martes, 18 de septiembre de 2018

Corrupted Data蝶とクジラ: Las huellas digitales de Cadu Tenorio

*Esta nota hace parte de una serie de colaboraciones con el sitio brasileño Floga-se, cada semana traducimos una nota acerca de un artista brasileño a modo de fomentar la circulación e intercambio de música e ideas. La nota original, en portugués, pueden leerla dando click aquí

La tecnología es nuestra forma de buscar la perfección: computadoras, procesos, robots, bits y otros, tienden a ser más eficaces, exentos de errores, ágiles, incansables y obedientes sin tener de por medio el factor humano. Pero no hay ecuación imaginable sin el factor humano. Las personas crean,  operan e  interpretan; las personas distorsionan los datos, las máquinas, los procesos y, además, son las personas las que llevan la tecnología hacia el error. Somos el propio virus de nuestra creación. 


En una sociedad donde los robots hicieran todo el trabajo duro -y los seres humanos solo tuvieran que operarlas-, nuestros sueños serían otros: ser más felices,  hacer lo que realmente nos importa, cuidar de los nuestros y equilibrar la balanza de la desigualdad. Pero tenemos que dudar de esto, bruscamente (¿alguien pensó en "Blade Runner"?). El hombre no es capaz de operar las máquinas con una perfección idealizada, ya que él mismo es la máquina que crea, él es el proceso que idealiza, él es la invención escrita en el papel. Él ser humano está ahí, reflejado, incluido y deformándose. 

El brasileño Cadu Tenorio no concuerda del todo con esa visión, aunque traza un paralelo aún más interesante. En su disco "Corrupted Data 蝶 と ク ジ ラ", lanzado el 15 de agosto del 2018 y sucesor del intrigante "Rimming Compilation" de 2016, la relación entre hombre y tecnología es más intrincada: "Todo en el disco tiende a crear un hilo y ese hilo es como una timeline con contenidos variados que van apareciendo. Podríamos decir que los datos son corrompidos por mí y por las personas que entran en contacto con el contenido, ya que la gente les añade nuevas experiencias. Cuando descargamos un archivo que viene corrompido me imagino que es por falta o defecto, a veces, en algunos detalles del todo. Es como esa idea por la cual la gente suele creer que El desafío de la ballena azul, por ejemplo, tal vez sea un gran hoax o una creepypasta. Hay sitios de noticias yankees que dicen que tal vez sea una manera fácil de enmascarar un problema mayor. Pensando en todo eso y en la idea de narración fragmentada, me vino ese nombre a la cabeza, seguido por ‘borboletas e baleias’ (Chō to kujira – 蝶とクジラ), que vienen en la parte hablada que abre el disco, que a su vez vino de un sitio que informaba sobre los grupos de suicidios en VK (La red social rusa) "



Cadu Tenorio da vueltas incalculables en su cabeza, es así como funciona. Al punto que, después de un disco doble, se tomó dos años para sumirse en la producción de una obra de más de dos horas (32 canciones / temas), que se complementa con un misterioso e intrigante sitio web, que él personalmente pensó y diseño junto con Raúl Luna. 

"Quería que el disco funcionara incluso como narrativa", dice Cadu, en charla con Floga-se . "Los textos fragmentados van entrando en el oído, cosidos por el orden pensado para las canciones. 


"De primera mano, el escucha intenta ignorar los textos pero van a empezar a quedar claros en algunos puntos, después va a prestar más atención a ellos, tal vez a percibir que hay más de uno hablando al mismo tiempo o a pensar que si se quita uno de los auriculares se va a hacer más fácil entenderlo. Ese proceso le da un valor de replay, y tal vez así se perciba el peso emocional que la canción siguiente va a tener o el que la anterior tuvo". 

Cadu saca del lente a “Blade Runner” para poner en vez a “Neuromancer” (obra de William Gibson escrita en 1984). Mientras que la primera muestra una sociedad destruida por la propia incapacidad de comunicarse entre sí, sin saber con certeza quién es un robot y quién no, Gibson muestra la búsqueda y el encuentro con lo digital como algo inevitable. "El tema de la comunicación, de encontrar una vida en lo digital, está más explorado en 'Neuromancer'; este disco es algo así como una caja negra de la vida digital de un yo-lírico (...), de la vida en el ambiente digital y en la no-materialidad ".


El curioso clima creado en “Corrupted Data”, que parece la banda sonora de una película, es gracias a que las canciones funcionan como un cluster y todos los clusters se unen para formar un Hard Disk - los discos duros son cosas palpables, existen como todos nosotros, y no tienen nada de futuristas o imaginarios, a pesar de la dualidad que aún se mantiene en pleno siglo XXI (hasta allá llega nuestro fetiche por el futurismo). Para el oyente la construcción de la obra lo hace estar dentro de ella, siendo bombardeado por miles de historias , asuntos y temas diversos que por su velocidad hacen su comprensión imposible, a menos que esta se dé desde dentro del propio ordenador - más ágil y más eficiente, capaz de seguir ese ritmo imposible para nosotros-.

