sus 4 integrantes que iban fortaleciendo sus lazos como seres humanos y amigos "maquinas termina siendo como otra familia, siempre estamos juntos no solo para ensayar, sino para conversar, tomar y divertirnos juntos, es genial que siempre sea así."

La apertura de Quarto Mudo nos introduce como a través de neblina creada por las guitarras en la situación " esa canción habla sobre la sensación de reclusión, de no querer pertenecer mas o ser parte del mundo exterior, recluirse en casa y simplemente olvidarse del mundo exterior y de todo por un tiempo". Contramão es el tema mas corto ( en un disco donde los sonidos suelen extenderse) pero también una cancion especial, no solo por la manera en que Allan canta (inspirado un poco en las voces de Slint, Arab Strap, o Mogwai ) sino también por la participacion de Gabriel de Sousa de la banda del trio de musica experimental Chinfrapala. en saxofón dando la medida justa a un relato post-resaca en busca del olvido al menos temporal.

Foto por: thaís bandeira

Según la banda "Drive By" fue la canción que les tomo mas tiempo en crear, no por una cuestión de extensión ( es la canción mas larga del disco, aunque tampoco muy superior en comparación del resto) sino por una cuestión de lograr el clima, sonido y alma adecuada, esto se nota mucho en la misma siendo uno de los puntos mas altos del disco, esto lo digo desde una apreciación muy personal pero al escuchar este disco siento que todo lo que la banda fue construyendo en este ultimo tiempo logra llegar a un clímax hacia los 4 minutos de esa canción en la que todos los instrumentos y sus integrantes explotan juntos logrando esa experiencia vivificadora que como banda maquinas creo busca transmitir, una mezcla entre el delirio sonoro y las vivencias personales

Grabado bajo la tutela de Igor Miná en Mocker Studio "Lado Turvo, Lugares Inquietos" conjuga una buena cantidad de historias algunas personales otras no tanto, en cierto modo la dualidad de su titulo se equipara muy bien con lo musical y los espacios que la banda habita; lanzado por Transtorninho records (Recife) y Bichano Records las historias del disco continúan en la realidad, vale la pena leer el texto que Fred Zgur de Bichano Records redacto contando su experiencia con la banda a través de los kilómetros, algo que nos lleva a lo real y a lo humano así como las canciones de maquinas.

BANDCAMP / FACEBOOK

Reseñas: Alberi - Clausura EP, contundencia y emoción

Alberi nace en la ciudad industrial del Brasil llamada Uberlândia  hace apenas casi dos años, cinco amigos deciden juntarse a hacer música dando vida a un proyecto que hace apenas un mes lanzó su primer E.P. Hasta ahí parece una historia musical mas, sin embargo a través de sus canciones esta banda no solo logra transmitir sentimiento sino compartir las vivencias que surgen en su entorno. Siempre he encontrado interesante como el lenguaje puede resaltar mas allá  del entendimiento del mismo, es decir como el sentimiento propio de una lengua se transmite por simple inercia;  si a esto le sumamos el carácter, fuerza y emoción que cada uno le impone ya sea al hablar o en este caso al cantar, tenemos sin dudas una herramienta eficaz para  despertar emoción. Esto es lo que más me ha llamado la atención de esta banda la carga de emociones que en un idioma como el portugués  logran transmitirnos.

 Desde la primera canción la voz y estilo vocal del cantante Pedro Machado resalta por su simpleza y personalidad pero mas que nada por su sentimiento ( Me acostumei a perder, me acostumei a esquecer, me acostumei a esconder. ) Sería sin embargo injusto  atribuir lo contundencia  de estas canciones  solo a sus letras, musicalmente Alberi logra un sonido con unas influencias muy claras:
por una parte las guitarras recuerdan mucho el sonido "shoegazer" pero la dinámica general de la banda termina siendo mas orientada hacia un sonido mas dinámico con una fuerte influencia del sonido emo noventero ( contundencia+ emoción) logrando así un cóctel de influencias que desemboca en una formula mas bien original.



Creo que es difícil plantearnos después de siglos de exploración musical que una banda pueda crear algo totalmente nuevo, sin embargo algo que rescato mucho de cualquier proyecto es la honestidad, en este caso   es algo clave, las canciones no tienen miedo de presentarse tal como son y ese es su valor mas importante. Canta Alberi en Dançando no escuro "Mesmo que não me falte algo, Falho, sempre falho, me entrelaço em nós arrancados de dentro.  Se procuro distâncias que eu não posso alcançar" y desde el primer momento el sentimiento se hace claro incluso sin terminar de en palabras entenderlo.

Este lanzamiento pronto tendrá una edición en 7" y viene de la mano de , Share this Breath sello y distro DIY de Brasilia , con estas primeras canciones Alberi sorprende y nos presenta una propuesta joven que creo puede llegar a madurar muy bien, algo que el tiempo y la música ya nos dirá.

