Cuerpos en el exilio: Puna lanza "Sukha "

La música instrumental representa un paradigma interesante en el panorama musical actual; durante las últimas décadas se ha convertido en un fenómeno común en casi cualquier género y país. Lo interesante es que ante un mercado delineado cada vez más por las fronteras del lenguaje y los poderes nacionales de la industria, lo instrumental parece circular por terrenos, relativamente, más libres: la ausencia de una lengua como marca permite que su consumo esté dado por una experiencia puramente musical y no localizable, de primera mano, en ninguna tradición o geografía. Desde hace más de una década Puna viene siguiendo esa linea, aunque se les puede ubicar dentro de múltiples géneros su música resiste clasificaciones y se asienta en lo que yo llamaría simplemente instrumental.  Creo que ellos son conscientes de esa situación, su nuevo disco, Sukha, abre con dos poemas de Jorge Eduargo Eielson los cuales remiten justamente a esa idea de no pertenencia o insustancialidad: "no tengo patria ni corbata, vivo de espaldas hacia los astros".

Esas lineas son la primera clave, la siguiente puede ser el título de este trabajo: "Sukha, comenta la banda, es un nombre poco común, que en sánscrito y pali significa placer, tranquilidad, felicidad. Sukha es un estado de calma para llegar a la concentración y a las absorciones meditativas. Sukha en quechua se traduce como atardecer. Estos dos significados se fusionaron y dieron nombre a nuestro álbum titulado “Sukha” (Placer_Atardecer)”. Más allá de lo musical, Puna muestra una preocupación por el lenguaje y los significados que los saca de su realidad como banda peruana.

Para entender mejor cómo han ido dando forma a su visión sonora del lenguaje hay que hacer un poco de historia: Puna comenzó en el 2008 en el distrito limeño de Pueblo Libre, en poco más de una década de existencia han pasado por  este proyecto una serie de músicos de gran talento y nombre en la escena electrónica y experimental peruana. Sus primeros dos lanzamientos fueron dos EPs,  "Medio Día en la Luna" (2010) y "Madrugada Del Fin" (2011), los cuales fueron reunidos en el 2013 por Dorog Records en un solo disco; luego vendrían otros singles, compilaciones y discos ("Au Dial" del 2014 fue el anterior), pero no me interesa hacer historia (recomiendo, si hace faltz,a leer algunas de las notas que he hecho sobre Puna durante los años donde se puede tener, tal vez, una perspectiva histórica más amplia) sino mostrar cómo desde esas primeras canciones han ido evolucionando hacia un sonido propio que amalgama no solo géneros sino significados.

Ese proceso puede verse, creo yo, en dos detalles: las unidades sonoras y los títulos de las canciones. Mientras que sus primeras canciones tenían títulos más precisos y sonidos más "ensamblados", progresivamente la música de Puna ha ido alcanzando un estado etéreo en esas dos dimensiones. Este nuevo álbum lo muestra bien en esa unión entre unidad sonora y mínimo significado que bien representan canciones como "Substancia", "Niebla" o "Unanulaluna", en las cuales la idea de lo inalcanzable, lo poco perceptible, aquello intangible pero omnipresente, se hace presente.

Aunque pasaron cuatro largos años desde "Au Dial" — eso si con un compilatorio de "rare tracks" en medio— la transformación de Puna muestra un trabajo poco común sobre su propia música: manteniendo una esencia reconocible han alcanzado un sonido cada vez menos definido que se mueve libremente por el ambient, la experimentación y la electrónica. La interrelación con la poesía no es aleatoria; más bien muestra  una preocupación por la banda de transgredir el sonido de la misma manera que la poesía, en algún momento, transgredió la palabra.

Sukha fue compuesta por:  Jorge Rivas O Connor  (guitarras, bajos, sintetizador, controladores, voces y efectos), Alexander Fabián Gómez  (teclados y voces), Leko López López  (batería y sintetizador) y Alfonzo Noriega Reto  (teclados y efectos). El lanzamiento virtual y físico fue hecho por Chip Musik Records y Dorog Records.

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Los Ciclos de Tajak

Hay ciertos terrenos, o géneros, en los que parece estar todo dicho, tanto que innovar se convierte en una tarea difícil. La psicodelia ha tenido un auge importante durante el siglo XXI, su resurgimiento en las dos ultimas décadas la ha convertido en un género establecido con sus propios totems, clásicos, festivales y exponentes modernos. Latino América no ha sido ajena a ese resurgir: países como Chile o México han llegado a forjar escenas con una identidad propia, y con proyectos que son reconocidos dentro del circuito internacional. No obstante, ¿es la psicodelia un terreno agotado? El trío mexicano Tajak parece haberse planteado esa misma pregunta y en escasos cuatro años de carrera han tratado de dar su respuesta con una serie de trabajos:  "Tajak" (2015)  "Amsterdam 211" (2017),  el EP: "Merzbow/ Forget" (2015)  y su disco del  año pasado, editado por Buh Records y Hole Records, titulado "Ciclos".

Tajak, foto por Jess Aguirre.

Lo que resulta interesante en Tajak es que, al contrario de otras bandas que se aventuran en ese estilo y sonido, su música parece no terminar de tomar forma. Su trabajo anterior, "Amsterdam 211" es viva prueba de ello: las nueve canciones no parecen responder a un sonido, o estética,  sino desembocar en el desparpajo y el caos. Bajo esa lógica la carrera de este trío mexicano ha ido creciendo a buen paso; durante los últimos dos años han participado de festivales como Integraciones (Lima), Space Fest ( Polonia) o el Levitation Festival (Austin, TX). La banda ha establecido también su propio sello, Hole Records, con el cual han ido armando un catálogo bastante interesante.

"Ciclos" es entonces un punto claro de convergencia de todo eso, no solo del buen momento como banda, sino del buen momento musical que pasa Tajak. Las ocho canciones repiten algo que se ha vuelto característico en ellos: no tienen un ritmo definido y aún así suenan parejas. Basta con escuchar el primer tema, "El Despertar", una lenta descarga de distorsiones, y compararlo con la siguiente, la extensa "El Camino", donde toman un giro hacia lo repetitivo e hipnótico. Bajo esa marcha entre arranque y suspensión, Tajak crea su propio ciclo,  y no repito el nombre del disco simplemente por referenciarlo:  es claro que la banda se propuso dimensionar su sonido y su dinámica de creación de esa manera.



Con eso, en parte, responden a la pregunta de si hay nuevos  terrenos para la psicodelia. Hace falta escapar de las formulas, como en todo género, o sonido, hay que construir una experiencia propia y evitar caer en los lugares conocidos, Tajak ha logrado eso no eligiendo una formula , sino alternando entre multiples vertientes.