"Sí, esa es, de forma bien objetiva, la intención de todo. Lo que es genial: la idea del disco duro corrompido, los datos corrompidos fue básicamente esa. Esa dualidad estuvo presente. Sin embargo, el yo-lírico no es consciente de ello, ese yo es una recopilación de memorias digitalizadas, no es consciente de que está contenido en un disco duro que cabe en la palma de la mano. Para él, ese es el mundo, la libertad de decir lo que quiere y lo que no puede comunicar a nadie, de sentir lo que cree que necesita sentir. Tal vez me ponga frente a todo esto con una visión un poco más hundida en ese mismo lodo. Lo que puedo decir después de pasar dos años sin usar un teléfono móvil es que la vida real está tomada en más del 50% por lo digital. No es más un pequeño terreno. La gente puede vivir totalmente ajena a ella. Todo pasa rápido, es verdad. Pero la intensidad no puede ser negada. Creo que adentrarse en el universo de Corrupted Data como un todo es parte del fetiche de adentrarse en los secretos oscuros de alguien. Es la versión actualizada de nuestra curiosidad al acompañar tragedias, al estirar el cuello para mirar los accidentes automovilísticos o a ver los cadáveres por la ventana del bus".



Después del brillante (sin exagerar) "Anganga", trabajo grabado con Juçara Marçal (quien también participa en "Corrupted Data "), Cadu da la cara a la visión cruda que tiene de la sociedad: la falta de verosimilitud del ser humano, todo lo que el hombre puede crear de bueno para el mismo desgraciar lo que podía ser perfecto. La perfección es inalcanzable. En "Rimming Compilation", era el sexo. Aquí, son las vidas, o los pedazos de nuestras existencias.

"En cierto modo este disco es una continuidad del 'Rimming Compilation' , una extensión. Creo que mi trabajo  gira alrededor de la reflexión sobre los excesos, pero intento no darle ese juicio de valor. En el sentido de que no sé si esto alguna vez fue pensado como algo bueno si ya era visto como una forma de dominación mucho más eficaz de lo que creemos. Las personas sólo se comieron la idea de libertad que les fue vendida (con Internet y las redes sociales). En ese sentido,l as propagandas y las fake news, no tienen nada de nuevo".

"El disco duro es el disco duro y nosotros somos nosotros, en algún punto nos quedamos en el disco duro, cuando morimos nos quedamos dentro de el, ¿Se acuerdan de los Orkuts de gente muerta? El Facebook Memorial funciona igual. En este proceso de representación, nada nos representa mejor que una pantalla y en esa pantalla es que la gente construye el personaje que quisiera ser y como nos gustaría que los demás nos vieran. Todo puede ser borrado, likeado y deslikeado. No se puede negar que para muchas de las personas somos esa pantalla - o el 'Disco Duro' para continuar en el término que estamos usando-. Somos las fotos de nuestros viajes, las sonrisas en familia ... Eso es lo que cuenta"

Y va más allá "desde que el mundo es el mundo, la ficción escrita funciona como uno de los pilares de la sociedad como la conocemos, rige la vida de las personas, cambia la forma de pensar, influencia sus hábitos, hace que la rueda se mueva. Positivamente o negativamente. (...) Si la ballena azul es real, ¿la culpa de las eventuales muertes es de la ballena azul? ¿Es de la persona que escribió esa historia? o ¿de quien sugirió la existencia de un juego así? ¿Qué problemas estamos ignorando? ¿Qué estamos dejando de ver para seguir frente a la pantalla? Creo que el meollo es mucho más profundo, pero no quiero hacerle campaña al disco hablando sobre salud mental "

Cadu está de acuerdo en que "Corrupted Data" es su trabajo más melancólico. Hay mayor presencia de climas. Los silencios y ruidos, son raros. Las palabras están dirigidas a historias que el oyente deberá descubrir y redescubrir por cuenta propia en el sitio web. "Tiene un arco dramático que va acompañado por los textos. Las canciones primero son cortas y van haciéndose largas e introspectivas, mientras que las partes textuales también se hacen cada vez más largas y, en cierta manera, expositivas. Como una espiral en descenso hacia el fondo. Los textos representan el depósito digital, el Disco Duro tratando de expresarse… intenta expresarse a partir de la música también. Cada tanto un poco de humanidad (en forma de voces) va a tratar de salir de ese fondo y hablar contigo. También tiene un trasfondo de esperanza, porque yo anhelo los finales felices”. "Los textos son una especie de collage,  continua Cadu, de reportajes sobre ciertas obsesiones del yo-lírico, incluso textos personales, de esos que se guardan en drafts de e-mail. Incluso hasta poemas. La idea, como dije, es tener restaurada parte del Disco Duro de una sola persona expuesta, como una timeline".

