Entrevista: Danteinferno, Gira Chile 2019.

A pocos días de iniciar una serie de presentaciones por Chile, rescatamos esta entrevista que hicimos a la banda uruguaya Danteinferno. A pesar de haber estado inactivos durante algunos años, a finales del año pasado el trío compuesto por Francisco Coelho (guitarra y voz), Martín Recto (batería y kiosco) y Javier Gerfauo (bajo) retomó actividades. Además de grabar un disco doble (del cual ya lanzaron la primera parte), Danteinferno organizó una gira que los llevará por algunas de las principales ciudades de Chile; enlazando así esta nueva aventura con las primeras giras que hicieron hace casi dos décadas por Brasil. 

•-DanteInferno está cerca a cumplir dos décadas de historia, si bien los últimos ocho años han estado inactivos creo que su carrera recorre varios momentos de cambio tanto del panorama musical uruguayo como de países vecinos (Chile, Argentina, Brasil, lugares en los que han tocado y en los que han tenido contacto con otras bandas y sellos) ¿Qué creen ha cambiado en este tiempo, tanto en Uruguay como a nivel regional?¿Consideran que ha habido una apertura hacia sonidos menos convencionales, hay nuevos espacios fruto del Internet, o tal vez no tanto como parece? 

Mi parecer está lleno de subjetividad pero siento que los artistas cantan con voz más propia. la diversidad por la búsqueda de lo auténtico es honesta y bienvenida.  En cuanto a la escena, sin dudas Internet ha abierto las posibilidades a que los diferentes circuitos crezcan. El hecho de que intereses más específicos (interés en cuando a diferentes sonoridades) puedan tener su medio de expresión, y que al mismo tiempo, personas de diferentes lugares puedan acceder a esas propuestas, está ayudándonos a generar conexiones, a juntarnos.  De todas maneras, sigue siendo todo a escala pequeña-mediana. Aún, al menos a las diferentes escenas a las cuales nosotros accedemos, no existe una red sólida donde las diferentes bandas estemos implicadas, y podamos circular de sur a norte de Latinoamérica, y que de alguna manera esas giras puedas ser autosustentadas. Sí existen personas específicas (más que antes) en los diferentes países, con una disponibilidad enorme a que esto suceda. Gente importante.  Asimismo, las generaciones más nuevas tienen a la colaboración como un valor mucho más presente. Más que nosotros y mucho más que bandas de generaciones anteriores a la nuestra.

-•En un caso como este esquivar la cuestión del tiempo me parece difícil: ¿Cómo encaran la composición ahora que, me imagino, son personas grandes con preocupaciones más adultas, en comparación, por ejemplo, de la época en que lanzaron su primer EP (Happy Easter, 2005)? 

La cuestión del tiempo es imposible esquivarla, y es algo aparte, que nos interesa en particular. La composición en Dante siempre fue bastante diversa: zapadas, a partir de bases, a partir de Pancho que traiga algo más armado. Eso la verdad que no cambió. De hecho, fue bastante loco que de la primer juntada que tuvimos después de 8 años, hayan salido unas 8 bases, que a posteriori fueron las bases de la mayoría del disco que grabamos. Sí considero se puede notar una madurez en las composiciones, y en su interpretación, tocamos mejor que hace 15 años. De todas maneras Happy Easter me parece un disco con unas canciones increíbles por más que suene súper grotesco y XXX lo-fi todo. 

-•La formación de Dante Inferno ha ido variando con los años; no obstante, el trio que grabó su más reciente disco, Celeste Lado A, tiene un recorrido muy amplio tanto en proyectos underground de Montevideo como en bandas de más resonancia, incluso internacionalmente. Creo que aunque puede parecer una pregunta obtusa o un cliché, ¿consideran que el estilo de vida uruguayo (un país pequeño, menos gente, una comunidad que usualmente es vista como relajada y progresista —por decirlo de algún modo—) influencia la manera en que hacen música y los proyectos que han ido desarrollando durante estos años? 

Es indudable que el contexto político-económico influye en la vida de las personas, y lo que cada uno hace, será (entre muchas otras cosas) reflejo de ese momento. Creo que el ser un país chico y con un mercado musical tan reducido te permite, es saber de antemano que muy probablemente no vivas del dinero que genera tu producción musical, lo que te hace poder vivir tu expresividad con mayores libertades compositivas, sonoras. Aunque ahora pensando, eso también es relativo, porque de repente teniendo mayor acceso a recursos, te permite manejar más variables para poder expresar tu idea. En definitiva lo que realmente importa es eso, una idea. El resto es manejar tus recursos lo mejor que te salga para poder expresarla. 