FACEBOOK / BANDCAMP

Gorduratrans y su repertório infindável de dolorosas piadas .

Brasil parece tener cada vez mas un panorama discográfico interesante,  al menos en lo que se puede percibir a simple vista a través de las redes hay un creciente movimiento de sellos en distintas partes de este país que además traen consigo una buena camada de artistas nuevos y veteranos El cómo y el porque de este florecimiento lo tendríamos  que ver con mas calma por el momento siguiendo revisando el material del sello  Bichano Records de Rio de Janeiro nos llega otra  recomendación mas que bienvenida : Gorduratrans.

Es placentero escuchar un disco debut donde las letras juegan un rol tan especial sin dejar de tener con mucha cualidad sonica. Si bien es un disco de fácil digestión, es también un trabajo que en cada escucha logra ir mostrando un nuevo detalle, dejando ver un dúo interesante. con unos roles bien definidos para un primer trabajo. También las canciones son bien distintas entre si y logran liberar una buena carga de emoción.Se podría catalogar bajo la etiqueta shoegaze pero creo que también es bastante escueto hacerlo, Gorduratrans sin duda toma aspectos del genero ingles pero también del noise rock mas clásico y algunos detalles un poco al emo  clásico para facturar un disco variado y entretenido.

La genial portada de  repertório infindável de dolorosas piadas es hecha en base a una foto de Natália Mansur arreglada por Felipe Aguilar quien se encarga de la guitarra y voz de este dúo junto  Luiz Marinho (batería y voz). Este disco fue lanzado en los últimos meses del 2015 y la banda esta actualmente presentándolo en diferentes ciudades de Brasil de la mano de Bichano Records.

FACEBOOK/ BANDCAMP

Shoegaze Essentials 2015: Ceus de Abril - Ultimo Adeus (TBTCI)

En Brasil se produce mucha música, tanto que es difícil seguirle la pista a tantas ciudades y tantos proyectos. Cada tanto también hay una nueva banda que aparece y logra ir más allá de lo esperado, Ceus de Abril ( Bautizados así en referencia al tema April skies de los Jesus and Mary Chain)es una de las revelaciones brasileñas de este año. El trio está formado por Wilson Alencar ( guitarra-voces) Stefany Martins (sintetizador y voces) y Renato Araujo ( bajo); originalmente el proyecto comenzó en el 2010 como un dúo-pareja entre Wilson y Stefany que aprovechan su relación para hacer canciones, no seria sino hasta el 2014 que empezarían a tomar forma las canciones y hacerse inminente la grabación de algún material.

Fanáticos de siempre del sonido shoegaze decidieron crear un proyecto en el cual volcar esa emoción noventera, como Wilson acierta a decir: "Sabemos que hacer shoegaze en Brasil es algo de lo que no se puede esperar mucha respuesta, Céus de Abril es un proyecto nacido de la pasión".

Cantan en portugués, igual que bandas como Duelectrum o Bela Infanta, sin embargo creo que van más allá de la concepción clasica del shoegaze donde la letra se ve como un simple complemento; las canciones de Ceus de Abril giran en torno a la letra y me atrevería a decir que fueron compuestas con estas como base (construyendo encima las bases de los instrumentos).

Su EP abre con Mae, el tema más largo y que explora mucho la textura del tremolo, la canción no tiene muchos cambios pero el canto de Stefany y los coros de Wilson son los que logran en cierto modo dar el giro argumental. Falso Amor es un tema rápido tanto que se hace necesario ponerlo una y otra vez para terminar de disfrutarlo, es lo mejor de la banda en tres minutos, guitarra a plena distorsión, Stefany y Wilson a dúo en la voz llevando una conversación con trasfondo a historia de amor.

Foto por Emerson Reis.

"Cada una de las canciones tiene una historia en especial, algunas veces hablamos del amor otras del desamor, otras son más existencialistas no seguimos ningún plan específico"

Ultimo Adeus que le da nombre al EP,es mucho más pausado que los anteriores, los teclado cobran bastante protagonismo y van entrelazándose con la guitarra y la voz hasta llegar al outro instrumental donde se cunden juntos. Vodka cierra con dando un par de guiños a un par de clásicos para armar con eso un tema distinto.

Ultimo adeus cumple con la primera regla para un debut: emocionar. Las cuatro canciones logran explorar bastante el sonido del reverb y el tremolo cada una aportando una textura o ritmo, más allá de eso los temas cierran porque tienen mucho espíritu y energía, suenan honestos y dejan abierta la puerta a lo que un disco debut puede lograr. La banda aún no sabe que sea, pero en algún lugar del Brasil esas canciones ya están tomando forma.