Con el disco-web, Tenorio espera provocar un poco más a la gente. Las personas necesitan desafiarse un poco más, así sea usando Google para descubrir que esconde cada cada título misterioso en japones. Todas las referencias del artista están ahí, cada título entrega un pedacito. Es necesario salir del punto estático de esperar para recibir información e ir hacia atrás. La música de hoy es demasiado trivial, la gente quiere todo masticado, esperan incluso (y esto pasa desde hace más de treinta años, cuando las radios indicaban los caminos y construían las calles) que les digan lo que puede ser un éxito o lo que puede valer la pena. Ya sea en la música mainstream o en el más periférico de los funks prohibidos, el comportamiento de manada impide salirse esa lógica de inercia.

En "Corrupted Data", Cadu Tenorio muestra que la provocación es posible mucho más allá del discurso.  Del discurso de la política del odio  o del discurso del amor fácil o frustrante; esa provocación se logra en la forma. De esa manera, Cadu deja una impresión vivísima en la línea del tiempo de la música retorcida del underground brasileño.


RECOMENDAMOS VISITAR LA WEB PREPARADA ESPECIALMENTE PARA ESTE DISCO, LA CUAL TIENE DIVERSOS CONTENIDOS COMPLEMENTARIOS AL ÁLBUM. PUEDEN SEGUIR A CADU TENORIO EN FACEBOOK Y BANDCAMP

martes, 11 de septiembre de 2018

Panchasila: los limites de lo folclórico

Desde que Juan José Calarco y Guillermo Cerredo empezaron a hacer música como Panchasila han ido dando forma a una visión propia del sonido de la cumbia y los ritmos folclórico que es novedosa y, en cierta medida, desafiante. Hoy en día mezclar lo electrónico y lo folclórico no deja de ser un ejercicio que suele caer, casi siempre, en el terreno de lo festivo o de lo puramente rítmico. Ese "estilo" es el que, de hecho, ha cosechado gran éxito en Europa alrededor de fiestas y festivales; pero, ¿Es lo folclórico solo lo festivo? Esa pregunta ya parecía estar presente en el primer EP de Panchasila, titulado Pallqa, el cual en apenas cuatro temas exploraba los senderos menos convencionales del ritmo. Ya desde ese primer momento su sonido se inscribe en una búsqueda mas universal: en un mismo tema este dúo argentino es capaz de unir los compases de la cumbia y el dub con la ambientación del sci-fi. 


Cuatro años después de "Qallpa",  reaparecen  con su primer disco largo en el cual la semilla se convierte en fruto. Ya no encontramos indicios sino una obra concisa donde se entrelazan ritmos y culturas a través de lo electrónico. Desde mi perspectiva de escucha, resulta clave que  no se centren en explor(t)ar el ya desgastado terreno del beat y el ritmo. En vez de eso las canciones crean ambientes tanto festivos como tensos que transcurren, en muchos casos, en el mismo tema. 

Otra variable que está en tensión es la idea de lo "latinoamericano". No cabe duda que buena parte de los proyectos electrónicos que se han hecho importantes lo últimos años presentan en sus propuestas una suerte de "rescate" o "regreso" a las raíces del folclore latino desde lo electrónico. No es mi idea entrar a poner en duda u objetivar esa tendencia (tampoco es el lugar), pero no deja de ser curioso que esa tendencia, al rescatar, también rechace una red cultural mas grande.



En este trabajo Panchasila  logra construir  relaciones mas allá de lo nacional y lo latino: un mismo tema pone en juego grabaciones de cine bollywodense con percusiones tomadas del gamelán y  grabaciones de campo; otro buen ejemplo es el tema "Runapayka" que cuenta con la participación de Carolina Rovira cantando en quechua acompañada por una orquestas de samples. Bajo ese sistema Juan José y Guillermo han creado una técnica que no se limita a  las fronteras, ritmos o géneros.  Estas son canciones  donde lo transnacional y lo transcultural se dan encuentro, y en las que la cultura, o la representacion de esta  al menos, se convierte en un objeto; un objeto maleable desde el sonido que permite múltiples articulaciones y representaciones. No es solo música para bailar, estas son composiciones pueden adaptarse tanto a una pista de baile como a una banda sonora; al mismo tiempo, no es un "producto de exportación" o de exotización de lo latino sino un puente entre culturas.

El sello Discrepant, con sede en Lisboa, ha lanzado este disco en formato casete; sin embargo, lo que resulta mas interesante es que junto a este fueron lanzados, en simultanea,  tres trabajos mas de proyectos latinoamericanos: "Radio Siquica" de Los Siquicos Litoraleños,  el impresionante split, titulado "Adzer", entre  Bardo Todol / M. M. Peres / Úgjü Sectas y un mixtape de Tomas Tello hecho hace un tiempo para New Weird Sudamerica. Juntos estos lanzamientos configuran una selección indispensable para pensar ese sonido mas amorfo y experimental de los ritmos folclóricos.

lunes, 10 de septiembre de 2018

Juguetes para Grandes: Cesar Saldívar (Telephone Exchange)

Tras un par de años de silencio, Cesar Salvidar regresa con un nuevo single bajo su proyecto personal Telephone Exchange.  Si bien "Machine Learning" parece retomar lo hecho en su primera grabación, la canción "Proton Salad" la cual hizo parte de nuestro compilado "Frecuencias en Expansión, también es claro que durante el último tiempo Cesar ha estado explorando nuevas posibilidades y técnicas de grabación. Los 11 "intrincados" minutos de duración del tema dejan claro esto, pero ya que este es apenas el primer adelanto de un disco debut largo, a salir en enero del año que viene, aprovechamos la oportunidad para invitar a Cesar a nuestra sección "Juguetes para Grandes". Además de comentar sobre los diferentes detalles y equipos tras esta nueva grabación, Cesar aprovecho para rememorar su historia, aprendizaje e ideas en cuanto a instrumentos y procesos de grabación.