•-Este año van a lanzar un disco en dos partes, del cual ya lanzaron el lado A. La grabación fue hecha en un entorno rural y creo que a pesar de que el sonido es bastante crudo hay en cierto modo un toque “orgánico” — en el sonido— y una cierta aproximación hacia lo rural, ¿fue pensado llegar a ese sonido y estilo lírico? ¿Pensaron estos dos discos de una manera unitaria, conceptual o con un enfoque en mente — es decir, la idea de transmitir o plasmar algo puntual— o hubo un desarrollo más bien espontáneo? 

Fuimos al campo en búsqueda de algo. Hubo mucho de ver qué tenía el lugar para decirnos y componer – interpretar a partir de eso. Ese horizonte lejano, los sonidos del campo, el no tener nadie a kilómetros de distancia fue parte de lo que pasó. Hay bastante improvisación en el disco. Generamos un montón de material de donde luego elegimos, y en algunos casos sobregrabamos. Pancho escribió las letras de algunas piezas ahí. Generamos un estado. Al mismo tiempo, aparte de nosotros 3, viajó Sofía Peluda, quien registró vídeo. A la noche nos juntábamos y Sofía proyectaba lo trabajado en el día en alguna locación de aquel casco de estancia. Eso era registrado a su vez. Toda aquella dinámica hizo que se lograra la sonoridad que se logró. 

El disco lo grabamos en grabadores digitales TASCAM de estos chiquitos (DR 40), lo que hace que el disco tenga un sonido casero, pero que en aquel contexto, le dio una calidez a nuestro gusto muy interesante. El estilo lírico Pancho fue desarrollándolo en la medida que la música aparecía. Todas las letras tienen que ver entre ellas, y al mismo tiempo, con la propuesta sonora. En cuanto a este primer disco, incluimos aquellas piezas que entendimos lo hacían funcionar como un todo.

•-Este primer lado de Cesleste cierra con una versión musical de un poema de Martín Batalles ¿Por qué decidieron incluir esta especie de musicalización de un poema? ¿Qué sienten que representa en relación con las otras canciones? 

Es bastante clásico de la banda incluir en nuestros discos algún tema acústico que luego trabajamos eléctricamente y lo tocamos en esta nueva versión. De hecho, muchas veces para el siguiente disco lo grabamos nuevamente arreglado para este nuevo formato. En el caso de No Vale Vichar, la idea fue de unos colegas que invitaron a Pancho a participar de un disco donde se musicalizarían poemas de Martín Batallés y ahí grabamos esto. Nos gustó tanto como quedó, que decidimos usarlo para cerrar Celeste lado A. Es eso, el aterrizaje de aquel viaje que propone el disco.

-Están a pocos días de comenzar una gira por Chile; aunque es una pregunta un poco cliché: ¿cuáles son sus expectativas con esta gira?

La expectativas con la gira son altas; Dante era una banda que giraba bastante hace años. Las giras han sido experiencias que nos han forjado como personas. Hemos transitado situaciones y conocido personas de las cuales no nos olvidaremos jamás. Esta va a ser nuestra primer salida de casa desde la reunión. Estamos muy contentos de cómo suena la banda y preparamos un set compacto para Chile. Salir de Montevideo a exponernos ante gente que no nos conoce nos resulta muy estimulante. Además, es como una residencia: tocar 4 días seguidos, teniendo tiempo completo para dedicarle al proyecto (poder afinar lápiz en cuanto a la propuesta estética, en cuanto a qué queremos decir) va a fortalecernos como grupo y como artistas. Al mismo tiempo, conocer gente, bandas, circuitos de otros lados de Latinoamérica que andan en búsquedas similares a las nuestras ayuda a no sentirse solos. Hay que fortalecer la resistencia. Latinoamérica está muy bastardeada, necesitamos juntarnos.

