Reconstrucciones: Mi Andromeda, volviendo sobre el vuelo lo-fi de sus dos primeros EPs.

Cuando en el 2012 escuché las primeras canciones de Mi Andromeda se hizo claro que tenían algo especial. Por ese entonces tras un primer single lanzaron su EP debut "Alfa Reticuli" una colección de cinco canciones que encantaban desde el primer instante y que hoy 5 años después considero se han convertido en todo un clásico. Mi Andrómeda es una banda proveniente de la ciudad de Melpilla en Chile, sus integrantes son Vicente  (guitarra, bases, voz) Carlos (guitarra) y Claudio  (Bajo), quienes se declaran interesados en las constelaciones, la sinestesia y lo audiovisual. Comenzaron a tocar en el 2011 y meses después lanzaron el single " Lisergico III" que al día de hoy es sin dudas una de sus mejores canciones, una canción intensa con un lado claramente shoegazer pero con una impronta lo-fi realmente poderosa. Este single marcaría también su ya clásica serie de singles previos al disco. Alfa Reticuli abre con "Cigarro", una batería marchante donde la voz tímidamente lucha con un mar de distorsiones, con esos detalles la banda deja clara una propuesta sonora muy bien definida para un debut creando atmósferas intermitente de sonido. En el cierra de "Como el Sol" se dan el espacio para divagar sonoramente, logrando cerrar con ocho minutos de sonidos  concisos y ensoñadores.

Esas primera composiciones ya anticipaban mucho y para ese entonces los melipillanos ya anunciaban la preparación de un segundo EP que se sabia se titularía "Beta Reticuli" ¿Una suerte de continuación? ¿La expansión de una idea?, difícil responder. En buena parte este segundo trabajo esta claramente enmarcado en una misma época lo que hace que muchos detalles de estilo y grabación  sean coincidentes, sin embargo este segundo EP tiene un sentido mas crudo en comparación a su debut. El primer tema, comienza potentemente para cerrar con un coda instrumental que recuerda el final de To here Knows When de My Bloody Valentine , sigue en mi opinión el tema mas logrado de este lanzamiento "Estamos Juntos a la misma Altura"  ahí la banda se nota mucho mas enérgica gracias a  acoples y estruendos de guitarra mucho mas fuertes acompañados por la voz de Vicente que resalta por lo lineal y calmada ante el ruido. La banda logra crear texturas mucho mas expresivas que en su primer trabajo y grandes finales como el de "Hoy no se escapó"  mostrando tanto un estilo mas formado como una  técnica de grabación mas depurada.

En muchos sentidos esa primera dupla de EPs  definirían muchos detalles que Mi Andromeda aun explora, Fueron una muestra temprana de la genialidad de una banda que  en buena parte aun pasa desapercibida tanto por la critica como por el publico. ¿Porque? en parte aunque con una influencia clara del shoegaze Mi Andromeda toma una vena mucho mas marcada por los sonidos y composición lo-fi, evitando a propósito la  búsqueda de una alta fidelidad. Sus canciones están plagadas de ruido en el estado mas puro,  sin mezclas o masterizaciones que  aligeren esa crudeza, esto en un panorama cada vez mas perfeccionista hace su propuesta mas arriesgada y ligada a una atención que no todos están dispuestos a dar. Para escuchar a Mi Andromeda hay que ir mas allá del ruido y adentrarse en las notas, voces y melodías que configuran de manera certera su origen mas bien pop.



Tras este intenso periodo de actividad la banda se tomaría dos años para terminar su primer larga duración, un disco que cerraría el concepto y búsqueda de sus primeras canciones de manera mas clara. Eso sin embargo ya es otra historia ( Ver nota Los Paisajes Digitales de Solana). Mi Andromeda ahora constituido como dúo (Vicente/Carlos) ha logrado un reconocimiento modesto pero importante en Chile, de hecho fueron incluidos en el compilado NMC, Pop de Guitarras en Chile y aunque ajenos a toda la escena y movimiento de la capital (hasta el punto de desaparecer por largos periodos de tiempo) la banda ha logrado encantar a muchos.

Mi Andromeda - Alfa Reticuli  /Beta Reticuli EP (2012)

1.Cigarro

2.Lisergico III

3. Espina

4. Distorsion Instrumental

5. Como el Sol
-
1. Daniela (te olvidé, te olvidé)
2. Estamos juntos a la misma altura
3. Natalia del Carmen
4. Hoy no se escapó
5. Hoy PM
6. Ella duerme

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Metas cumplidas: Camille Claudel lanza su disco debut.

Hace unos días hablando de otra banda brasileña ( The Concept ) meditabamos sobre como en las décadas pasadas grabar un disco podía llegar a convertirse en una labor de toda una vida, las posibilidades y opciones de grabaciones en los 90s eran aún bastante caras y la tecnología aun no permitía las facilidades de grabar en casa. Esto en un panorama latino americano siempre va a ser aún mas fuerte . En el caso de Camille Claudel (bautizados así como homenaje a la escultora francesa) les tomo 23 años lanzar su primer disco, aunque decirlo así es un poco injusto con ellos y con su historia. 