Nombre: Cesar Saldívar de Lira; a.k.a. Aguarrás Saldivar
Bandas: Telephone Exchange, Gusman; former Bleak Boys, Surfucks, Biztec, Gusman
Equipo: Pues… Empecemos!


  
Conforme vas creciendo como artista, vas conociendo más sobre equipo; pero específicamente, sobre técnicas para aprovecharlo al máximo; por ejemplo: hace menos de un par de años que no sabía qué era una técnica Mid / Side de microfonía, o qué es compresión paralela, y que podía hacerlo con los micrófonos que tengo.  El arte contemporáneo se ha visto manchado por esa premisa posmoderna tipo “Duchamp” en la que coincidentemente, puedes declarar que cualquier mamada es arte. No estoy diciendo que el arte tenga una constante matemática. Lo que si , es que incluye ciertos (no estrictos) guidelines, y son las ingenierías, las técnicas, los métodos (dentro de ciertos marcos de trabajo definidos) por medio de los cuales captamos un cierto sentimiento, una cierta intención. 

Mi equipo: creo que es importante hablar en primer lugar sobre mis guitarras, pues es mi instrumento principal. Durante los casi 18 años (si no es que mas) que llevo en este viaje de la música, he acumulado varias guitarras. La historia empieza en Michoacan, MX. Fuimos de viaje y yo de la nada dije: “Quiero aprender guitarra”. Mi papá compró una hermosa guitarra de Quiroga (que aún tengo); y a un par de horas ya estaba improvisando ciertos riffs de los Beatles que conocía de oido. Eventualmente, me compraron mi primer eléctrica. Un paquete de guitarra con un amplo Marshall MG15. La verdad sonaba bien. Mas adelante me hice de una strat MIM (En esa época, las MIM estaban saliendo creo mejor que algunas americanas). Esta guitara la armé y desarmé mil veces, incluso un tiempo la tuve con una configuración diferente de pastillas hasta hace un par de años, cuando la regresé a su estado original. Después me hice de una Telecaster americana 2006 con acabado sunburst, que un día a mis 16 años decidí quitarle la pintura para tener un sonido mucho mas seco. Esta guitarra fue mi arma principal durante años, específicamente durante la universidad cuando tocaba con Surfucks. Por ahí del 2007 decidí hacerle un par de modificaciones, cambié los potenciómetros por unos de mayor impedancia, lo que me daba mayor output, y brillo (algo que molestaba demasiado a los ingenieros de sonido de mi ciudad natal, Aguascalientes). También un tiempo la tuve configurada como una Fender Esquire, con una sola pastilla y sus respectivas posiciones de switch. En esa época tuve también una Gibson SG. Tener una Gibson siempre fue un sueño para mi. Cuando lo logré, el resultado fue… “awkward”… Por lo que terminé usando esa guitarra solo para estudio y la vendi en 2013. Por ahí del 2008, comencé una búsqueda intensa de bandas estrictamente psicodélicas. Todo ese sonido del ’67, del Swinging London tuvo gran efecto en mí, y el resultado fue Gusman:


Más adelante, comencé a escuchar bandas mas recientes, la escena indie, desde los 80’s hasta bandas contemporáneas. Es ahí cuando decidí que necesitaba otro tipo de sonidos, por lo que me hice de una Fender Jaguar, varias guitarras acústicas (incluyendo una Fender de 12 cuerdas), y mas recientemente (Ya en CDMX), una Danelectro ’59 (de nuevo, Syd Barrett) y un bajo Kent 60’s de escala super corta (mas bien es una guitarra barítono creo yo). Este bajo Kent fue fundamental en la grabación de mi mas reciente música, de la cual ya lancé un sencillo el 2 de Agosto de este año y cuyo álbum “Maschinelles Lernen” estará disponible en vinyl y en digital el 5 de enero del 2019. Tocar un bajo de escala corta creo yo que es algo mágico, siempre me he sentido mas confiado en tocar el bajo que la guitarra. Muchos de los riffs o estructuras fundamentales de mi música han surgido desde el bajo.



Estos instrumentos de cuerda no serían nada sin los pedales de efectos ni los sistemas de amplificación. Tengo una colección de mas o menos 30 pedales, que uso en diferente orden según la canción lo demande (En estudio). En vivo solía conectar todo el sistema a un AC 15HW que tengo en Aguascalientes . Recientemente me hice de un Fender Vibrolux Reverb Custom (El reissue tipo 68) que está de muerte. Otra arma secreta que muchos no conocen es que tengo un pequeño amplificador Silvertone de 5 watts de los 50’s que le compre a un electronics junkie de la ciudad a quien admiro mucho (Rusted Vacuum). Con ese amplificador he grabado muchísimas pistas; incluso con Bleak Boys, en algunas ocasiones solía llevarlo a los conciertos como reemplazo cuando volaba los fusibles de mi AC 15.