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Estructuras de aire, colonias de soplo, una entrevista con ihä (Ignacio Moreno Fluxa)

ihä, proyecto del chileno Ignacio Moreno Fluxa, ha mantenido un ritmo creativo constante durante los últimos años. En el 2016 apareció "Ironía", al año siguiente "Esperanza", y hace poco tiempo vino al mundo "Estructuras de aire, colonias de soplo". Aunque todos sus trabajos guardan cierta sinfonía no hace falta verlos desde un sentido de progresión; cada uno explora una temática y sonido propios del momento de este músico chileno. No obstante, ¿donde posicionan (y se posicionan) estas nuevas canciones en la carrera de ihä? Esa es una pregunta que podría haber tratado de contestar desde la intuición que parece dar el sonido y sentimiento de este álbum, pero me pareció mas sano charlarlo con Ignacio.

En lo personal, creo que hay un sentido de temporalidad un estas canciones, ihä crea melodías que capturan momentos de tiempo que quedan flotando en melodías suspendidas. Espero que este intercambio de preguntas con Ignacio muestre como se construyó técnica y argumentalmente este disco. "Estructuras de aire, colonias de soplo" esta disponible un CD por Necio Records y en formato digital por "Ce chemin est le bon", el arte y concepto visual del disco fue hecho por el mismo Ignacio bajo su proyecto de collage y diseño No more Fluxa, el cual pueden revisar en Facebook.

Hace ya un tiempo, un año o más, charlamos sobre cómo hacías tu música en la sección “Juguetes Para Grandes”. ¿Consideras que algo ha cambiado, en relación a estos dos últimos discos, en tu estilo de composición y en el equipo que usas?

Sí, ha habido una cierta deriva compositiva e instrumental a partir de Ironía. Ese álbum fue el cierre (y quizá el punto más alto) del drone de guitarras que venía trabajando desde el inicio de ihä, en 2011. Ironía marcó un paso adelante por el uso de loops, algo que no había hecho antes y que se tradujo en un sonido más complejo por la mayor cantidad de capas que le daban forma, aunque siempre desde la improvisación. En el álbum siguiente, Esperanza, seguí trabajando con la guitarra, pero introduje además el teclado, lo cual también me llevó a trabajar en piezas de más de una pista y a desarrollar una lógica de composición espontánea, por llamarla de alguna forma. Y finalmente, en Estructuras de aire, colonias de soplo dejé la guitarra y me centré exclusivamente en los teclados, conservando, eso sí, el espíritu de la composición espontánea recién aludido, que consiste en urdir piezas a partir de líneas melódicas improvisadas en distintas pistas. Dicho de otra manera, el trabajo compositivo se da más a nivel de la mezcla, que se basa en pistas grabadas a partir de improvisaciones espontáneas. Esos han sido los principales cambios.

Cuando se hace música que se basa en el “loop” o la repetición, ¿cómo se plantea el momento de terminar o cerrar un tema? Pregunto esto porque me llama la atención, por ejemplo, “43 puestas de sol”, que tiene un aire circular y dura exactamente diez minutos.

Aunque la repetición es un elemento central en mi música, en Estructuras de aire, colonias de soplo no utilicé loops. En el caso de los discos anteriores, donde sí los usé, el sonido se va desmaterializando por sí mismo a medida que se suman capas a los loops; pierde nitidez y va corrompiéndose paulatinamente, así que los temas terminan de forma orgánica: se cierran, se ponen fin a sí mismos. Volviendo a Estructuras de aire, colonias de soplo, las improvisaciones que dan forma a las piezas que lo componen fluyeron –como es propio en cualquier improvisación– de modo natural, según mi propia emocionalidad en el momento del registro. Es difícil, entonces, responder sobre cuál es el momento preciso para cerrar un tema; sólo ocurre.

Me gustaría que contarás un poco sobre qué inspiraciones hay tras de este nuevo disco. Siento que tiene cierta relación con la memoria y su fragilidad, aunque es una perspectiva personal.