La realidad es que esta banda nació en 1994 en Volta Redonda, Brasil siendo fundada por Frederico Griman, Henry Farani y los hermanos Maria Stella y Bruno Ribeiro,  en aquel entonces estuvieron unos años juntos con la idea de grabar un disco cosa que por motivos económicos -y otras cosas- no lograron separándose tras algunos años de recorrer escenarios locales. En el 2013 Frederico resucita esta banda con una nueva formación. Cuando el año pasado conocí esta banda la vi mas como un proyecto nuevo (de  hecho estuvo en nuestra sección mensual Crónicas Misceláneas dedicado principalmente a artistas nuevos), sin embargo tras  Camille Claudel ya había una historia larga de intentos e intenciones. ¿Porque volver? en cierto modo podemos decir que no dejaron una huella fuerte en su momento y tal vez no sean recordados por mucha gente (tomando en cuenta que de su primera época no quedaron registros ni grabaciones) sin embargo tras este regreso hay una intención clara: saldar una deuda con el pasado,

Tras lanzar algunos singles bastante interesantes el año pasado (Novo qualquer y Ceu Laranja) la banda lanzó su LP debut en marzo de este año. Al darle play a este disco es importante entender todo lo que encierra tanto musical como emocionalmente para sus integrantes, afortunadamente el resultado no decepciona para nada. . Este disco suena tan vital ahora como hace 20 años. Mezclando temas cantados en portugués como otros en ingles, Camille Claudel se acerca al sonido clásico del shoegaze aunque personalmente me recuerdan en buen modo  a Jesu ya que tienen no solo esas guitarras densas y lentas sino también letras fuertemente intimas y reflexivas, buen ejemplo de ello es "Balada Borderline". Este disco fue grabado y mezclado por  Bruno Giacomim en su estudio casero, de la formación original de los noventas solo queda  Frederico Griman quien se encarga de las guitarras y composición acompañado ahora por Luiza Griman en bajo, Rafael Inácio como segunda guitarra y Daniela Magalhães en batería.  Las múltiples referencias Shoegazer están presentes no solo en el sonido sino en la canción del mismo nombre, un curioso homenaje al genero de una manera tanto confesional como fanática, creo es la primera vez que una banda habla de la situación puntual de tocar en directo mirando los pedales en una canción, una jugada peligrosa que les sale bien logrando un gran tema.

El disco cierra en su cover  del clásico de My bloody Valentine "O que você quer (what you want)" hecho para el disco tributo del portal brasileño The Blog that celebrates Itself que tiene al final un genial guiño a la música tropical brasileña. Con esta segunda venida estos brasileños no solo han cumplido su meta de lanzar su primer disco sino que también han vuelto a presentarse en vivo, con todo lo que puede significar un disco como este hay que decir que este es uno de los debuts mas significativos del año, un disco que muestra bien que mas allá de las distorsiones siempre debe haber buenas canciones, es decir que mas allá de la máquina tiene que haber alma.

* Parte de la información de esta nota viene de un excelente articulo publicado en el portal Floga-se sobre esta banda, recomendamos mucho leerlo. Pueden seguir a Camille Claudel en Facebook.

Reconstrucciones: El regreso de "The Concept", siempre volver a intentarlo.

Hace algunos años cuando conocí a The Concept, me sorprendió toda la historia y años detrás de este proyecto brasileño. Hablar de ellos es hablar de un grupo que en mas de 20 años  de historia dejo una lista de  larga de lanzamientos,  anécdotas musicales y humanas. La banda se forma en 1993 con Robson Gomes y Vagner Sousa como fundadores, la influencia adolescente  de  Teenage Fanclub y del tema "The Concept" fue tan grande en Vagner que después de escuchar Bandwagonesque se prometió que algún día tendría una banda con el nombre de la emblemática canción de ese disco. El mismo relata en una entrevista "En un día soleado de 1991, llegue de mi humilde trabajo agarre la parte de cultura del periódico del estado de Sao Paulo, lo llevé para el comedor y antes de cambiarme de ropa leí una reseña que cambiaría mi vida y la de otros locos que vengo encontrando en este trayecto de creaciones y glorias. Era una reseña del álbum Bandwagonesque  de los escoceses Teenage Fanclub, sin pensarlo fui directo a la Galería Rock y ya llegando a Velvet la primera cosa que vi fue la tapa rosada del álbum con un saco de dinero, no recuerdo cuanto pagué pero para mi el precio era lo de menos, después de pasar la tarde entera escuchando las distorsiones y melodías, así nació The Concept.". Entre el lanzamiento de ese disco de los escoceses y el nacimiento en Brasil de la banda hay apenas dos años, dos años en los que se empezaron a fabricar varias fantasías.