"Hay muchas cosas raras que hemos hecho. Para Gusman, grabamos una guitarra eléctrica a través de un ventilador, grabamos un cepillo tallando un piso de cantera con jabón, hemos grabado en cuartos enormes o en escaleras helicoidales, hemos usado técnicas experimentales (mas bien improvisadas) de microfonía que eventualmente funcionan dadas las circunstancias acústicas en las que uno se encuentra. La verdad es que lo que más se disfruta es el trabajo de estudio"

Regresando al tema de los pedales… Creo que hablar al respecto es algo extensivo, pero trataré de ser breve. He experimentado con cientos de cajas, analógicas y digitales; pero haré mención de las que han tenido mayor impacto en mi carrera. Comenzaremos por la Boss ME 50. Es una pedalera digital; sin embargo, la calidad de los efectos (A excepción de las distorsiones) es increíble; además le tengo gran cariño porque crecí con ella siendo un adolescente. La usé muchísimo en la grabación de Gusman, tanto con las guitarras, como para procesar pistas grabadas. Es una máquina formidable, y super práctica.


Otro pedal que debo de mencionar, aunque desafortunadamente me caga por el “cliché” que le rodea, es una distorsión Rat; pero el que tengo no es cualquier pedal. Este artefacto lo compré como un substituto versátil para el Fuzz Face de silicón (el cuál amo y fue mi principal arma durante los Bleak Boys; El azul de Dunlop). La verdad siempre he encontrado el Rat un pedal extremadamente aburrido. Muchos lo aman, pero la verdad no es mi cosa. Tal era mi enojo, que decidí sacrificar la chingadera, y hacer un circuit bending, una de esas tardes de ocio (y ebriedad) en Aguascalientes. El resultado fue mágico. Logré generar dos osciladores a diferentes frecuencias y seleccionables por medio de un switch. Este pedal lo he usado interminablemente en vivo, y obviamente en estudio (se puede escuchar en las ultimas grabaciones de Bleak Boys y en las pistas de sintetizador de mi nuevo álbum de Telephone Exchange).
 
Ya hablando de manera general, pues tengo varios efectos. Mis favoritos, históricamente, el Fuzz Face de silicón, Diamond Vibrato (siempre lo tenía prendido cuando tocaba con los Bleak Boys), y el Small Stone. Actualmente mis nuevos favoritos son el JHS Kilt (Es como un remake del expandora, la lata de atún), Boss CE – 2 , JHS Crayon, Boss DD7 y el EHX Freeze . Todos los efectos de pitch los he estado haciendo en estudio por medio de cintas últimamente.

Hablemos sobre los procesos de grabación. La historia comienza en la universidad. Me hice de un par de micrófonos condensadores baratos MXL. Comencé a grabar demos de bandas locales en Aguascalientes MX, la verdad sonaban espantoso. Todo cambió hasta que me hice de una mezcladora Peavey MD 8 ochentera. En su momento no la valoré quizás, pero tiene unos preamps increíbles, que hasta la fecha sigo utilizando. Esas mixers de formato pequeño a veces son poco apreciadas, pero las hay unas de gran valor. Hace poquito (Un par de semanas) me hice de una Yamaha PM 430, de 8 canales. Realmente esta mezcladora es una copia de preamps API (El circuito, al menos en arquitectura, es casi idéntico). Son aparatos de guerra. Los he usado para trackear con micrófonos buenos, y suenan super bien.



Anteriormente, solo utilizaría mi peavey MD 8 como preamplificación para varios micrófonos que tengo, pero para Maschinelles Lernen, usé un par de Golden Age Project Pre 73 MKII’s también (Buenisimos; no son unos Neve, pero en serio, no se los pueden perder). Me hice de un par estereo de Pultecs de Warm Audio. En su mayoría ni utilicé la ecualización en sí, solo los usé en modo bypass para pasar la señal por los bulbos y darle un carácter totalmente diferente a cada pista. Las técnicas de grabación que usé para este álbum fueron muy sencillas; pero lo que mas vale la pena destacar, fue la grabación de las baterías. Grabar en cinta (Yamaha MT4X, en cassette) es otro pedo. La batería tiene una cohesión tan natural y tan orgánica en la cinta magnética, que no tuve la necesidad de utilizar micrófonos ambientales. Fue un sonido extremadamente seco, que grabé en mi antiguo estudio de Aguascalientes. 

El nuevo single de Telephone Exchange, Machine Learning, está disponible en Bandcamp. Este tema funciona como adelanto para su primer disco largo que saldrá a principios del 2019.

jueves, 16 de agosto de 2018

As Lágrimas: canciones de protesta para un futuro incierto.