Su videografía merece un espacio aparte, en paralelo a sus discos Tajak ha ido lanzando una serie de vídeos (entre lo casero y lo profesional) que resultan un excelente complemento a su actividad musical. La edición en vinilo de "Ciclos" parece estar, rápidamente, en vía de extinción, algunas de las últimas copias pueden conseguirse con la banda o con el sello peruano Buh Records.

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Las transformaciones de Julián Mayorga

Julián Mayorga merece sin lugar a dudas el, a veces malgastado, adjetivo de camaleónico.  Si miramos hacia atrás en su carrera parecía imposible que el  sensible y poético cantante que levantaba constantes comparaciones con Spinetta dejará ver esa facilidad para la parodia que hoy, en cierta manera, encarna. Pero todo estaba ahí desde el primer momento.  Para seguir jugando a los adjetivos y las metáforas otro termino que define bien su música es la metamorfosis. Esa es una figura que, de hecho,  aparece de manera constante en sus canciones:  Criptobiosis (2012) tomaba un concepto de la biología para crear canciones que se desenvolvían como fabulas, Atlas (2014) llevó esa idea de suspensión y transformación a un terreno mas amplio, y con Nixon en la Playa (2016), Mayorga parecía salir de algún capullo convertido en una maquina de ritmos y rimas. Si bien su corriente creativa se ha apaciguado, Mayorga no ha estado quieto estos años. Tras instalarse en España hace un tiempo ha recorrido encuentros, festivales y academias donde ha podido experimentar y re-construir su sonido.

"Julián Mayorga y su clásico sonidito an​(​o​)​dino", su mas reciente EP, es parte de ese proceso que comenzó con Nixon en la Playa. De cualquier modo, en estas tres canciones el sonido parece mas pulido  logrando un cuidado equilibrio entre disparate y armonía. Resulta curioso, o tal vez no tanto, que después de haber dejado su país la música de Mayorga se haya hecho cada vez mas colombiana. Esto tal vez sea pura coincidencia, pero la tarea de los que escuchamos es, muchas veces, buscar ejes y coincidencias. Al hablar de "colombiano" me refiero a un amplio ramillete de sonidos que tienen poca resonancia internacional y que hacen parte del sentir musical de ese país. Hay un encuentro con la electrónica y la vanguardia, algo que proyectos como Los Animales Blancos o Los Pirañas han explorado con éxito antes. Sin embargo, Julián le imprime su personalidad y rescata, ya desde el titulo, toda una tradición juglar.

Con "su clásico sonidito" Mayorga nos remite a toda una tradición alrededor de las grandes orquestas y los cantantes de época. Es así que se asume como un frontman tanto en lo moderno como en lo  clásico de la palabra. Sin embargo, y hay que decirlo, su orquesta es él mismo. Si bien este EP destaca por las participaciones de los músicos Niels Broos y Riota Miyake su arsenal es, principalmente, electrónico. Con esas herramientas construye su propia orquesta. Una orquesta que emula, como bien pone en juego la segunda parte del nombre, un sonido andino desde una perspectiva casi infantil. Cuando aparece "Sayonara", el único tema cantado, Mayorga nos muestra esa intención siempre fabulista que se ha hecho parte de su sello personal.

A pesar de ser bastante corto este EP parece una (a)puesta para el futuro. En sus tres canciones ya están presentes todos los elementos, experimentales y folclóricos, que Julián Mayorga viene explorando en los últimos años. No parece, aún, un proyecto definitivo sino algo tomando forma hacia una nueva transformación; así como sus primeros trabajos pronosticaban la majestuosidad que sería "Atlas". Mayorga, un poco en broma un poco en serio, suele etiquetar su música como Latinofuturismo y, aunque las etiquetas son siempre engorrosas, no se me ocurre un término mejor.  Su música es capaz de dirigirnos en dos direcciones: tanto al pasado de un folclor casi olvidado, como hacia la posibilidad, aun futura, de que ese folclor sea revivido por  las máquinas.

ESTE EP HA SIDO LANZADO POR EL SELLO COLOMBIANO IN-CORRRECTO EN FORMATO DISQUETE. JULIÁN MAYORGA ESTARÁ DANDO ALGUNAS PRESENTACIONES EN FRANCIA DURANTE OCTUBRE.

BIKE, la búsqueda del autoconocimiento en “Their Shamanic Majesties' Third Request"

El título de este disco tiene una doble referencia, “Their Shamanic Majesties' Third Request" alude tanto al clásico de The Rolling Stones "Their Satanic Majesties Request"(1967) como al clásico en construcción,” Their Satanic Majesties' Second Request" (1996) de Brian Jonestown Massacre. Este juego de referencias pone un peso importante sobre el disco, uno puede esperar encontrar psicodelia en la línea más clásica de los stones o en la corriente más noise de los BJM. No obstante, este disco de los brasileños BIKE, septeto brasileño de Sao Paulo, no cae, afortunadamente, en un simple de imitación de esas influencias/referencias. Estas canciones están marcadas por una cadencia lenta que de a poco se va acercando a lo hipnótico, no hay un abuso del volumen ni de la técnica, más bien las notas son espaciadas buscando entramarse cada instrumento como conjunto.

Viene bien hacer un poco de historia antes de continuar, Bike nació en Sao Paulo en el 2015 por iniciativa del cantante y compositor Julito Cavalcante (ex bajista de Macago Bong). Su primer disco, titulado “1943”, salió ese mismo año, esto debido a que Cavalcante tenía ya buena parte del disco armado en base a algunas grabaciones hechas bajo el efecto del LSD. En charla con Noisey Brasil Cavalcante admitía la importancia que tuvo el “revival psicodélico” de bandas como Tame Impala (llegando a elegir el mismo ingeniero de masterización para su disco debut) pero especialmente lo hecho por sus compatriotas Boogarins, cultores de un sonido psicodélico con fuerte arraigo en lo brasileño. Desde ese primer momento la carrera de Bike no se ha detenido, su segundo disco fue ya grabado bajo una perspectiva- banda (completada por Gustavo Athayde en batería, Diego Xavier en guitarra y Hafa Bulleto en bajo) partiendo un poco del enfoque de las primeras grabaciones de Cavalcante. Las referencias a las drogas y experiencias psicodélicas siguen presentes en “Em Busca da Viagem Eterna" lanzado en abril del 2017, disco que los llevaría por varios países de Europa y varias ciudades de Brasil.