Para poder entender un poco el espacio que ocuparon en el tiempo podemos dividir su historia en 3 grandes etapas,- "Los primeros años fueron una especie de escuela fue donde aprendimos a crear, fue donde creamos ese proceso de composición demente que duro más de dos décadas" Esa primera época comprende su formación en 1993 hasta el 1997 marcado por los múltiples cambios de formación: la banda por momentos fue un dúo (Vagner/Sousa) en otros llego a ser un quinteto (Rithinha en voces, Adriano en batería y Milton en las guitarras) y en otros jugo con la idea de ser un trió clásico. Esos años estuvieron marcados por la búsqueda de una identidad, varias personas intentaron encarar la labor de las voces sin terminar de convencer del todo. Según Robson Gomes  "Hubo un  hiato de la banda que  fue importante, fue donde me convertí en vocalista (no sabía cantar, pero no cantaba menos que los otros vocalistas que la banda había tenido). Andre Cordeiro deja la banda y finalmente asumo las voces," De aquella época quedaron tres demos tapes de los que aun queda la deuda de ser digitalizados:  Life by Rocker – Demo -tape 1995 - Confidence – Demo-tape 1996 -Live Again -Demo-tape 1997. Históricamente esta es una época importante para la música underground brasileña que vive un fuerte auge y expansión de la mano de bandas como Pin Ups o Second Come que se influencia fuertemente de la noise rock y la psicodelia hecha en el extranjero y buscan llevarla al contexto local.

La que se podría catalogar  como la segunda época de la banda comienza entre fines y comienzos del nuevo siglo, The Concept entra en una nueva era tanto en lo personal como en los cambios sociales y humanos que marcarían el siglo XXI; Single Da Era  y My Lost Generation  lanzado en el 2002 (disponible en el Bandcamp de la banda) marcan una búsqueda por un sonido mas profesional así como de una madurez,  sus fuertes influencias siguen presentes pero se empieza a vislumbrar una postura mas personal en sus canciones, esto en gran parte debido al hecho que sus integrantes ya no eran adolescentes y su vida adulta empezaba a colarse fuertemente en su música haciéndola un producto de su realidad y no tanto de sus fascinaciones. En el 2004 la banda llega a la final del festival de música de la extinta radio "Brasil 2000/Anhembi Morumbi" con lo cual graban una versión para radio de su single "Truth Telegram" lanzado con el lado B "Dont Shine" además de significar una mayor rotación en las radios locales The Concept empieza a tener una recepción mucho mas fuerte por parte de la escena local, el hecho de que la banda asumiera mas fuertemente la grabación y producción de su música así como la primer década de experiencia cierran una etapa gloriosa para ellos.



"Operation End (Single.2005)  y The Today are passing by (B-Side-2005),  fueron para mi los divisores de agua de The Concept donde finalmente maduramos musicalmente tanto en vivo como en estudio. No mucho después apareció TIMES IN ACTION (Live Álbum) Gang Music Hall/Julho de 2003."

Sin embargo este fuerte periodo de gracia también dio lugar a disputas entre sus integrantes, la banda se separa por tres años dejando un futuro incierto. Los motivos para volver no fueron del todo gratos.  "Volvimos debido a  la muerte de un amigo nuestro, Leandro. - relatan- Él siempre me decía que iba a hacer la banda volver a los escenarios pero no se imaginaba que sería de una manera tan triste y dramática"  además de rendir un homenaje al fallecimiento de un fan y amigo, la vuelta de The Concept buscaba también grabar nuevos temas. el EP "Reconstruction" lanzado en el 2011 reúne algunos temas antiguos junto a una nueva canción queda nombre el lanzamiento. Recuerdo de hecho que la primera vez que escuché de The Concept fue en el 2012 cuando lanzaron su single "Wrong Way", una canción que los mostraba en su momento mas lucido, el sonido y la composición mostraban que la banda había logrado a palos y abrazos la madurez. Esta nueva época, les brindo una ventana mas grande gracias a la fuerte expansión del rock brasileño en otros países gracias al Internet  y a medios independientes como "The Blog That Celebrates Itself" que empiezan a difundir en el circuito internacional proyectos locales.

Foto por Dimitry Uziel

Esta tercera era de la banda los muestra ya no como adolescentes aficionados sino como adultos que hacen catarsis de sus sentimientos y problemas a través de la música. Sus presentaciones y grabaciones buscaron ser mas cuidadas, como su bajista Vagner confiesa en una entrevista de la época: "Ese período de hibernación   fue importante  para que  algunas personas empezaran a valorarnos, hoy en día preferimos hacer pocas presentaciones y no tocar en cualquier lugar por un par de cervezas." su nueva ambición era completar lo que se podría llamar su primer LP, el material ya estaba en sus cabezas, como el mismo Robson cuenta: "En ese periodo intentamos grabar nuestro último álbum, Unknown Pop por  primera vez pero no lo logramos, las grabaciones eran malas resolvimos regrabar el disco algunos años después pero esto resulto ser un parto de elefante, el proceso de grabación no fue tan largo pero entre las mezclas y masterizacion la banda se separa nuevamente dejando el disco en los anaqueles, lanzado en el 2015 de manera ya póstuma."