Es difícil decir algo al respecto. No hay una conceptualización a priori que haya marcado la creación del disco, pero sin duda constituye un trabajo que por la vía de una exploración introspectiva busca expresar una emocionalidad contenida, en cierta medida inexpresable, como toda la música que he grabado. Ahora bien, sí creo que esa expresión adquirió aquí un cariz especial, conformándose como una especie de llamado introspectivo que más que dar respuestas, plantea preguntas, evitando, a la vez, el misticismo espiritualista del new age más caricaturesco y desplegando, por el contrario, una búsqueda introspectiva basada en la finitud, lejos de una espiritualidad ingenua, delirante. De cierta forma, y para decirlo con otras palabras, es el llamado a una introspección existencial desde lo finito, pero sin disolver la posibilidad de lo sublime en la experiencia de esa finitud que nos atraviesa (por la muerte, por nuestra corporalidad), es decir, se trata de una suerte de misticismo de la finitud, en la finitud. Una sublimidad terrenal, corpórea, si se quiere. Y efectivamente la memoria y su fragilidad pueden ser elementos constitutivos de eso, en cuanto forman parte de nuestra experiencia de la finitud; en este caso, específicamente de nuestra sujeción al tiempo.

En cuanto a las guías directamente musicales que bosquejaron el camino –aunque sé que la pregunta no apunta exactamente a esto–, me gustaría mencionar a las tres inspiraciones principales en el proceso creativo: Alice Coltrane, William Basinski y Philip Glass.

Estas constantemente trabajando en música nueva, ¿cómo manejas tu tiempo? ¿Consideras que has llegado a tener un ritmo personal creativo, o muchas cosas surgen del momento?

Francamente, no lo manejo, y por lo mismo no tengo un ritmo de creación. Tampoco es algo que busque manejar, parametrizar; no me gustaría que se volviera una rutina. Prefiero que las cosas surjan espontáneamente, cuando siento el impulso genuino de hacerlas. Obviamente esto también tiene su lado negativo: tener que lidiar con la frustración de largos períodos de sequía creativa, pero a fin de cuentas sirve para mantener fresca la motivación y la creatividad, en lugar de obedecer a fines productivistas y a una lógica de la eficiencia, tan propios del capitalismo y, por lo mismo, tan lejos de las artes.

Algunos de tus trabajos anteriores tenían ciertos énfasis en temas económicos y políticos. Sobre eso te quería preguntar dos cosas: haciendo música instrumental, ¿cómo consideras que se construye un mensaje más allá de lo textual que articule algún mensaje? Tus últimos discos se han centrado en temáticas que podríamos definir como existencialistas, ¿por qué se dio ese interés en los últimos años?

En cuanto a la primera pregunta, creo que la experiencia estética de la música se puede expandir más allá de una literalidad demasiado pedagógica, pese a que los músicos recurran habitualmente a esa fórmula. Dado que mi música es instrumental, muchas veces –y creo que aquí tu pregunta se basa sobre todo en el caso de Ironía, de 2016– he sentido el impulso de incluir textos que expliquen la posición desde la cual he orientado el proceso creativo de cada disco, pero me he abstenido de hacerlo porque trazar una ruta demasiado definida también reduce el rol activo del oyente y limita el potencial creador de sentido que la propia interpretación supone. Por lo demás, aunque uno marque una dirección o plasme un mensaje (en mi caso, por ejemplo, por medio de los títulos de las canciones y el arte de los discos), la música termina siendo independiente de uno como creador y será el oyente, finalmente, quien le dé sentido a lo que escucha. Por lo mismo, creo que la experiencia estética de la música es ante todo abierta, y no debería verse obturada por la búsqueda personal de quien la crea, por mucho que haya espacio para trazar una ruta, sea esta literal o no. En suma, entonces, lo que intento hacer es tan sólo esbozar, sin demasiada nitidez, mi posición originaria (si la hay) como creador. Y en el caso específico de mi música, esa posición originaria (si la hay) a menudo se vincula con una búsqueda introspectiva que, según creo, queda muy bien plasmada en las atmósferas que le dan forma a mi sonido, y hay en ello, entonces, el esbozo de un mensaje más allá de lo textual.

Por otro lado, tampoco se trata, ciertamente, de caer en el extremo del silencio en el discurso, que es un riesgo latente (el silencio es la peor de todas las violencias, dijo Derrida) y que en la práctica opera como instrumento reaccionario. Por lo que, si en la música solamente trazo esbozos, en otros espacios busco la manera de contravenir el silencio y dar mensajes claros. Y lo hago sin rodeos, por ejemplo, al definir a ihä como un proyecto abiertamente anticapitalista, antifascista, antirracista, antixenófobo, pro-feminista y pro-LGBTQ+. Es un proyecto de apertura; en ello no puede haber dobles lecturas, e intento asegurarme constantemente de que no haya ambigüedades al respecto.