Según sus integrantes ese primer tour internacional sería fundamental para su tercer trabajo, la banda comenta que “las canciones surgieron después de ese regreso, compusimos y producimos todo con calma. Eso sumado a las nuevas influencias que absorbimos durante los viajes por Europa y por los extremos de Brasil dio como resultado un álbum más tranquilo, nos dio una sensación de curación y entendimiento de todo lo que ocurrió Em Busca da Viagem Eterna"

Ese estado de calma queda bien plasmado en “Their Shamanic Majesties' Third Request”, si bien el titulo tiene una doble referencia, como comentamos, es posiblemente el disco más maduro y original de BIKE a la fecha. El sonido en general es lento con arreglos que favorecen el detalle y no el volumen, esto permite que las voces y armonías resalten de manera especial. Hay una búsqueda consciente hacia lo sencillo y directo, no solo en el sonido sino, por ejemplo, en la elección de los nombres (todas las canciones tienen como título una palabra corta y sonora) y letras. Esa sola operación por parte de la banda ayuda a que el disco tenga una coherencia más fuerte sin caer tanto en las referencias constantes a lo psicodélico, podríamos decir que en vez de “decirlo”, en este disco lo “son”.

BIKE está actualmente presentando su tercer disco en diferentes ciudades de Brasil

El disco abre con “Anhum”, nombre del dios de la música en la mitología tupi-guarani, un tema de ritmo hipnótico construido sobre una base circular estable. Esa fórmula “circular” se mantiene en varias de las canciones, “Nuvem”, “Chá” o “Voo / Pássaro”, en las que BIKE no busca el virtuosismo exagerado sino crear un sonido sostenido en el cual van profundizando a través de la repetición. Este disco conto con una importante lista de colaboradores, especialmente en voces con la participación de Pedro Bonifrate y Tagore Suassuna, algo que ayudó a expandir la ya rica base sonora de este quinteto paulista. Si bien en su tercer disco BIKE no deja de alimentarse de lo psicodélico hay una postura más madura que ellos mismo admiten, lo que en sus primeros discos parecía un juego es en “Their Shamanic Majesties' Third Request" justamente una búsqueda.

El lanzamiento de este disco ha sido hecho en vinilo por el novel sello brasileño “Quadrago Magico” que busca construir un catálogo alrededor de bandas con una orientación hacia el sonido psicodélico.

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Presentando Sonidos: Cristina Collazos Moyano.

Hace unas semanas comentábamos sobre la excelente propuesta del Festival Nuson, que está teniendo lugar en estos días en Cochabamba, y sobre la poca información y conexión con la música menos convencional hecha en Bolivia durante los últimos años. Los motivos aún, al menos para mí, siguen siendo poco claros. Si bien intuyo una cierta apatía política y social por muchos medios extranjeros, también es cierto que culturalmente los últimos años han representado una apertura importante para la cultura boliviana. Desde afuera buena parte de esa apertura ha sido vista desde la re-significación de lo folclórico: la cumbia, la “cholidad “(para referirme a una nota de hace unos meses en Noisey) mezclada principalmente con sonidos electrónicos. Sin embargo, más allá de esas propuestas, en Bolivia viene surgiendo un incipiente movimiento enfocado a lo experimental.

Si bien los nombres son pocos hay ya un circuito en construcción nucleando espacios, ciclos, talleres y otras cosas. Un nombre que surge, y del cual me quiero ocupar en esta oportunidad al menos, es el de Cristina Collazos Moyano. Originaria de Cochabamba, Cristina lleva adelante diversos proyectos orientados hacia la experimentación electrónica. Sumado a esto realiza talleres enfocados a la construcción de instrumentos electrónicos  a través de su proyecto De La Puta Electronics.

Collazos se tituló de la carrera de Licenciatura en Bellas Artes de la universidad de Arte y Ciencias Sociales “ARCIS” de Santiago, Chile. Ha trabajado en distintos ámbitos de la producción audiovisual, la post-producción y la dirección de arte. Fue en el 2014 cuando comenzó explorar la experimentación sonora y la construcción de aparatos electrónicos. Llegamos a su trabajo gracias al compilado “Feminoise LatinoaméricaVol 1” (lanzado en el 2016 por Sisters Triangla), el track con el cual participa, llamado “Aceite de Coco”, muestra una intención de construir ritmos desde bases poco convencionales, utilizando circuitos y loopeos para “dar sonido” a diferentes cosas. Ese enfoque esta mejor desarrollado en su proyectoSORDO, con el cual lanzó un EP este año, titulado OYE! . Como bien menciona Cristina en la información del lanzamiento hay en esas composiciones un interés alrededor del “sonido como material físico”, es decir, del sonido como una manifestación propia de cualquier elemento más allá de su disposición hacia lo sonoro. Para ese EP Collazos utilizó circuitos, sensores piezoeléctricos y un DX100; a través de estas herramientas fue armando piezas  que si bien parecen tener un origen poco armónico se van organizando para crear melodías. Hay tanto una intención hacia lo rítmico como hacia lo caótico.

Actualmente Cristina está trabajando en una serie de grabaciones usando agua y plantas, sobre esto comenta: “Las plantas y el agua hacen de conductor y/o resistencia, al tocarlas yo cierro el circuito sonoro, dependiendo de la cantidad de agua se produce un tono, lo mismo en las plantas, si están más secas, resisten más y el sonido es más grave. Utilizo el circuito integrado 555 es el famoso Drawdio, solo que cambie algunos capacitores para que al amplificar no sea tan chillón. Este 555 te permite dejar dos cables sueltos, un cable me lo pongo en la boca y el otro lo meto en un frasco de agua, este frasco está conectado por cables a todos los demás frascos algunos con plantas, entonces al tocar el agua o las plantas cierro el circuito y suena, los sonidos que se van produciendo los loopeo”

Mas allá de su trabajo musical. Collazos se viene dedicando a la difusión de la música experimental en Bolivia a través de talleres, como el que presentó hace unos días en el marco del Festival Nuson, y de vídeos de muestra y sesiones  con su marca DeLaPuta Electronics.

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LupaLibre: Saturno Devorando, dimensionando lo humano

No puedo dejar de sentir una relación especial con la música de Saturno Devorando, hace cinco años cuando apareció su debut “Sans Soleil” representó mi primer acercamiento a la música costarricense, algo que se extendería durante este tiempo de muchas maneras abriendo una puerta hacia un país con una cultura musical siempre interesante. Los rumores de un segundo trabajo vienen dando vueltas hace bastante tiempo, sin embargo estuvieron cruzados por los giros y eventos de la vida de Fiamma Aleotti y Ronald Bustamante – los dos organismos que forman este proyecto –  “Antes de tener una banda juntos, Ronald y yo somos amigos, entonces no necesitamos un motivo particular para vernos o hablar. Eso hace que sea más sencillo mantener una cierta constancia. Pero sí teníamos muy claro desde que empezamos a trabajar en el disco que queríamos sacar 3 sencillos durante el proceso y que iban a hacer parte del álbum. Lo único que cambió en relación a nuestras proyecciones fue la línea temporal: la idea era poderlo sacar mucho antes, pero la vida se atravesó. Como conjunto no tenemos una dinámica temporal específica.”