The Concept propone un viaje del amor adolescente a la madurez, Unknown Pop es un disco tremendamente bueno que cristaliza sus ambiciones durante mas de dos décadas, es también un disco que tomo tiempo, un trabajo adaptado a la realidad de una banda latino americana. La pasión  y el fanatismo, guardan algo fantástico en si mismo ya que en si son los motores que impulsan cualquier historia, Aunque parezca que Unknown Pop  apareció tal vez demasiado tarde ese ultimo disco, es también su mejor momento. Ya sea por la misma necedad que los lleva volviendo a juntarse durante 24 años The Concept se vuelve a reunir por cuarta vez este año, nada promete que no vuelvan a pelearse pero al fin y al cabo esa es su historia personal ya lejana de aquel disco de una banda escocesa.



* Junto con el re-lanzamiento de esta nota publicada originalmente en el 2013 y aprovechando la reunión de la banda se puede escuchar y descarga por primera vez el disco "Unknown Pop" a través de Bandcamp.,también pueden conocer y seguir a The Concept en Facebook

Shoegaze Essentials 2015: Cuarteles de Invierno, el sonido y la medida del tiempo.

Grabado, mezclado y materizado en algún momento entre 2011-2015; así presentan su disco debut Cuarteles de Invierno, esa frase que parece no decir nada, ese momento al que aluden en un periodo de 4 años  es sin embargo definitiva y marca gran parte de la vida de la banda que se ve partida en un antes de su debut y después del mismo. Muchas de estas canciones llevaban dando vueltas hace tiempo, fueron tocadas en vivo por varias formaciones y etapas y sin dudas fueron sufriendo cambios para llegar a su versión final . "Creo que el problema principal fue plasmar lo que teníamos en mente, de alguna manera todos estos años fueron para achicar el abismo entre lo que pretendíamos y lo que sonaba en las mezclas parciales y en las grabaciones. Obviamente cuando empezamos con este proceso allá por el 2011, todos los primeros intentos fueron espantosos"

Cuarteles de Invierno formación actual en vivo

LA TORTUOSA BÚSQUEDA DEL SONIDO

El proceso termino siendo largo y algo tortuoso, pero satisfactorio para la banda. Sin entrar a hablar de lo que en términos de sonido es el debut de esta banda Argentina, podemos enfocarnos en el proceso y triunfo personal que resulto este disco;  sus integrantes  fantaseaban con un sonido pero no sabían a ciencia cierta como captarlo, después de un par de intentos fallidos de grabación la banda se resquebraja y queda en el limbo por un tiempo, esto por allá en el año 2011- 2012, Nicolas      

(compositor y principal gestor de Cuarteles de Inviernos durante estos años) cuenta un poco lo duro que fue esa etapa:  Con este panorama, lo que creció fue mi depresión. Así que dude varias veces en cancelar el proyecto, pero finalmente Iván y Yane (nuestra actual tecladista) dijeron que las canciones estaban muy buenas como para que todo quedara en la nada. Y así fue como hicimos todo nosotros (Iván y yo), aprendimos a mezclar y a masterizar, en un proceso podría decir tortuoso de casi 2 años (obviamente por nuestra inexperiencia). Sobre el final apareció Matias y Yane que volvieron a la vida a cuarteles de Invierno como banda, y ya todo fue mucho más fluido.

SUDDEN WALK, LONELY WALK,

Al iniciar el primer tema (Hannet) la guitarra suelta un acorde potente acompañado del resto de la banda, no hay intros ni pausas, sino una descarga instantánea de energía que nos hace sentir como escuchas lo mucho que llevaban estos sonidos esperando a tomar forma. La canción inspirada en un cuento de Kafka mezcla a la vez al mítico productor de Joy Division en una historia a libre interpretación oscura pero fascinante. De ahí en adelante tema tras tema Cuarteles nos da un paseo de nostalgia sonora, su idea de lograr una producción sonora mas clásica primando la amplitud sobre la compresión (un detalle en que los formatos virtuales actuales ha logrado desplazar a la calidad) les valió peleas con los técnicos de sonido.  Es por eso que también hubo una cierta recolección, por ejemplo el tema Mijalil termina siendo una versión entre grabaciones modernas y algunas grabaciones de guitarra descartadas en el 2010.

Al escucharlos y en general siento que la banda transmite un cierto sentimiento desde su nombre, una frialdad nostálgica representada en las guitarras de canciones como Indoor, la literatura juega un papel clave y las referencia son varias, sin embargo estas canciones tienen mucho de Buenos Aires y no están desligadas de ese ambiente ya estén cantadas en ingles o español.