Esta reseña hace parte de una serie de colaboraciones con el sitio brasileño Floga-se, cada semana traducimos una nota acerca de un artista brasileño a modo de fomentar la circulación e intercambio de música e ideas. La nota original, en portugués, pueden leerla dando click aquí

Hubo una época en la que hacer música protesta era algo serio. Las nubes negras giraban sobre las cabezas de los brasileños con ganas de patear su dignidad y con las macanas listas para aplastar su libertad. Con el apaciguamiento político y social - al menos hasta hace un tiempo, ya que estamos en un momento indigesto desde 2013- la música pasó a vivir un distanciamiento político poco noble. Sin embargo, como se ha visto, las cosas han ido cambiando. No hay paz que dure para siempre. No hay tranquilidad que prevalezca sobre las inestabilidades de una sociedad siempre inquieta (lo que es una ventaja) y con memoria corta (ya sea intencional o por falta de estudio, lo que es una vergüenza). 

El dúo peranaense “As Lagrimas” (compuesto por Fernando Theodor en voces y Gustavo Pain en guitarra, bajo y arreglos electrónicos) es, como todos nosotros, cerebro y piel, nervios y lágrimas de nuestros tiempos. Aunque seamos jóvenes o viejos estamos siendo constantemente impactados por todo lo malo y bueno que acontece hoy en día, incluso sabiendo que todo es una consecuencia (que puede llegar a volverse una causa dentro de un ciclo interminable)




Su música de “protesta” en el disco “Estamos Todos Nervosos” está cargada de ironía, humor, y por supuesto, crítica. El intento de no tomar en serio las letras (autoría de Fernando Theodoro) que parecen simples juegos de palabras y situaciones cotidianas (actuales) se desvanece ante el peso de su sonoridad. El post-punk sucio y ruidoso de esta dupla está cargado de una seriedad que empuja al oyente a cuestionarse de que lado debería estar.  Si les sacamos a las canciones los arreglos de guitarra y batería (hechos por Michael Wiselque) nos encontramos con letras que son tanto crueles como divertidas- tanto como puede ser cruel y divertida la verdad. 

“Códigos” presenta una lectura obvia de las interacciones sociales de nuestra época que llega a ser graciosa: “A gente se ama por códigos / A gente treta por códigos / A gente se odeia por códigos / A gente se come por códigos / A gente conversa em códigos / A gente se entende por códigos / A gente se veste de códigos / A gente é lido em códigos” La gente siempre lo hizo todo por códigos (la lengua hablada no es otra cosa que un código) pero, es así hoy más que nunca, ¿cierto? 


“Nojo”, con su bajo pesado y su guitarra crispada, suena a una versión mas osada de los “Titãs”  en su clásico disco  “Cabeça Dinossauro”: “Eu tenho nojo / Eu tenho nojo de tudo / Eu tenho nojo / Eu tenho tesão em tudo / Deve ser que somos sujos / Ou que transamos no lixo (…) / O trabalhador braçal tem sua força explorada pelo capital”. Me divierte tanto como cuando en “O que” la poesía minimalisa de Arnaldo Antunes cierra ese clásico de los Titãs . “No mundo ocidental / Todo mundo se agride”, es la parte de “Mundo Ocidental” que deja bien en claro en que momento entramos en la panacea capitalista donde todos se preocupan por el prójimo, pero si pueden le arrancan hasta el ultimo centavo. 

Resulta curioso como esa visión estrictamente negativa del mundo aparece con un abordaje bastante leve y divertido (en lo poético) y desmenuzado ( en lo sonoro). No es sólo música pop, después de todo, sino la construcción de una visión de un todo con elementos que nos construyen -o, en este caso, que construyen al artista.  Ese equilibrio se rompe en la recta final del álbum. “Cuida Da Minha Alma”, es sombría, , “Anjo Do Amor” y “Perdendo A Sua Atenção” ganan cierta seriedad que no existe en las canciones anteriores. Musicalmente son mas experimentales y sombrías como si vinieran  en la resaca después de la gran fiesta.



En “O Futuro Acabou” cantan : “De 30 em 30 anos / A gente canta a mesma coisa / O futuro acabou” y no hay frase mas racional en todo el disco y en toda música joven dada hacia lo revolucionaria que se encuentre inconsecuente. Destruyamos el pasado y hagamos un futuro nuevo. ¡Toda una utopía! Nadie quiere nada de eso. Todo el mundo quiere divertirse, algunos haciendo ruido porque ven el mundo torcido; otros bailando porque así  se mueven; otros pintando flores, corazoncitos y sexo porque creen que la vida es eso. Pero todos quieren divertirse.  As Lágrimas muestra una esquina de cada visión. (“Os Vasos” es todo un deleite de ironía mientras que “ Cuida Da Minha Alma” es puro noise) y logran divertirse como los demás, porque hoy en día divertirse, ante un futuro incierto, es la única protesta posible.