Foto por Pablo Murillo/Jhans Masco

Esos tres adelantos fueron apareciendo espaciadamente durante los últimos años, como anunciando algo lento pero inevitable.  Las portadas de “Glenn Gould” (2015), “Sad Song” (2015) y “Ice Queen” (2017) fueron todas hechas por Pablo Murillo apuntando a tener un estilo serial y contundente. Esas canciones ya mostraban algunos cambios en el sonido, mostrando una confluencia entre lo eléctrico y lo acústico, sobre esto Ronald Bustamente explica:“en el disco se refleja un poco el proceso de aprendizaje que he tenido en los últimos años en lo que se refiere a utilizar software, lenguajes de programación y hardware (ya sea para la guitarra o para lo demás). En particular he estado utilizando mucha síntesis y tratamiento sonoro de grabaciones acústicas.” No obstante, cabe notar que estos 3 simples mostraban apenas uno de los climas de “Still Life”; el disco completo presenta todo un crisol de emociones.

Saturno Devorando se alimenta de Ronald y Fiamma, de su personalidad y estética pero más que nada de su sinergia, del movimiento formado por los intercambios entre dos lenguajes. Mientras que Ronald usa la música como vehículo de expresión, Fiamma recurre a las palabras. Reflexionando sobre como aúnan esos dos procesos individuales en su dinámica grupal el dúo comenta:  Ronald hace varias maquetas con beats y guitarras u otros instrumentos y me las pasa. De ahí yo improviso combinaciones de melodías y hago una selección de los tracks que más me inspiran, o de los que me sacan algo interesante. Grabo borradores, a veces con letra y a veces sólo con vocalizaciones y se los paso a él. Ronald complementa- En general, a partir de esa base que yo hago y lo que Fiamma incorpora con la voz y la letra, trabajamos en los arreglos y la estructura de la pieza. No solemos improvisar o juntarnos para ver qué sale, creo que por nuestras personalidades se nos da mejor trabajar cada uno a su tiempo”

Esa dinámica de creación se hace palpable desde un inicio en la luminosa introducción de “Quebec” donde empiezan a revelarse nuevas dimensiones de su humanidad, no solo sale a flote su evolución musical sino se reflejan sus experiencia en estos cinco años  “los temas del primer disco-  comenta Fiamma - fueron escritos en la primera mitad de mis veintes, y eran además mis primeras canciones, entonces estaba experimentando. Ahora me encuentro al final de mis veintes y obviamente mi visión de las relaciones, del mundo y de la vida ha evolucionado. Por otro lado, justo después de lanzar Sans Soleil me fui a estudiar afuera y viajé bastante por unos meses. Eso me dio material y espacio para desarrollar otras partes de mí, y probablemente eso se refleje en las letras. “Quebec”, por ejemplo, la escribí en Canadá, viajando en la autopista entre Montreal y Quebec, mirando el paisaje por la ventana.”

Ese paso del tiempo, esos cambios en el pensamiento y en la percepción están presentes en cada momento de “Still Life”. Fiamma, como voz lírica del proyecto, muestra ese salto del fin de la adolescencia a la primera madurez en temas como la poderosa “Fucker”, un tema diciente y directo donde descarga toda su rabia contra los modos machistas- “para ese tema ya tenía la letra y quería una base bastante específica, entonces le pedí a Ronald que me la diseñara y seguidamente ajusté la letra a eso, las letras obviamente reflejan mi vida y las inquietudes que navego a diario. Como tener el corazón roto, como el acoso callejero, como mis inseguridades respecto a mi cuerpo y mi sexualidad.” De cualquier modo, otras canciones juegan con otras imágenes de la feminidad “Ice Queen” o “Taste It” pueden ser vistas como figuras cercanas a la divinidad, al poder y fuego interno de la mujer.

Aunque ya para su primer disco Saturno Devorando mostraba cierta complejidad, musical y lírica, esto disco los proyecta en muchos sentidos. Además de abordar temáticas humanas más complejas, la voz de Fiamma tiene la capacidad de desdoblarse llegando a registros y efectos vocales complejos o sonar fuerte y directa cuando hace falta. Ronald se ha sabido  alimentar de su experiencia estos años (en los últimos cinco años ha explorado cada horizonte posible para su música) convirtiéndose en un mago prestidigitador capaz de poner en marcha ya sea sonidos maquinales o arreglos programados cargados de emoción.

La portada de Pablo Murillo, eterno colaborador y amigo de la banda, refleja, a mi parecer un poco eso. Dos rostros en un solo cuerpo unidos en un trance mágico. Así es “Still Life” un disco humano pero divino, un rescate de las emociones a través de la música.

STILL LIFE ESTA DISPONIBLE EN BANDCAMP, A TRAVÉS DEL SELLO "PINK MATTER DARK NOISE", PUEDEN SEGUIR A SATURNO DEVORANDO EN FACEBOOK.

Teoría de Los Mundos, ficciones y Ciudades Flotantes:

Alejandro Elizondo y Luis Angel Martínez, los dos personajes detrás de “Los Mundos”, son de esos músicos que parecen siempre estar trabajando en algo. Gracias a eso han amasado una extensa discografía (a ritmo de un lanzamiento por año) desde que debutaron en el 2011 con su disco homónimo; de hecho, su primer gran clásico, el himno melómano “Ni un segundo más sin música”, cumple ya siete años de vida. Sus dos últimos discos “No hay quien se salve” (2015) y “Las Montañas” (2016) han dejado un poco ese lado “divertido” para adentrarse en melodías y temas densos; ya desde las portadas hay un guiño directo hacia la psicodelia. Sin embargo “Rompe tu guitarra”, el primer adelanto de su octavo trabajo “Ciudades Flotantes”, parecía mostrar vuelta a esos primeros años donde las referencias al sonido rock guitarrero era palpable en las letras y los acordes. 

Foto por Thom Díaz

De cualquier manera, ese era apenas el abrebocas de un disco al que el dúo ha dedicado casi dos años, la mayor cantidad de tiempo que han puesto en un disco. Hay que partir de la base de que Alejandro y Luis se conocen muy bien a estas alturas, lo que comenzó como un intercambio de ideas a la distancia es hoy un dúo solido con capacidades muy definidas. Hay dos lados que han explorado y desarrollado durante su carrera: el primero, y con el cual comenzaron, es ese costado sensible y divertido donde usualmente sus temáticas son el fanatismo musical o las cosas simples de la vida diaria; el segundo, que represente sus últimos años, muestra su faceta pesada donde usualmente abordan temáticas ficcionales y ancestrales. 