Llegando al cierre esta Dialogo, una canción que suena culpablemente a gloria, los arreglos buscan sin pena lograr ese sonido brillante y épico, el hecho que el disco termine con esta canción no es azar, Sin dudas la banda la eligió como el epilogo que  conjetura la lucha , conquista personal y aprendizaje tras este debut. Algunos proyectos terminan siendo un reto personal, este sin dudas es uno de esos. Mas allá de hablar de la música de este disco, que me parece genial me pareció importante hablar de la historia detrás de este enmarcada en mas de 5 años de historias:

Con el correr del tiempo creo que la banda se transforma un entidad, . A lo largo de mi vida muchas veces me han dicho que mis canciones son lúgubres o poco felices. Yo creo lo contrario, coincido que siempre fueron compuestas en momentos tristes o difíciles, pero creo que transmutan en algo diferente, para mi no hay canciones tristes, hay canciones que me gustan o no. Las canciones que me gustan son todas hermosas, no hay tristeza en las canciones son algo nuevo. Con cuarteles pasa lo mismo, es ese lugar donde podemos transformar el frió en algo que nos ayuda a seguir viviendo por un rato más.

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Reseñas: Aire Espacial- Figuras Cosmicas

Aire Espacial representa la viva imagen del inmigrante latino en Estados Unidos, hijos de inmigrantes mexicanos sus tres  integrantes crecieron y se formaron en Fresno, California donde en el 2009 deciden formar una banda. Que tocan? Shoegaze sin dudas hasta ahí México parece lejano, pero después de escuchar los primeros temas de su debut "Figuras Cósmicas" es difícil no notar la influencia que su madre patria tiene en sus composiciones. Por una parte todas las canciones son cantadas en español lo que es un elemento atractivo: mientras muchos hacen la fórmula inversa ( cantar en ingles para llegar al mercado extranjero), Aire Espacial juega a rescatar su idioma en un mercado donde la lengua siempre ha sido factor determinante para llegar a ser escuchado.

Sin embargo, no creo que todo termine ahí. Al escuchar canciones como Bipolar o Maquina del tiempo, es notable el espíritu del rock mexicano, la voz de Carlos Valencia conserva ese acento fuerte y marcado que recuerda un poco a Saúl Hernandez y otros canta-autores clásicos del rock de México. Este es un disco grabado por una banda influenciada por un genero extranjero y creado también en una tierra extranjera pero que conserva el alma de su origen.

Este año este trió completado por Juan Rodriguez  en Bajo e Ivan Ochoa en Batería completo su primer LP, un trabajo bastante conciso que logra pasajes sonoros bastante intensos e  interesantes y liricamente propone algo al escucha. Ya con eso han ido incursionando en vivo en su circuito local donde conviven con en una escena bastante amplia y que tiene propuestas siempre innovadoras e imponentes. De a poco se han hecho un espacio, sus mismos integrantes consideran que entre el publico latino su música resulta atrayente por el sonido mientras que en entre  el publico shoegazer lo es mas por el idioma.



Figuras Cósmicas es un disco que va dejándonos  este 2015; vale la pena escucharlo, no solo por toda la configuración social, geográfica y musical que tiene detrás, sino porque nos presenta  una banda viviendo en dos mundos distintos y logrando equilibrar esto en sus canciones,

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Videoclub: Canciones para combatir el día a día

A Vídeoclub le puedo atribuir un par de buenos recuerdos , el primero, conocerlos sonando desde un cassete en el Cassete Store Day del 2014 donde Back To,the Punk presentaba su primer EP;luego sin dudas poder haberlos invitado a la primera fecha del ciclo Retablo profano que organizamos durante este año.

Ver este dúo en vivo terminó de cerrar el circulo, los creadores de esas canciones una parte pop una parte hundidas en distorsión ahora tenían rostro. Como por suerte un circulo que se cierra enlaza otro, videoclub empezó tal vez mas pronto de lo esperado su segundo EP. Esto en las salas Moloko Vellocet lo que en mi opinión fue un detalle clave en la creación de su segundo trabajo ya que pule sonoramente muchos detalles de su EP debut dando como resultado final  un sonido mas cuidado y elaborado.

En 5 temas uno de los dúos mas frescos de la ciudad de buenos aires perfecciona sin dudas su propuesta. Entre lo sentimental y lo ruidoso la de Leo y Alejo es una propuesta interesante no solo por la gran química musical que respiran entre una guitarra y una batería, sino también porque sus canciones no tienen miedo de ser divertidas o ligeras, vibran naturalmente y esto frente a un panorama musical donde el noise y la distorsión están cada vez mas ligados a una pose dura o perversa, es un respiro.