miércoles, 15 de agosto de 2018

Las transformaciones de Julián Mayorga

Julián Mayorga merece sin lugar a dudas el, a veces malgastado, adjetivo de camaleónico.  Si miramos hacia atrás en su carrera parecía imposible que el  sensible y poético cantante que levantaba constantes comparaciones con Spinetta dejará ver esa facilidad para la parodia que hoy, en cierta manera, encarna. Pero todo estaba ahí desde el primer momento.  Para seguir jugando a los adjetivos y las metáforas otro termino que define bien su música es la metamorfosis. Esa es una figura que, de hecho,  aparece de manera constante en sus canciones:  Criptobiosis (2012) tomaba un concepto de la biología para crear canciones que se desenvolvían como fabulas, Atlas (2014) llevó esa idea de suspensión y transformación a un terreno mas amplio, y con Nixon en la Playa (2016), Mayorga parecía salir de algún capullo convertido en una maquina de ritmos y rimas. Si bien su corriente creativa se ha apaciguado, Mayorga no ha estado quieto estos años. Tras instalarse en España hace un tiempo ha recorrido encuentros, festivales y academias donde ha podido experimentar y re-construir su sonido.



"Julián Mayorga y su clásico sonidito an​(​o​)​dino", su mas reciente EP, es parte de ese proceso que comenzó con Nixon en la Playa. De cualquier modo, en estas tres canciones el sonido parece mas pulido  logrando un cuidado equilibrio entre disparate y armonía. Resulta curioso, o tal vez no tanto, que después de haber dejado su país la música de Mayorga se haya hecho cada vez mas colombiana. Esto tal vez sea pura coincidencia, pero la tarea de los que escuchamos es, muchas veces, buscar ejes y coincidencias. Al hablar de "colombiano" me refiero a un amplio ramillete de sonidos que tienen poca resonancia internacional y que hacen parte del sentir musical de ese país. Hay un encuentro con la electrónica y la vanguardia, algo que proyectos como Los Animales Blancos o Los Pirañas han explorado con éxito antes. Sin embargo, Julián le imprime su personalidad y rescata, ya desde el titulo, toda una tradición juglar.


Con "su clásico sonidito" Mayorga nos remite a toda una tradición alrededor de las grandes orquestas y los cantantes de época. Es así que se asume como un frontman tanto en lo moderno como en lo  clásico de la palabra. Sin embargo, y hay que decirlo, su orquesta es él mismo. Si bien este EP destaca por las participaciones de los músicos Niels Broos y Riota Miyake su arsenal es, principalmente, electrónico. Con esas herramientas construye su propia orquesta. Una orquesta que emula, como bien pone en juego la segunda parte del nombre, un sonido andino desde una perspectiva casi infantil. Cuando aparece "Sayonara", el único tema cantado, Mayorga nos muestra esa intención siempre fabulista que se ha hecho parte de su sello personal.

A pesar de ser bastante corto este EP parece una (a)puesta para el futuro. En sus tres canciones ya están presentes todos los elementos, experimentales y folclóricos, que Julián Mayorga viene explorando en los últimos años. No parece, aún, un proyecto definitivo sino algo tomando forma hacia una nueva transformación; así como sus primeros trabajos pronosticaban la majestuosidad que sería "Atlas". Mayorga, un poco en broma un poco en serio, suele etiquetar su música como Latinofuturismo y, aunque las etiquetas son siempre engorrosas, no se me ocurre un término mejor.  Su música es capaz de dirigirnos en dos direcciones: tanto al pasado de un folclor casi olvidado, como hacia la posibilidad, aun futura, de que ese folclor sea revivido por  las máquinas.

ESTE EP HA SIDO LANZADO POR EL SELLO COLOMBIANO IN-CORRRECTO EN FORMATO DISQUETE. JULIÁN MAYORGA ESTARÁ DANDO ALGUNAS PRESENTACIONES EN FRANCIA DURANTE OCTUBRE.

viernes, 10 de agosto de 2018

Juguetes para Grandes: Alvaro Daguer

Continuando con la segunda temporada de "Juguetes para Grandes", sección dedicada a explorar instrumentos, técnicas y enfoques de grabación desde la perspectiva de un  músico invitado, esta semana tenemos el gusto de contar con la participación de Alvaro Daguer.  Este artista chileno hace parte de grupos como A Full Cosmic Sound y Glorias Navales además de colaborar con diferentes músicos bajo su propio nombre (hace unos meses revisamos su disco con Sholto Dobie).  Su trabajo se extiende también al ámbito discográfico con sellos como ETCS Records o Cosmovisión Registros Andinos (los cuales entrevistamos hace un tiempo). Sin embargo, en esta oportunidad Alvaro nos dejará ver parte de sus procesos y técnicas al momento de hacer música presentando dos instrumentos los cuales mezclan tanto un entorno virtual como una parte "maquinal" :

Todas las fotos por Salvatierra Riquelme

Nombre:
  Alvaro Daguer
Proyectos:  Alvaro Daguer, A Full Cosmic Sound, Glorias Navales.
Equipo:  Fruity Loops / Pedal wah wah

Me gustaría detenerme y hablar sobre el Fruity Loops. El software gentilmente me lo compartió Mauricio Romero alias The Mugris por allá en el 2007, se transformó durante mucho tiempo en mi instrumento. La Computadora y la aplicación se transformaron en una máquina muy potente en donde la ejecución del instrumento lograba simular algunos sonidos que para mí eran referenciales de bandas que me gustaban en aquel entonces y estimulantes para seguir progresando. Pienso que los mejores resultados de aquella ejercitación, se pueden apreciar en los dos primeros discos de A Full Cosmic Sound (s/t, Chemtrails, Fábrica Records 2011, 2012) y en particular en el tema Bad Kids que dicho de paso fue la primera canción de A Full Cosmic Sound y realizada solo con Fruty Loops.