Aunque el primer single parecía mostrar que “Ciudades Flotantes” iba a marcar un regreso a esas primeras épocas el disco entero muestra todo lo contrario. Si bien algunas canciones son más rápidas y potentes que otras creo que el disco en general se distingue por el uso de un sonido pesado y denso que varía dependiendo del tono del tema. Hay también una sub-temática de la que siento “Rompe tu Guitarra” no hace parte, por ejemplo “Insecto Nuclear”, tema con el que abre el disco, es una fábula futurista/apocalíptica. El siguiente tema “Perros de la Nostalgia” aumenta la velocidad, pero continua con las referencias espaciales y cinemáticas, algo que se repetirá durante el resto del disco. 

Al igual que otros de sus discos este trabajo está influenciado por la ciencia ficción (no sobra recordar que “Las Montañas” su disco anterior, tenía al menos 3 temas inspirados en HP Lovecraft), Alejandro y Luis encuentran en la música un terreno para llevar su fascinación por lo sobrenatural, el espacio y el futuro. Aunque su base musical es sencilla el dúo sabe sumar detalles para no caer en lo monótono, por ejemplo, la canción “Los Mundos” cuenta con una sección de cuerdas que logra cambiar el ritmo, hasta ahí, trepidante. Esos detalles hacen que canciones como “Lenta Combustión”, condimentada con unos teclados espaciales, o “El oro de los Tontos”, sumando la voz de Bianca Villareal, se contrapongan a la rapidez y potencia de canciones como “Amantes de la Sangre”, “Valak” o “Ciudades Flotantes”. 

Aunque creo que “Ciudades Flotantes” tendría más coherencia sin “Rompe tu Guitarra”, un buen tema sin dudas pero que no encaja en el sonido y temáticas del disco en general, este es un disco con bastante cohesión. La portada, hecha por el estudio A1 Design, funciona como una buena pantalla visual de varias de las temáticas que trata el álbum. En los histórico para Los Mundos “Ciudades Flotantes” los muestra como una banda capaz de construir su propia historia y mantenerse constante a través de los años.

ESTE DISCO ESTA DISPONIBLE EN VINILO A TRAVÉS DE AVANDADOOM(MEXICO) EN FORMATO VINILO, PUEDEN SEGUIR A LOS MUNDOS EN FACEBOOK Y BANDCAMP.

"East": Una guía alterna del disco instrumental de Sexores

Cerrando la semana pasada publicamos la primera parte de un análisis narrativo y visual de "East/West" el disco doble de los ecuatorianos Sexores. La nota fue hecha como una propuesta a David Yepéz y Emilia Bahamonde, el dúo fundador del proyecto, buscando explorar las influencias y referencias que ayudaron a dar formar a este trabajo. Esa primera parte se enfoco en "West", el lado mas brillante de esta obra que detalla desde lo musical, visual y lírico los últimos años de Sexores, como banda y pareja, sus fascinaciones y preocupaciones. Del otro lado esta "East" un disco que nos muestra una faceta bastante nueva de la banda: 8 composiciones instrumentales que se adentran en el ambient, el synthwave y el vaporwave. No obstante, mas allá de las etiquetas Sexores busca crear ambientes, muchos de esos ambientes reflejan estados, estéticas y épocas.

Justamente ese "sentido de reflejo" es el elemento que conecta "West" con "East" tanto en el sentido mas obvio, la re-versión de  "Tales of the East Coast" en su lado  b " Neon Hearts", como en lo mas implícito, la trancisión  espacial entre "Rigel"  y "The Great Blue Hole, logrando un correlato entre ambos discos. Ambos discos proponen exploraciones del sonido de los sintetizadores y secuencias  electrónicas; la gran diferencia es que el sonido de  "West" nos dirige a los 80s, una época en la que el futuro parecía una realidad palpable a la vuelta de la esquina, algo que se hizo sintomático en el cine, la música y la literatura (no por nada la selección de la banda esta muy centrada en esa época).



 "East" puede ser visto de varias maneras, si bien su sonido no esta lejos de la re-lectura moderna de los 80s que géneros como el vaporwave han hecho, llevando el futuro virtual a un terreno mas moderno, es cierto que este disco tiene muchas de las cualidades del Soundtrack cinematográfico.

La misma banda comenta "ambos discos son bastante visuales, pero este segundo puede evocar esa sensación que tienes al ver una película". Tomando eso en cuenta me pareció interesante invitar a Sexores a preparar una selección de las influencias cinematográficas, tanto en estético-visual como en lo sonoro, que sienten están presentes en "East"; el resultado funciona como una guía alterna a este disco doble que creo complementa en muchos sentidos el ejercicio de escucha:

SEXORES TOUR SURAMERICANO 2018

Apr 07 -Casa Cultural Arte Demente (Quito, Ecuador)

Apr 12 - Espacio Fundación Telefónica (Lima, Perú)

Apr 14 -FESTIVAL GRITO ROCK (La Paz, Bolivia)

Apr 17- Nuson 2018: Festival de Nueva Música (Cochabamba, Bolivia)

Apr 20 - Casa de Salud (Concepción, Chile)

Apr 21 -Espacio en Construcción (Valdivia, Chile)

Apr 24 -Sala SCD Plaza Egaña (Santiago, Chile)

Apr 26 -Sala Rubén Darío (Valparaíso, Chile)

Apr 27 -Nébula Club (Miraflores, Perú)

1. The Great Blue Hole - The Abyss (1989)

2. Dazed - Blade Runner (1982)

3. #nsfk - Possession (1981)

4. Tales of the East Coast: b) Neon Hearts - Blue Velvet (1986)

5. 6th floor - Brazil (1985)

6. Tibidabo - The Elephant Man (1980)

7. Luna - Only God Forgives (2013)

8. This is Not My Way Back Home - Pet Sematary (1989)

LES RECOMENDAMOS LEER LA PRIMERA PARTE DE ESTE ESPECIAL DEDICADO AL DISCO WEST. ESTE TRABAJO ESTA DISPONIBLE EN VINILO Y CD DESDE EL BANDCAMP DE SEXORES Y BUH RECORDS.

Nuevas Identidades: Lota y su segundo disco " Ordal"

Lota surgió como una vía alterna para las creaciones que Paula Acuña sentía no encajaban en el concepto de Minicomponente, su proyecto principal que lleva adelante desde el 2010. De este  alter-ego apareció un primer EP en la serie de Pakapí Records "Industrial Tropical" bajo el titulo "Amarantia" (2016). Este año aparece un segundo trabajo a través del sello mexicano Maligna, un disco largo que desarrolla mas en profundidad el germen de esas primeras inquietudes musicales y personales representadas en Lota. Desde una perspectiva identitaria resulta interesante ver como  Paula ha ido tejiendo esta nueva personalidad musical, una especie de hermana oscura de su proyecto principal. Mientras que en Minicomponente  construye formas y melodías vocales mas definidas en Lota hay un espíritu  mas anárquico que se alimenta del uso de una narrativa musical no lineal.