Ya que esta es música hecha para ser vivida ( llevada a las calles, los bondis y las casas para alivianar lo pesado del día) mañana Videoclub se presenta en el emergente en el marco de su encuentro de bandas y artistas llamado Slow proyect diverxxia donde además estará por primera vez disponible su nuevo EP en cassete.

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Estreno: Los Kowalski - EP debut Sputnik

Los Kowalski esta conformado de Pablo Fuentes, Manuel Gutierrez y Arturo Ponce.Esta banda fue formada en Mérida, México tras  la disolución de un  proyecto previo que tenían con otro integrante.

Al poco tiempo reciben una invitación para tocar en vivo y a pesar de tener un repertorio muy pequeño, deciden presentarse. Esta primea experiencia basto para que los invitaran de nuevo a este local  y a otros de su ciudad, la banda empieza a forjarse a la par en vivo donde van evolucionando su sonido como en ensayos donde van componiendo nuevo material para sus presentaciones.

Influenciados por el Post punk de bandas como Joy Division en un principio o bandas contemporaneas como The Horrors la banda termina amalgamando una buena cantidad de sonidos como influencia lo que los lleva a encontrar una medida justa para su sonido experimentando con efectos como el reverb y el delay para ir creando atmósferas.

Hace poco su guitarrista nos acerco su primer single que resultaba un extracto de la canción principal de su EP debut que hoy presentamos.  Sputnik son 21 minutos de música divididos en tres partes que no terminaría de llamar del todo canciones, cada una conectada de alguna manera con la siguiente logran dar la experiencia de una escucha continuada y completa. Con una clara influencia shoegaze este primer esfuerzo de la banda se avoca sin embargo mucho mas a la formula del krautrock, Cabe resaltar la colaboración de los miembros de Lorelle Meets the Obsolote, Lorena aporta segundas voces mientras que Beto  hizo la mezcla.

Por lo atrapante que resulta, este es un trabajo muy recomendado, su sonido intricado y complejo en cuanto a melodías y volumen termina siendo un viaje placentero en los que sus 20 minutos de duración  y diferentes ambientes parecen durar un instante.

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Mi Andromeda: Los Paisajes digitales de Solana

Cuanto tiempo hace falta para que un tema pueda ser llamado clásico? de hecho tal vez no es cuestión de tiempo, se puede analizar desde muchos ángulos. Esto porque Mi Andromeda me recuerda uno de los que creo es uno de los clásicos del shoegaze de los últimos años : Lisergico III, tema que venia en su primer Ep del 2012 y que desde un primer momento se convirtió en imborrable.

Los años han pasado, la banda continuo mas activa ahora en Santiago alejada de su natal Melpilla integrándose al circuito de esta ciudad. No mucho después  de su EP debut presentaron su segunda placa el Ep Beta Reticuli (2012) cerrando una primera etapa mas que interesante. De ahí entrarían en un largo proceso para la creación y lanzamiento de su primer LP que cada que iba pasando el tiempo parecía mas cercano.

Mi Andromeda formación actual

Solana ( que vio la luz hace menos de dos meses) es un disco bastante sólido ,si bien tiene mucho de las primeras canciones de la banda ahonda mucho mas en ese sonido a fabula digital que han ido creando en el ultimo tiempo. La prueba mas claras son obviamente las canciones:

 por un lado los títulos remiten a algo magico (Regina ,ayer vi un hada -bosque, y un toque de Carmín) por el otro el sonido se las arregla para crear una acercamiento al ruido de las guitarrias distino, Mi andromeda hace su propia versión del shoegaze, si los comparamos con bandas compatriotas este conjunto se aboca mucho mas al lo fi. juegan con las imperfecciones y en vez de explorar el lado mas duro de las guitarras crean capas de sonido, teclados y ruido digital que colorean de pop psicodelico su sonido.

Un claro ejemplo es Si termina el invierno que usa teclados digitales que van simulando flautas y cantos de niños ( eso al menos como yo lo escucho aunque esta muy abierto a la interpretación). . En general este LP tiende a ir mucho mas por la psicodelia que sus primeros discos aunque tiene un par de temas perfecto como singles,las construcciones largas, canciones mas circulares que parecen terminar en si mismas son comunes en Solana,

Cuanto tiempo hace falta para que un tema pueda ser llamado clásico?  difícil decirlo, es sin dudas una cuestión de sentimientos mas si hablamos de música que no esta ligada a listas de exitos, Mi Andromeda construyo un clásico a base de su evolución musical y en Solana nos dejan un poco de su infancia musical  cristalizada en su madurez.

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Numerologia Inversa: Velodromo EP Debut

Velodromo Foto por Felipe Sepúlveda

4. Catedral: Único tema con voz masculina, un sonido demoledor pero ensoñador, ese sonido mezcla de potencia  sonora y notas arrulladoras como en una canción de cuna para gigantes. Un buen cierre bien medido en notas y detalles.