Con respecto a la segunda pregunta, no se trata de un interés particular de los últimos años. Ese espíritu introspectivo y tal vez existencialista es parte de quien soy y ha estado presente en mi música desde que comencé con ihä, por el sencillo motivo de que ha estado presente en mi vida siempre. Lo que pasó fue lo contrario: llegó un punto en que pese a que lo político está siempre presente, me complicó no estar haciendo más explícito mi posición crítica, lo cual es una necesidad que atraviesa a todo arte, y que para mí es esencial para no quedar a la deriva de la superficialidad propia de la lógica burguesa de la creación artística, que habitualmente se manifiesta, como decía antes, en un silencio cómplice, reaccionario. De ahí surgió, entonces, el interés por desarrollar un disco que hablara desde esa posición (Ironía). En el caso de Estructuras de aire, colonias de soplo, la búsqueda introspectiva ya descrita constituye su elemento central, retomando con ello el foco existencialista que ha teñido siempre mi trabajo creativo.

“Estructuras de aire, colonias de soplo” saldrá a través de tu sello "Ce chemin est le bon" y por Necio Records en Perú. ¿Cuáles son tus planes a futuro? ¿Piensas presentarlo en vivo?

Como empecé a trabajar con atmósferas más intrincadas, no es factible reproducir en vivo mis composiciones, lo que se suma al hecho de que tocar en vivo en solitario constituye un desafío inabarcable para mi personalidad. No obstante esas circunstancias, por un impulso irrefrenable y que aún no halla forma, en octubre volveré a tocar en vivo, después de más de un año sin hacerlo. Por el motivo ya mencionado, no es posible presentar en vivo el disco nuevo específicamente, pero tampoco he definido bien cuál será la nueva modalidad.

En cuanto a otros planes a futuro, tengo algunos lanzamientos planeados para 2018. El más concreto por ahora es la preparación de un compilado de registros en vivo entre 2015 y 2017. Los otros son un par de trabajos colaborativos con otros proyectos, que prefiero mantener en reserva hasta que se hayan definido un poco más.

Sumado a eso, este año han cobrado mayor relevancia mis proyectos paralelos. El segundo álbum de Yaca (dúo de improvisación libre junto a Rodrigo Montoya, del Coletivo Abaetetuba), grabado en vivo en agosto de 2017, ya se encuentra mezclado y está a la espera de ser masterizado. Adicionalmente, este año formé dos nuevas bandas (Degú y Huillín) con las que espero tocar en vivo y eventualmente publicar algo. Así que se avecina un período muy fértil.

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Feminoise Latino América: Entrevista con Las Grasas Trans

“aún somos pocxs y nosotrxs queremos

que el lesbianismo domine al mundo”

Las Grasas Trans 

Cansadas de años de exposición de la cuerpa que responde al canon de belleza impuesto, en un mundo patriarcal donde gustar es más importante que poder expresarse artísticamente, donde “nosotrxs nunca tuvimos bandas de lesbianxs para poder escuchar”, sale del closet argento “Las Grasas Trans”. 

Explican como su música va mas alla del sucias guitarras voces rasposas, para resplandecer el grito lesbianx en proyectos de reivindicación de temas profundamente odiados por la sociedad de consumo, donde se aunan con redes y bandas que promueven una “propia contracultura fuera del mundo heteronormado”. 

Integrantes: 

Irene Stimpy: Guitarra y voz

Sor Viciosa: Bajo y coros 

Maruncha Charuta: Sintetizador 

Fragata Portuguesa: Batería 

Lugar: Buenos Aires, Argentina 

Estilo musical: Rock lesbiano deforme 

Año de formación: 2015 

Discografía: 

- Falso Álbum - año 2015 

- Pandemia Lésbica - año 2016 

Nacimiento 

La banda nació luego de varios campamentos lesbianos que realizamos con nuestrxs amigxs en el Delta del Tigre y en el sur de Argentina en el año 2015. Entre las historias de salir del clóset y las bromas, empezamos a escribir canciones y una vez que tuvimos un puñado nos juntamos a ensayar. Queríamos tener una banda porque además de que somos amigxs y nos gusta hacer música, nos interesaba ocupar espacios reservados tradicionalmente a los varones hetero-cis. También nos hacía un poco de ruido la escena "queer" de Buenos Aires y la falta de opciones y de movidas. Era algo que queríamos y necesitábamos y terminamos haciéndolo. 