En los últimos años se ha hecho común que un mismo músico tenga varios proyectos bajo diferentes nombres, especialmente en el terreno de la electrónica donde el  estilo de producción facilita el cambio en los tonos, equipamiento y estilos sonoros, sin embargo, en casos mas especiales esto ha dado espacio a la creación de nuevas identidades (hace unos meses traté el mismo tema refiriéndome al trabajo de Miyagi Pitcher), algo que refiere a un proceso que no solo atañe a lo musical sino también a lo psicológico . En el caso de Lota la transición entre "Amarantia" y "Ordal" deja ver ese proceso; donde ese primer EP aún dejaba ver las huellas de Minicomponente aquí hay una separación en dos mitades capaces cada una de seguir su camino. Algo que noto es que "Ordal" tiene una cohesión mas fuerte conservando esa energía anárquica a la que me referí hace unas lineas, podríamos decir que Paula ha llegado a un estado de equilibrio.

Hay otro detalle  que tiene mucha fuerza en este disco y es la personalidad, energía y emociones de Paula. Mientras ella estaba dando forma a "Ordal" fallece su abuela hecho que tiene una fuerte influencia en el resultado final siendo un trabajo " donde la belleza emerge de a ratitos con autonomía y un poco tortuosamente en medio de los cardos" y un "homenaje a ella y a su sensibilidad interdimensional, a la calma tristeza que me transmitió con sus cuentos y dibujos".  Estas situaciones y energías personales forman una dimensión que se acopla a lo musical. Una tercera dimensión esta presente  en  las influencias extra-musicales del proyecto tales como : el misticismo, la botánica y la filosofía.  Esas influencias se diluyen en estos tracks, brindando un lenguaje ( o mejor dicho un uso del lenguaje) que refuerza la construcción de la identidad.

En las composiciones de Lota hay una construcción constante, su música esta llega de quiebres, giros inesperados y ritmos amorfos que terminan de armarse de dejándonos ver las "lineas de costura" tanto musicales como personales que las componen. Temas como "Veve", "Girini" o "Amaethis" hacen mas evidentes esas lineas teniendo en si dos mitades distintas unidas por un quiebre otros como "Devolved las Tierras" o "Iga" se mantienen mas uniformes siguiendo un mismo hilo conductor.

Paula Acuña ha sabido llevar a buen puerto esta nueva aventura, creo que "Ordal" es un trabajo que cimienta el concepto de Lota de manera contundente funcionando también como un punto de separación entre dos personalidades nacidas del mismo ser. La edición en cassette de este disco ha sido hecha por el sello mexicano Maligna ( al cual entrevistamos recientemente en nuestra sección "El boom del cassette"). Recomendamos también el taller de  producción musical con Ableton Live. que Paula estará dando en Buenos Aires en abril.

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Wellam: “Del Cielo a la Tierra y de la Tierra al Cielo”

Aunque no considero del todo necesario comenzar una reseña/nota de WellaM y su disco “Del Cielo a la Tierra y de la Tierra al Cielo” con una comparación, en este caso creo que puede resultar provechoso para entender de donde viene su música. Tras escuchar varias veces la primera canción “Campanas” no podía dejar de pensar que me recordaba algo, otro tema. Tras analizarlo encontré cierta relación entre ese track  y el también abridor del debut de Labradford “Listening in Depth” (del disco Prazision lanzado por Kranky en 1993). La instrumentación y la duración difieren mucho, mientras que la canción de Labradford está basada en lo eléctrico, el tema de WellaM usa instrumentos acústicos y melodías vocales, sin embargo, ambos temas utilizan un efecto drone continuo como columna vertebral.

Esta coincidencia se da porque más allá de los instrumentos ambos proyectos buscan crear música con cierto aire trascendental alejándose del formato estándar de composición. En su debut “Del Cielo a la Tierra y de la Tierra al Cielo”, WellaM explora tanto lo trascedente como lo festivo, el dúo compuesto por Chaska Sepulveda y Golondrina Alfa saca jugo a las percusiones, vientos y cuerdas en un estado natural propio del ambiente en el que fue creado. Este trabajo fue grabado durante el 2016 en zona rural de la Concordia, Entre Ríos, la mezcla y masterización (hecha por Golondrina Alfa y Nicolás Aimone respectivamente) favorece el estado natural de los instrumentos y las secuencias rítmicas sobre las que el dúo construye sus canciones. Buena parte de los temas se basan en la repetición de un patrón que se intensifica en la progresión del tema. Si bien hay un sonido muy definido la instrumentación usada por WellaM es variada, el dúo usa desde guitarras y percusiones propias del folclor argentino hasta instrumentos orientales como el arpa pentatónica, el Shruti Box o el bansuri.  Su exploración del sonido no está ligada a lo regional o nacional sino a una visión del sonido ritual y folclórico desde una perspectiva abierta.

 Este debut muestra especialmente dos facetas muy claras, por una parte, están los temas de aire ritual y con armonías repetitivas como “Campanas”, “Gospadi” o “Mosquitos” del otro hay composiciones más festivas y con armonías más dinámicas como “Maitay”, “Zorros” o “Cumbianchina”. Con esto WellaM representa dos de los aspectos clave de muchas culturas ancestrales: lo espiritual y lo festivo como celebraciones de lo divino. En cada aspecto WellaM logra los climas adecuados, ya sea alcanzando altos estados de reflexión en composiciones como “Eterno Presente”, que cuenta con la participación de Pablo Taubas Oyola en batería y Federico Fossati en los bansuris, o abrazando el desparpajo en la contagiosa “Maitay”.

Durante los últimos años han proliferado proyectos que han re-significado los sonidos ancestrales y folclóricos de diferentes culturas utilizando enfoques experimentales. Esta re-lectura está acompañada de maneras de “vivir” y explorar el sonido, en el caso de Argentina me resulta interesante el hecho de que muchos de estos músicos vivan en zonas rurales o periféricas de las grandes ciudades (Pandelindio, los músicos de O+yn o Mariano Rodríguez son otros ejemplos). Este aislamiento de lo urbano puede ser simplemente una coincidencia, aunque puede ser también una influencia importante al momento de crear discos como “Del Cielo a la Tierra y de la Tierra al Cielo”.