3. Quisiste Ver:  Medio tiempo electrónico con aires trip-hop la voz de Barbara se sigue luciendo, esta vez la letra juega a ser diáfana y clara.

2. Gemini: El single estreno  con el que se presento la banda, muy orientado al sonido clasico shogazer resulta una canción excelente para comenzar una banda, dejando ver una gran conexión entre sus integrantes a pocos meses de haber comenzado.

1. Atila: Nada mejor que abrir un EP con un resumen de lo que vendrá, Atila conjura los coqueteos con la electrónica y el trip-hop, la fuerte dosis shoegazer y los interludios dream-pop que la banda ira presentando que están por venir ahora mezclados en este tema de apertura.

0. Velodromo es una banda chilena ( cuarteto formado por  Bárbara PDA - Voz, Bajo Sebastián Gaete - Voz, Guitarra ,Gustavo von dem Bussche - Guitarra  y Alejandro Riquelme - Batería) con menos de un año de existencia presentan un EP debut muy interesante donde no niegan sus influencias pero juegan bien sus cartas,

Grandes Distancias: El nuevo disco de La Suma de Todos los Tiempos

Hace mas o menos un año cuando llegué a Buenos Aires pude escuchar tal vez la que era la primera maqueta de Grandes Distancias  el segundo disco de La Suma de Todos los Tiempos que por aquel entonces empezaba a tomar forma y encaminarse en lo que hace menos de un mes fue lanzado finalmente.  Aquellos eran unos primeras tomas crudas de las canciones que este cuarteto de Parque Patricios en Buenos Aires había venido gestando en el ultimo tiempo.

CAMBIO

Comparado con su primer trabajo, este nuevo disco se torna un poco mas oscuro y reflexivo, ahí donde su debut homónimo daba una buena cantidad de melodías pop distorsionadas y letras mas bien alegres aquí nos encontramos con el riff apocalíptico de las Nubes Pasar o la densa y absorbente melodía de El fondo del Mar. Sin embargo este no es un trabajo amargo, El Sueño de Otro Lugar o Huidor se encargan de mantener su sonido vivo y enérgico latente.



UNA FRECUENCIA

De cuando se hacian llamar Infinitas Aves recuerdo como se definian;  infinitas aves es una forma de radiación electromagnética descubierta en 1965 que llena el universo por completo. se dice que es el eco que proviene del inicio del universo, o sea, el eco que quedó de la gran explosión que dio origen al universo, ahora como LSDTT aun persiguen ese objetivo imaginario,esa busqueda de una frecuencia que los ha ido llevando en un espiral infinito hacia el sonido, la construcción de formulas permanece; el tema de cierre en ambos discos es el mas largo del mismo ( Lo que hay detras de las ventanas y Infinito Punto rojo respectivamente)  y da paso a una apoteosis sonica que no parece tener fin, sin embargo ahora ejecutado por un cuarteto mas maduro musicalmente la busqueda es cada vez apunta hacia el centro.



TEORIA DEL VOLUMEN

 Para los que los han visto tocar en vivo durante el ultimo año no es una mentira que La Suma juega con el volumen, en directo han alcanzado un punto que se balancea entre lo armónico y lo soportable, sus conciertos suelen ser intensos pero no por el performance sino por el sonido directamente que siempre termina siendo el ingrediente principal de su formula y al que la banda se entrega devotamente en una especie de pacto ciego.

INTROSPECTIVA

Grandes Distancias es sin dudas es un disco especial, es lo que se llama una obra musical por muchas razones desde el cuidadoso proceso de grabacion y post-producción  al cual la banda dedico tiempo y esfuerzo para afinar todos los detalles, hasta la  unformidad musical y estilistica de todos los temas que se suceden uno tras otro como cascadas de agua. Como toda gran obra esta no estaria completa sin tener su forma fisica la cual ya fue lanzado por Hallo Discos y Discos Dojo en formato cassete, la primera seguro de muchas que vendrán para hacer inmortal este trabajo.

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Maff: Reverberación Intuitiva // EP debut.

Escuchando por primera vez a Maff es casi instantáneo relacionarlos con el shoegaze, su música usa y abusa de los pedales de distorsión tanto que es difícil no imaginarlos fanáticos de MBV o Ride, pero como bien ellos explican lo suyo viene de un interés estético, de una búsqueda y no de una influencia directa de genero: "El shoegaze como género no fue algo que planificamos, sino más bien fue el resultado de la diversidad de estilos de los integrantes de Maff y producto de un background artístico (arquitectos, diseñadores) de algunos de los miembros de nuestra banda contribuye a componer de manera más conceptual y libre"

Con ese primer detalle su música se hace aún mas interesante, al fin y al cabo el shoegaze mas allá de nombres y etiquetas se trata de eso, de una búsqueda sonora que no debería enmarcarse en el sonido de una banda u otra. Fundada en el 2012 por los amigos de infancia Ricardo Gomez y Nicolas Colombres paulatinamente se van sumando mas personajes  hasta formar el quinteto que actualmente son con: Joshua Brieley (Guitarra y Sintetizado) Gonzalo Correa (Guitarra) Martin Colombres (Guitarra).