Lo interesante de las primeras ediciones de Fruty Loops es que son bastante amigables y fáciles de usar. Una vez abierta la aplicación, inmediatamente en la pantalla de inicio aparecen un poll de un sin número de sonidos que vas presionando para detectar el sonido que más te gusta. Al elegir, este se arrastra con el cursor del mouse desde el poll hasta el panel central el sonido seleccionado y ahí comienzas a jugar con los efectos, los tiempos y con los monocordios del sonido.




Para presentaciones en vivo, es increíble también y si a la máquina con el Fruty Loops le agregas una interface el abanico se abre y las posibilidades creativas se incrementan  más ya que permite amplificarte o conectarte a efectos análogos, independientes. En esa mezcla, me gustó mucho el sonido que se generó cuando conecté el wah wah con el frutyloop, me di cuenta que tenía un sintetizador mega lofi 2010.



Todo lo anterior se puede hacer también sin interface, pero a veces los sonidos no son tan limpios ya que el plug del cable conectado directo en el conectar de la máquina puede provocar interferencia o ruido.

jueves, 9 de agosto de 2018

Presentando Sonidos: Koala Precipicio

Ecuador siempre ha sido un país curioso en cuanto a lo musical. Aunque no es conocido por una cultura musical propia tan fuerte como la de otros países vecinos tampoco tiene una "escena" musical alternativa muy formada o con resonancia fuera de sus fronteras. Ha habido algunos nombres importantes los últimos años siendo Sexores uno de los  mas conocidos. No obstante, mas allá de lo difícil que pueda resultar hacer cosas distintas en Ecuador, hay varios nombres y propuestas que han ido apareciendo y tratando de cambiar el panorama. "La verdad la escena ecuatoriana- comenta Alejandro Zambrano cantante y compositor de Koala Precipicio- ha crecido considerablemente pero sigue siendo un ambiente muy complicado para hacer música porque no hay una cultura de diversidad musical. La verdad es complicado subsistir con una banda pero siempre debes seguir tocando para la poca gente o mucha gente que quiera tu música."


Ya con un puñado de grabaciones bajo el brazo Koala Precipicio va definiendo su sonido e identidad, no ocultan sus influencias y estas están claras en su música: "Es el sonido que queríamos al tener una “banda” formada. Con influencias de Young Prisms, Chapterhouse, Drop nineteens, Diiv. Ese sonido de shoegaze noventero pero “mezclado” con el shoegaze de los dosmil" Su larga duración "Ontario" captura esa búsqueda y refleja con sus letras el espíritu aun despreocupado y adolescente del conjunto que completan: Pablo Suárez , Santiago Quevedo  y Jose Miguel Fabre. La comparación con su primer trabajo es inevitable, si bien el disco "Todos se van" ya mostraba esos rasgos hacia al pop ruidoso, estas nuevas canciones se potencian gracias al sonido y energía de una banda completa.


Foto por @pabloto13
"Hay muchos cambios. Pero sigue siendo la misma idea de ser música melancólica ruidosa con melodías de guitarras lindas y letras que van directo al grano sin referirse a algo en específico"


Ese "no referirse a nada" se puede presentir tanto en las letras como en los nombres de las canciones, las referencias no apuntan a lugares concretos y cuando lo hacen son lugares lejanos de su propia realidad geográfica. Sin embargo, las canciones parecen hablarnos de cosas comunes, "La Gran Ciudad",  "Solo se muda dos veces" o "Los Remolques" remiten a esa melancolía moderna que se debate entre lo vivido y lo que nunca fue: "De alguna manera la música del segundo disco si se relaciona con la vida diaria  en Quito. Pero no tiene ninguna referencia a Quito para nada. Solo son cualquier tipo de vivencias o cosas que me imagino. La verdad mi única aspiración es tocar lo más que pueda y que el disco se escuche alrededor del mundo! Y obvio poder salir del país para tocar donde sea. "

Ese entusiasmo casi inocente no es gratuito, además de llevar adelante Koala Precipicio, que hace poco sumo un lanzamiento mas con "Lejos de Casa", sus integrantes hacen parte  del sello Popsucio Records una plataforma que busca no solo apoyar su propia música sino la de otros proyectos locales  - El sello  cada vez se consolida más- comenta Zambrano- Es el proyecto de uno de mis mejores amigos y segundo guitarrista de Koala. La verdad buscamos justamente que se abra al público ecuatoriano, qué haya más música de la que se escucha a diario y así poder cautivar mas gente. No hay pretensiones de ningún tipo."