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Contra las formas impuestas: Gabriel Pereira Spurr presenta "Monopolio"

Hace unas semanas el sello peruano Super Space Records lanzó "Monopolio" disco del músico Gabriel Pereira Spurr. Acompañando ese lanzamiento Wilder Gonzales Agreda, fundador del sello, realizó una entrevista a este músico uruguayo en su portal Peru Avantgarde, recomiendo leerla ya que es una buena manera de conocer en profundidad la historia de este artista. Algo que me resulta interesante en el música de Gabriel es la constante fricción entre momentos "limpios" con un sonido ordenado y otros donde su música parece irse hacia el desvarió psicótico. Este nuevo trabajo explora bastante esa dinámica usando un equipamiento bastante moderado: una guitarra, una armada de pedales y un controlador Midi le son suficientes para ir construyendo melodías bajo una estructura que Spurr define como una " teoría de la construcción fonética: primero el sonido, luego el lenguaje"

Mas allá de ese vaivén constante entre cordura y locura hay que admitir que "Monopolio" es un disco muy bien estructurado, tanto en lo que a cada canción respecta como a la "forma" del disco. Los títulos de las canciones y el sonido hacen que en conjunto el trabajo parezca una saga espacial contada en capítulos siendo la parte mas extensa la "Saga C" que ocupa cuatro temas en total. Sumado a  ese componente "espacial" este es un disco con un contenido político bastante fuerte algo interesante en un trabajo primordialmente instrumental. Esto queda expreso en los títulos de las canciones y en los comentarios que Spurr agrega como nota de lanzamiento en los cuales levanta varios cuestionamientos sobre el orden y las jerarquías presentes en nuestra cultura.

Me queda la duda sobre si las canciones son pensadas con una intención "política"  pero creo que con ese "primero el sonido, luego el lenguaje" queda claro que el sonido precede al mensaje. Entonces, "Monopolio" termina siendo un disco que se aleja del formato general de protesta o critica política en lo musical (donde usualmente el énfasis esta en el lenguaje, en lo que se dice) dando mayor espacio al sonido tal vez como una manera de romper con las formulas clásicas tanto de lo lingüístico como de lo sonoro. Gabriel se libera en cierta medida de esas "formas impuestas" que terminan en muchos casos convirtiendo el mensaje en un estado prefabricado. Es por eso que las canciones logran unidad en la deformidad. No hay un patrón definido,  mientras que temas como "Asteroide Municipal (Disneyworld version)" y  "Las Flores Demócratas" tienen estructuras armónicas mas digeribles "Aphrodisiac Chant" y "La Saga C"  resaltan por su estilo mas enmarañado y complejo.

"Monopolio" es un buen trabajo para acercarse al trabajo de Gabriel Pereira Spurr un músico que logra una propuesta interesante en varios niveles,  se puede enmarcar su música en el siempre fertil terreno de la experimentación en Buenos Aires del que Spurr viene siendo parte como espectador y actor mas bien tímido hace varias décadas. Sin embargo su caso en particular tiene un sentido reaccionario no tan común, al menos de manera directa, en otros artistas porteños (no obstante me viene a la cabeza el disco del cordobes Nonoise79 que mezcla también la experimentación con la critica social y política mas directa). La portada del disco fue hecha por  Hernán Cassiodoro destacado músico y artista quien colaboro en nuestro compilado/fanzine "Desasosiego" además de haber creado otras grandes portadas para su banda Olfa Meocorde.

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Los Kowalski, una dinámica del sonido en "Dejarte Ir":

Hace apenas un par de meses comentábamos el excelente EP “Sónica” lanzado por el trío mexicano Los Kowalski, de antemano sabíamos que tras su debut del 2015 (Sputnik) se habían dedicado a trabajar en un disco largo y complejo que había consumido más tiempo del que esperaban. Para nuestra sorpresa “Sónica” era apenas una muestra de ese trabajo en proceso ya que según su guitarrista Manuel Gutiérrez esas cuatro canciones no concordaban con la idea del disco largo así que terminaron dando forma a un EP. En ninguna manera consideraría a ese EP una colección de temas descartados, más bien esas canciones muestran el gran espectro de sonidos que estos mexicanos han estado trabajando los últimos años. Desde un marcado dinamismo y un manejo de la melodía en el ruido Los Kowalski han sido capaces de crear un corpus de sonidos con varios matices. “Sónica” es diferente de “Dejarte Ir”, el disco largo que están estrenando esta semana, en una medida que al tratamiento y uso de los sonidos se refiere.

Las canciones de “Sónica” tienen una estructura lineal con una tendencia hacia la repetición, por eso algunos temas tienen ese aire “ambient” ya que terminan formando colchones de sonido. Esto nos deja ver, desde mi perspectiva, algo importante sobre el estilo de composición y grabación de este trio; los temas comienzan desde estructuras básicas que se van desarrollando hacia una dirección, las canciones de “Dejarte Ir” optan por un dinamismo y fuerza mientras que las de “Sónica” son menos expresivas, más bien abstractas. Un instrumento parece haber sido clave en el LP largo: el teclado, el uso de secuencias y bases programadas es llevado en muchos temas a remplazar las “baterías reales” y tomando un rol importantísimo al momento de crear esa sensación de continuidad entre las canciones, es con ese uso extensivo de los teclados que los temas van uniéndose uno con otro.

La apertura del disco con el instrumental “Cielo Rojo” es una manera de “activar las maquinas” continuando el flujo de corriente en “Puente a la Luna”, primer adelanto y vídeo de este disco. Temas como “Albatros” van tornándose enérgicos, Pablo, Manuel y Arturo interactúan concisamente individual y grupalmente, las voces se mantienen diluidas en el sonido haciéndolas inentendibles. Esto no resulta un problema y es de hecho una de los sellos del sonido de la banda, algo que desde “Sputnik” viene probando pero que va tomando sentido en este disco. En cierta medida ese uso de la voz como un instrumento difuso, al igual que las guitarras hace que las canciones con voces puedan pasar por instrumentales y los instrumentales sin tener voz tengan una “forma” narrativa concisa, para explicarlo recomiendo escuchar “Continental”, aunque la canción no usa voces tiene un fraseo de guitarra constante que sin ser muy fuerte resalta durante los 3,34 que dura el tema.

Ese dinamismo constante de las canciones, y del disco en general, es logrado con una alineación también dinámica. Los Kowalski, al igual que ciertos proyectos que relacionan su música con el space rock como Niños del Parque o Culto al Qondor, tiene una formación trío clásico guitarrá-bajo-batería condimentada por la alternancia de sus integrantes entre instrumentos, generando un “efecto sombra” (en este caso con el uso de sintetizadores y themerin) que les permite con una banda reducida pasar de momentos explosivos a otros introspectivos. El tema “Richard Neutra” tiene un detalle muy interesante y es una “referencia” en la línea de guitarra a la canción “Ungern” del EP anterior algo que confirma que las canciones de “Dejarte Ir” han sido pensadas desde bases fragmentarias que se van ampliando. Seria innecesario buscar encasillar a “Los Kowalski” en un “sonido” o “genero”cuando en este disco cobran fuerza como un conjunto musical capaz de generar y manejar sonido.