Sobre las letras de las canciones

Nuestras letras hablan de cosas de nuestra vida cotidiana. Son todas historias verídicas que tienen que ver con nuestra existencia como lesbianas, como chongas, como sudamericanas, como sobrevivientes de la heterosexualidad obligatoria, de la Iglesia Católica, etc. Tenemos canciones que hablan del pánico que podemos pasar un sábado en el supermercado y otras acerca de nuestras madres que preferirían que estuviéramos en el clóset. 

Intentamos transmitir anécdotas de nuestra existencia misma ya que nosotrxs nunca tuvimos bandas de lesbianxs para poder escuchar y tal vez poder sentirnos identificadxs. 

Los recitales en vivo 

Los recitales en vivo suelen ser experiencias muy gratificantes para nosotrxs. Se suele armar un pogo de lesbianxs donde muchas bailan sin parar desde el principio hasta el final. Nosotrxs salimos con máscaras porque nos da mucha ansiedad la situación de exposición y eso nos hace sentir más cómodxs. Muchas veces invitamos a que alguien suba a cantar con nosotrxs, a hacer coros, a participar, así se pierde un poco ese miedo a exponerse. Es lo mismo estar arriba que abajo, solo que tenés un micrófono o un instrumento en la mano y la posibilidad de decir lo que quieras. También pedimos que los varones hetero-cis se queden atrás y dejen disfrutar a aquellas corporalidades/identidades que nunca tuvimos espacios propios. 

Los proyectos que les acompañan

La banda en realidad es un proyecto mucho más grande que hacer música y tocar. Nos interesa sobre todo hacer redes con otrxs lesbianxs del mundo y conocernos, apoyarnos, compartirnos, crear nuestra propia contracultura fuera del mundo heteronormado. No queremos pertenecer a eso. También nos interesa propiciar la creatividad, la autogestión y el "hazlo tu mismx". Además de tocar organizamos nuestras propias fechas, dibujamos, hacemos fanzines, escribimos, hacemos nuestras propias remeras, diseñamos stickers, dibujamos las tapas de nuestros discos, dirigimos nuestros videos, actuamos, etc. Por ejemplo, ahora con las Horregias (banda de lesbianas de Chile) hicimos un fanzine que se llama "Todxs pueden tener una banda" contando todo lo que sabemos desde nuestra experiencia y compartiéndolo para que otrxs se animen a hacerlo. Creemos que lxs lesbianxs debemos hacer todo de nuevo. Tenemos muy pocas películas, series, literatura, historietas, bandas y demás expresiones creativas desarrolladas por personas con nuestras vivencias. 

Hay muchxs lesbianxs haciendo cosas pero aún somos pocxs y nosotrxs queremos que el lesbianismo domine al mundo.

La "escena" de músicas mujeres, como aportan uds y que sugieren

Primero deseamos aclarar que no todxs nos consideramos mujeres en nuestra banda. Nos identificamos más con nuestra identidad lesbiana. Por ejemplo, Irene Stimpy (cantante y guitarrista) es una persona que se identifica como transmasculina no binaria. 

En cuanto a la escena de mujeres la vemos un poco mejor que hace algunos años pero creemos que todavía falta. Hay bastantes mujeres tomando los escenarios pero aún muchas de ellas participan de proyectos mixtos en donde los protagonistas siguen siendo los varones hetero-cis. No hasta hace mucho se los convocaba incluso a tocar en espacios feministas. Así no hay manera de empoderarse, ellos históricamente ocupan esos espacios y no vemos por qué la necesidad de que lo sigan haciendo, mucho menos que se apropien de nuestros discursos. Hay que animarse a ser protagonistas y hay que poner el cuerpo. No es fácil pero no hay otra manera. 

En cuanto a las bandas de lesbianas/trans/marikas también hay un crecimiento de la escena pero la poca falta de difusión y de espacios hace que sea súper difícil visibilizarse y llegar a ser escuchadxs. Como positivo podemos decir que hay buenas bandas/solistas que existen al momento, que están tocando y que merecen ser escuchadas: Horregias, Nihilisa Simpson, La Negrah Liyah, Sasha Sathya, Paz Raperx Sudaka, Indomitamorfosis, Chicha Bungle, Choa Ocampo, Femcee, Rrayen, Las Ex, Tranki Punki, Diavol Strain, Dadalú,Chocolate Remix, etc. 