FACEBOOK-BANDCAMP

Entrando al sonido de "Maquinas" ( Brasil)

Brasil ha sido siempre una fuente de bandas inagotable, en toda su extensión geográfica la variedad musical que se puede llegar a encontrar es casi tan inagotable como sus paisajes. Dentro de ellas Maquinas creo no ha logrado llegar a generar la atención que merece. Tal vez una de las razones es la falta de un disco o al menos un EP largo que valide su concepto musical, por suerte este nuevo single no es mas que un pre- escenario para su debut discográfico.

No sobra decirlo, la propuesta musical de este cuarteto oriundo de Fortaleza no es tan easy- listening sin llegar por eso a ser difícil, en el caso de este single: trae un tema nuevo de casi 10 minutos donde ha gusto exploran incluso mas climas que en su lanzamiento anterior. Esta parte me parece es clave, maquinas suele crear diferentes climas en sus temas, la voz que del canto pasa en otros momento a momentos recitados logra junto con la instrumentación eléctrica y la a veces batería tribal, hacer de su escucha una experiencia no sencilla pero que al dar la mínima atención es pagada con creces.

Les dejamos sus primeros dos lanzamientos a espera de su (al menos aquí) ansiado debut:

FACEBOOK

Reseñas: Maquinas- Maquinas (2014)

Como afirma Allan Daniel bajista y cantante de Maquinas; "No creemos que el nuestra lengua sea un problema para llegar a otros públicos, tal vez resulta mas interesante para la gente escuchar una banda que canta en portugués y hace este tipo de sonidos", resulta interesante ya que en la escena alternativa brasileña se puede encontrar un poco de todo, bandas que cantan solo en ingles, en ingles y portugués y algunas como este cuarteto de Fortaleza que usan solamente su lengua materna. No se puede juzgar como bueno o malo cualquiera de esas posturas, mas allá de cualquier arrebato nacionalista lo que mas resulta interesante para una banda brasileña haciendo este noise-gaze es que usando el portugués en sus canciones crean otro ambiente, otra cadencia rítmica en los temas.

Por un lado estas 3 primeras canciones son el primer material lanzado por este conjunto que comenzó apenas en el 2013, si bien se podría decir que es un EP por su duración también podría considerarse un álbum. "Todo comenzo en el 2013 cuando me junto con Roberto ( Voz/Guitarra) con quien comparto gustos e ideas musicales, decidimos formar una banda,tiempo despues se nos une Tomas en bateria y empezamos a improvisar en estudio, cuando entra Erik en la otra guitarra empezamos a componer los primeros temas"



Bien parece conservar aún su sonido esa primera huella de la improvisación en temas como Theresa, en el cual la banda se esfuerza por primero crear un clima y ritmo y mantenerlo durante los 7 minutos de duración, sobre esa base sin embargo van surgiendo detalles y sorpresas que logran que el tema se haga mas interesante ( como el arrebato explosivo en guitarra hacia al final del tema). Mofo el tema que abre resulta el mas alegre de los tres con un tono de voz esperanzador. "Ese tema habla sobre bandas que ya no existen mas y como esa huella queda tanto en sus vidas como en los que vivimos su música a través de vídeos y discos a través del tiempo."

Mientras tanto el cierre de Elevador con voz recitada y un ambiente mas calmado sin dejar de generar cierta tensión, confirma como la formula de la banda compagina a nivel lírico y de sonido gratamente. Maquinas resulta una gran sorpresa en el circuito musical brasileño que ya tiene un varios discos memorables lanzados este año , su música en el buen sentido de la palabra deja mucho que desear mas que todo pensando en un debut largo y lo que podrían ser estas canciones en vivo lo que los convierte en una de las propuestas nuevas que vale la pena seguir.

Maquinas- Maquinas (2014)

1 .mofo 07:10

2. theresa 07:01

3. elevador 10:50

DOWNLOAD/BANDCAMP

FACEBOOK

Loomer- You Wouldnt Anyway ( Album 2013)

Este conjunto brasileño en realidad se tomo su tiempo en gestar su álbum debut, después de dos grandiosos EPs el ahora trió ( con la salida de su bajista Liege Milk que sin embargo participo en la grabación de You wouldn't anyway) se tomo al menos dos años largos en crear y grabar este trabajo. Compuesto por diez temas You Wouldn anyway valio sin dudas la espera para los que escuchábamos a los de Porto Alegre desde sus ya clásicos temas como Coward, y es a la vez la mejor manera de empezarlos a escuchar.



Lo que desde los primero minutos de escucha marca la pauta es la cuidada grabación y producción que corrió a cargo de Stefano Fell y Richard La Rosa. ( Voz y guitarras de la banda), quienes logran capturar de gran manera el poderoso sonido de la banda como conjunto. Por eso en este trabajo podemos encontrar temas mas sólidos como Road to Japan, Not so Wrong o Mammot Butterfly. Vocalmente el trabajo incluye lo que ya podríamos considerar clásico en la banda, el trabajo vocal de Stefano que va de suave a potente, acompañado por los coros femeninos; ademas la base rítmica aportada por el baterista

Guilherme  Figueiredo suena vivaz y perfecta en cada tema.