Sobre la grabación y lanzamiento de su primer EP ellos comentan: Todo lo grabamos en nuestro propio estudio, nuestro laboratorio. Sin necesidad de cumplir horarios. Esto nos permitió explorar y estudiar nuestro sonido. De manera que logramos nuestra formula a partir de una base estable y ambiental, guitarras distorsionadas plagadas de efectos (reverbs, flangers, chorus, muffs) y voces distantes y profundas, con melodías etéreas y armónicas.

Las 8 canciones se acercan intuitivamente al pop, también al noise y también a la psicodelia. Sin imponerse ningún referente directo logran dar con una formula acertada y bien elaborada en cuanto a sonido y estética. Su primer EP homónimo se puede conseguir en físico (editado por la misma banda de manera independiente) lo que no deja de ser otro detalle de admirar en una banda que auto gestiona su sonido y trabajo.

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Inspiración Juvenil: Sarrasine y el Shoegaze

Hace unos meses  hablando con Lautaro Albaranque ( fundador de este proyecto de la ciudad de Santa Fe, Argentina)  me comento que  a sus 16 años Loveless habia sido uno de los momentos claves para  decidirse a hacer música. El clásico de My Bloody Valentine y del shoegaze sigue siendo una piedra angular difícil de reemplazar a mas de dos décadas de su lanzamiento y en los ultimos años con el Internet ha llegado a lugares que seguramente ni el mismo Kevin Shields debio imaginar en su momento.

Igual, al escuchar el primer EP de Sarrasine no hay tanta reminiscencia al Loveless, hay un cierto cóctel de claras influencias pero a la vez la intención de un estilo propio. Lautaro como guitarrista  esta marcado no solo por sus influencias sino por sus limitaciones. La falta de experiencia, la grabación casera, la prueba y error sin dudas juegan a su favor. EP 1 resulta un primer trabajo prometedor, los temas tienen riffs bastante enganchadores, bases pop y momentos de cuelgue sonoro que resultan lograr buenos climas

Siendo posiblemente uno de los pocos sino el único exponente shoegaze en la ciudad de Santa fé. Sarrasine  paso de ser un proyecto solista  a una banda en compañía de  Nicolas Sarudiansky  y Martin Musacchio como productor, hasta el momento se han presentado 3 veces en vivo con una respuesta positiva del publico. Recientemente este primer EP fue editado en cassete por el sello Hacktivism Records.

La de Sarrasine es una historia que hace justicia a la leyenda de Loveless como el disco que hizo agarrar a muchos la guitarra y empezar a enchufarle pedales para ver que pasaba.

Sarrasine- EP1 (2014)

1.Juniper 06:12

2.Sunshine Never 09:21

3.Shame 02:17

4.Cloudy-Ah 05:31

5.I Rather 07:45

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Reseñas: Maw- Maw EP (2014)

Cada vez me parece mas complicado hablar de una banda "nueva", una banda de la que en cierto modo poco se haya dicho o comentado. Es difícil no caer en el estándar de "comenzaron hace poco y tienen un LP en camino" ( que sitúa en el tiempo y el espacio pero tampoco dice mas). Mas aún hablar de una banda nueva mexicana, donde parece que los exponentes surgen a nivel imparable, Tal vez lo mas importante a notar de esto es el hecho de que sigue habiendo una inquietud creciente por la música no comercial, no creo que el aumento de las propuestas sea resultado de la popularizacion de uno u otro genero, mas bien demuestra que los nuevos jóvenes aun miran al pasado.

Maw parece ser parte de eso, con poco tiempo tocando su música resulta una amalgama de shoegaze, psicodelia y garage, en cuestiones de sonido están lejos de su momento en el tiempo. Las voces y letras es lo que rescata ese sentido mas juvenil, que contagian de ese sentimiento de que todo importa poco. Inicialmente como dúo a dos guitarras entre Elias y Juan tiempo después se suman  Cecy en Bajo y Serafín en Batería. Además de su instrumento todos cantan, lo que hace que en su primer EP homónimo diferentes voces se junten entre canción y canción.

De la directa formula de No se que pedo con mi alma, al sonido divergente y cambiante de Padre Nuestro o la apocalíptica secuencia de 666 este debut  es toda una promesa, Maw cumple al menos por el momento con dos cosas: tener una identidad y  un sonido bien encaminados. Si logran sobrellevar uno de los problemas mas comunes de las bandas nuevas ( la falta de compromiso a futuro) sin dudas el árbol puede dar frutos.

 Maw- Maw EP (2014)

1. Padre Nuestro

2. No sé que pedo con mi alma

3. 666

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