A nosotrxs nos interesa aportar desde nuestra visibilidad, ya que hay muy pocas bandas que utilizan el lesbianismo como algo político y para nosotrxs es fundamental. No es lo mismo ser heterosexual que ser lesbiana. Así como no es lo mismo ser lesbiana trans que ser lesbiana cis. Esas cosas forman parte de nuestra identidad y son tan importantes como la música.

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Nota realizada por Maia Koenig. 

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Gira Ruido Continuo 2018: DeadBrainCelebrities, Academia de Juguete y Gumm Gun en Perú

Desde hace un par de años se viene tejiendo una red de intercambios entre algunos músicos del Gran Buenos Aires   y otros arequipeños, resulta curioso que en ambos casos nos encontramos con artistas de la periferia que están fuera del foco central de sus escenas musicales, algo que me hace pensar que se han creado estos lazos no solo por una afinidad musical sino por una historia común que los ha llevado a buscar esas alianzas como modos estratégicos de mostrar y articular su trabajo. Hace unos meses charlamos con Santiago Castellano, quien partía hacia Perú para una serie de presentaciones orquestadas por el sello Noxa Records y el Festival Espora (ambos proyectos con base en Arequipa), el año pasado charlamos con José María Málaga quien volvía a Argentina con sus proyectos Fiorella16 y La Terminal. Sin embargo, este “va y viene” lleva más tiempo y ha sido clave para que proyectos como Terry Dirtys, Porcelain Dolls o Joe Transmission hagan giras auto-gestionadas en Perú. En esta oportunidad los argentinos Nadir Aguila y Franco Faienza son quienes encaran una nueva aventura que los llevará por varias ciudades de Perú. Durante este tour se presentarán bajo sus proyectos personales, DeadBrainCelebrities y Academia de Juguete respectivamente y resucitarán, como dúo, para la ocasión su proyecto Gumm Gun (un favorito personal nuestro). Aprovechando esta oportunidad y dado que este intercambio parece más que marchitarse florecer, charlamos con Nadir Aguila acerca de este tour, sus expectativas y proyectos actuales.

Esta es, si no me equivoco, tu segunda gira por Perú y la primera que haras Con tu proyecto solista Dead Brain Celebrities. También reaparecerá tu primer banda "Gumm Gun" en formato dúo. Que tipo de set estarás haciendo y que sientes ha cambiado desde la última vez que fuiste a Perú?

Si es la segunda, en el 2016 fuimos de gira con Porcelain Dolls, es también la primera de este nuevo proyecto solista Dead Brain Celebrities con el que vengo tocando hace poco mas de un año de manera bastante intensa; tuve la oportunidad de ir a tocar a varias ciudades de la provincia de Bs As. Como si fuera poco también nos volvimos a juntar con Franco (hoy Academia de Juguete, bajista y voz de Gumm Gun) para darle una nueva vida a Gumm Gun, pero en un formato nuevo ya que no esta la batería y tampoco vamos a usar ni guitarra, ni bajo, va a ser todo un set de las viejas canciones  pero hecho a puro sintetizador y generadores de ruido, ese sera el set de Gumm Gun. Por otra parte para el set de Dead Brain Celebrities voy a ser yo con mis maquinas pero me va a estar acompañando en algunas fechas Jose Maria (Fiorella 16, Arequipa). Lo que siento de diferente de esta gira a la anterior es que la primera solo fui con el contacto de Noxa Recs que nos conocíamos de manera virtual/no personalmente y ahora me voy a encontrar con viejos conocidos de la primer gira en todas las ciudades eso ya es una diferencia y conocer previamente los lugares a donde voy ya que la primer gira era todo terreno desconocido.