Creo que este disco toma un poco mas de apreciar, de hecho a primera escucha no me gusto tanto, no tiene ese atractivo inmediato del EP Mind Drops y de Coward,  ¿Porque? simple, este es un disco mucho mas detallista que vale la pena escuchar varias veces con calma para fijarse en detalles sonoros que creo que no se perciben tan rapidamente, las guitarras por ejemplo ofrecen un abanico de sonidos y efectos mas que deslumbrante, logrando temas mas complejos y elaborados con grandes intros y outros.

Cover Art y diseño por Itapa Rodrigues

Lanzado en diciembre este trabajo marca ademas la inclusión de su nueva bajista Fernanda Schabarum ( de Parkplatz y Red So Deep) para principios de este año se espera la edición física que con 300 copias en vinilo y una edición en Cd con booklet, hechas ambas por el sello brasileño midsummer madness que tiene un interesante catalogo de artistas. El trabajo ademas fue lanzado por el netlabel brasileño Sinewe netlabel. Un disco que tiene mucho aun por mostrar y que sin dudas consolida mas a Loomer como banda.

Loomer- You Wouldnt Anyway ( Album 2013)

1.slow dream 04:14

2.mammoth butterfly 03:25

3.jam 01:49

4.silent noise 04:08

5.snow flake 03:16

6.dark star 03:58

7.not so wrong 04:37

8.painkiller 01:45

9.road to japan 05:33

10.mushroom 03:26

BANDCAMP/DOWNLOAD

SINEWAVE DOWNLOAD

FACEBOOK

Sellos: The Blog That Celebrates Itself ( Brasil)

Fundado por Renato Malizia originalmente como un medio de difusión musical en el 2008, The Blog That Celebrates Itself fue un espacio en el cual grandes bandas tanto del ámbito internacional como brasileño, eran presentadas a través de entrevistas y reseñas, a la par Renato fue organizando eventos en Sao Paulo apoyando bandas de la escena de esa ciudad. El crecimiento de este espacio de difusión fue inminente tanto que a finales del año pasado inicio sus actividades como sello discograrfico.

De ahí en adelante y en menos de 6 meses el trabajo de Renato Malizia junto a  Dimitry Uziel ( encargado de todo el trabajo visual tanto del sello como de los trabajos de sus artistas) es digno de contar, sus lanzamientos a la par con su trabajo en producción de eventos, se han convertido en un nuevo aire para la escena brasileña, la cual tiene tanto para dar a nivel de artistas.

Entre su últimos lanzamientos se encuentran el Box set con los tres EPs de Bela Infanta el cual reseñe hace poco, el debut de Infraudio y mas recientemente el tercer EP de Robsongs el proyecto solista de Robsongs Gomes guitarristas y voz líder de The concept :  Tudo é Preto e Branco, con este trabajo se cierra la serie de EPs debuts de este veterano músico brasileño, sumando en total 10 temas y un remix por Alexx Kretov de Ummagma, esta obra en tres actos retrata lo que el mismo Robson cataloga como la transicion de una época oscura en su vida, con un segundo EP menos eléctrico y aun introspectivo, este tercer EP es la vuelta a la electricidad y las guitarras estridentes, complementado con la carga lírica emocional que es tan perceptible aun sin entender totalmente el portugués  y mas que en la lengua arraigado en el sentimiento y la voz que lo transmite.

No ajenos a la escena internacional, The Blog that Celebrates itself ha lanzado en menos de un mes dos lanzamientos con artistas de otros países  el primero titulado  The Psychedelic Sounds of The Blog That Celebrates Itself Vol. 1  es un compilado que reúne a grandes proyectos musicales de todo el globo rindiendo homenaje a representantes de la psicodelia de todas las épocas, desde los Brasileños de The Sorry Shop con su cover de The Velvet Underground a los ingleses Dead Rabbits  tocando Funnel of Love de Wanda Jackson.

Y cerrando por ahora una producción vertiginosa que seguramente seguirá ese ritmo en los proximos meses, TBTCIR lanzó el EP de Tone Rodent proyecto de St, Louis, Estados Unidos de influencias shoegaze y psicodelicas. En Muchos sentidos este sello brasileño  a nacido para darle un espacio mas de difusión tanto discográfica como en cuestión de eventos a una escena brasileña de grandes exponentes, a la cual le hacia falta un medio transmisor, prueba de ello es la cantidad de trabajos lanzados en tan poco tiempo, y los que con suerte aun vienen por escuchar.

FACEBOOK

BANDCAMP

WEB

YOUTUBE