Eso que comentas también quería charlarlo, la creación de vínculos con otros músicos, sellos y personas. Durante los últimos años ha habido un tráfico intenso entre ciertos proyectos de Buenos aires y otros de Arequipa especialmente. Consideras que se ha ido armando una "ruta musical" y un intercambio fluido? Cómo valoras tus experiencias tocando en ese sentido? Lo pregunto porque tal vez en otra época parecía imposible armar algo así

Se esta generando algo hermoso, partamos de que si no hay vínculos no hay nada, sin el vinculo seria prácticamente imposible llevar algo adelante ya sea organizar una edición física en Cd o Cassette o la realización de un show. Allá en Arequipa están llevando adelante un festival llamado Espora que es realizado en diferentes ciudades (Arequipa-Cusco-Puno), lo que busca demostrar es que fuera de Lima también pasan cosas y me parece una idea genial. Acá esta Yamil en C.A.B.A que lleva adelante el Ciclo Ki3br3, después están Dee Dee con el Ciclo Intromision, Joel armando fechas en el Oeste, la gente del She Lost! y acá en Zarate nosotros con el Generacion MOU,  eso demuestra que la ruta ya esta armada y que se esta gestando algo positivo.Todas fueron buenas experiencias, antes me parece que no había un circuito tan abierto a la experimentación y al ruido, si bien existió desde hace bastante me parece que ahora es mucho mas intenso; fuimos generando nuestros propios espacios donde antes no los había, lo estamos haciendo de a poco y entre todos.

Además de eso  hay un flujo  de material discográfico, ellos editando cosas de acá y nosotros editando cosas de aya e intercambiando material para distribuir en la feria de cada uno en todos los conciertos

Flyer del Festival Espora 2018

En los últimos años tu carrera musical ha ido mutando. Incluso tu proyecto deadbraincelebrities nuestra un enfoque más abierto en cuanto a sonido y formación. Te sientes más cómodo sin la perspectiva de una banda estable ? Que planeas a futuro?

Si, después de que terminamos con Gumm Gun hubo mucha intensidad con Porcelain Dolls, pero el espacio que había tenido con la primer banda tuve que rellenarlo con algo nuevo, formar una banda nueva era complicado primero por lo de coincidir en la misma idea con la gente, encontrar a esa gente y todas esas dificultades que desencadenaron en el proyecto personal dead brain celebrities,  un proyecto sin formación (banda) y también sin estructura, simplemente invito a gente a tocar, a quien este dispuesto a participar o a alguien  que este presente en los lugares que voy a tocar. He ido tocando con mucha gente, depende la persona que sea lleva a que lo que sucede sea siempre diferente, no se repite nunca la misma performance, siempre es diferente. Han sido muchos los que han formado parte de esto: El Pantera, Yamil Noise, Joe Transmission, Santiago Castellano, Joaquin Loiza, Franco Faienza, Bill Lee, Damian Loria, Alejandro Lunauta, Fiorrela 16 y Gabriel Vazquez. Todo esto  me lleva a una comodidad y espontaneidad diferente a la hora de un show.

También participe en varias presentaciones de DAGGA que es como un colectivo ruidistico que tampoco tiene formación fija y es igual de mutante. También estoy participando de manera estable metiendo ruidos en Godzillas. una banda hardcore, algo bastante diferente a todo lo que venia haciendo, para mi una deuda pendiente de la adolescencia tocar en una banda de ese estilo. Planes a futuro después de esta gira donde retorna de alguna manera Gumm Gun es ver si seguimos tocando, hay una perspectiva de agrandar la formación y salir a tocar; con DeadBrainCelebrities seguir con presentaciones en vivo, seguir grabando y seguir editando, estoy preparando dos discos nuevos bajo ese nombre.

"El concepto de la gira es mostrar como el ruido continuo arranco con Gumm Gun y después derivo en los proyectos personales Academia de Juguete (Franco Faienza, voz y bajo en Gumm Gun) y Dead Brain Celebrities (Nadir Aguila, Guitarra en Gumm Gun).

El 17 de mayo grabamos en Eco Estudio (Lima, Perú) con la nueva formacion de Gumm Gun, el 18 de mayo tocamos en el Hensley (Lima) en el marco del ImproNoise con los proyectos personales de cada uno Dead Brain Celebrities y Academia de Juguete, el 19 de mayo tocaremos en el Festival Espora (Arequipa, Perú) con el nuevo formato de Gumm Gun.

Después la gira continua con Dead Brain Celebrities en solitario el 22 de mayo en (Cusco,Perú), el 24 de mayo nuevamente en (Arequipa, Perú), el 26 de mayo (Arica, Chile) y el 1 de junio (Puno, Perú)"