El trabajo de producción contó una vez más con el apoyo de Beto de Lorelle Meets the Obsolete en mezcla y masterización de José Orozco Mora. “Los Kowalski” presentaron esta misma semana el disco en vivo junto con una edición limitada en cassette hecha, una vez más, por Hole Records.

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Winétt :Encontrar la propia voz, distorsionar la propia voz.

Muchas cosas me llamaron la atención tras escuchar "Estaciones​/​Salvamento", trabajo lanzado por el músico chileno Winnét en enero de este año a través del sello chillajeno "Ediciones Teratologicas". Hay una combinación acertada de cualidades simples y muy humanas que logran crear en el escucha una sensación de intimidad. Pero lo primero que me llevo a otro lugar (o al menos a una búsqueda virtual de un lugar y un tiempo) fue el nombre del proyecto, "Winnét de Rhoka" fue el seudónimo usado por la poeta chilena Luisa Anabalón Sanderson (Santiago, 7 de julio, 1892 — Ibídem, 7 de agosto, 1951) esposa del también poeta Pablo de Rhoka con quien tuvo una familia dedicada al arte y marcada en muchas instancias por la suerte de los poetas malditos. Hay otros guiños a esta poetisa en el disco, por ejemplo, la primera canción se titula "Cantoral" al igual que la obra publicada en 1936 por ella.

Estas pueden ser presunciones mías, o simples coincidencias; sin embargo, creo que hay una influencia fuerte de la poesía chilena en el estilo melancólico e intimista de  Winnét. Aunque este proyecto no tiene mucho tiempo de existencia se puede percibir un punto de quiebre claro en su discografia. Con cinco lanzamientos a la fecha (un demo- single, un EP, un split y dos discos largos), "Prefacio Demo" y "Adormania" (primer semestre del 2016), son trabajos acústicos con un sonido mas clásico y sin demasiados arreglos; a partir de "Lo que no Quiero Dejar"  y el split "Todos caemos soñando despiertos", Winnét empieza a agregar distorsiones, ruidos a la grabación, y ecos en las voces, elementos que terminan de integrarse a su sonido en su LP de este año. Ese detalle no me parece menor ya que con esos nuevos elementos la música de este solista termina de tomar forma, no solo en lo sonoro sino a nivel vocal. Las primeras canciones me parecen interesantes, pero siento que aún adolecen de una capacidad de expresión que no logra suplir ni la guitarra acústica ni la voz natural. Posiblemente Martin (nombre real del artista detrás de este proyecto chileno) haya notado esto ya que progresivamente ha ido experimentando cada vez mas con un estilo de grabación casero y de baja fidelidad en el cual el ruido,el error y el quiebre se convierten en ingredientes armónicos.

Canciones como "Concepción, 2014" o "Las Sombras" usan ese efecto de quiebre, la canción se desarrolla normalmente hasta un punto en el que la grabación parece resquebrajarse y desintegrarse en el silencio. Otras canciones como "Cantoral" o "13" alejan la voz, dándole un efecto de eco y lejanía que logra causar una nostalgia inmediata, una distancia que no aleja. La tecnología, o la ausencia de ella, es usada entonces para crear un efecto atemporal, la música no "suena mal" simplemente porque sonar mal tenga algún valor estético en un panorama plagado de perfeccionismo digital. La baja fidelidad como  fetiche no tiene sentido. "Estaciones/Salvamento" se resquebraja porque ese es el efecto emocional que hace que las letras y la voz de Martin sean mas certeras, mas dicientes e incluso mas humanas.

No podría tratar de acertar si son pedales, pluggins de grabación u otra herramienta lo que Winnét usa para lograr su sonido. Sin embargo, el cruce entre lo mas humano, expresado en lo cantando y lo escrito, y lo tecnológico, la aproximación hacia el estilo de grabación, hace de este disco una colección memorable de canciones. Las letras tienen una capacidad de llegar al escucha ya que relatan en frases cortas sentimientos cotidianos muchas veces difíciles de expresar. La canción "Consolación" es uno de los mejores ejemplos, [ "creo que he dicho suficiente/no tengo mas" "Tengo bastantes pensamientos/ Sobre hechos improbables" Somos discusiones pasivas/ problemas de mentiras"] apuntando poeticamente, sin establecer una linea narrativa, hacia situaciones comunes de las relaciones humanas. Algunos encuentran su voz, otros la distorsionan

Este trabajo ha sido lanzado por el sello chileno "Ediciones Teratologicas" en una edición limitada en cassete, la misma viene con un póster de la portada, un collage llamado ""Homosexualidad masculina en las Fiestas Saturnales" hecho por Nariz Sangrante. El sello editó también el split junto Juitsa. Próximamente esperamos contar mas ampliamente sobre las actividades de este sello en nuestra serie "El boom del Cassette".

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Cuentas saldadas, Culto al Qondor lanza su debut "Templos"

"Culto al Qondor" tiene con un solo disco una historia de mas de una década. Aunque en cierta manera podríamos verlo como un proyecto "nuevo" si entramos a revisar la historia de la banda y sus integrantes encontraremos un mapa de conexiones y situaciones que vale la pena mirar con detalle. Comencemos por sus integrantes, este trío esta conformado por Dolmo  (Guitarras y delays ), Aldo Castillejos (baterías y loops)  y Chino Burga  (bajo & drones). Estos tres músicos han estado activos  desde mediados de los 90s  encarando constantemente nuevos proyectos. Aunque, sino me equivoco, es la primera vez que tocan los tres  juntos en un mismo proyecto se han ido encontrando durante los años en otras bandas: Dolmo y Aldo fueron parte de la ya mítica agrupación Serpentina Satelite (2003-2010) la cual alimentada por un sonido volátil y espacial logro bastante éxito local e internacional dejando dos discos ya clásicos, varios años atrás Aldo y Chino Burga habían compartido en tiempos de adolescencia "Espira" su experimento shoegaze a mediados de los 90s, el cual les sirvió como puente de evolución hacia nuevos sonidos; puede me equivoque pero el Chino Burga y Dolmo según creo no habían tocado juntos antes (sin embargo, Dolmo colaboró para una de las portadas de uno de los proyectos mas recordados de Burga La Ira De Dios, en su disco ‎Archaeopterix)

De cualquiera manera este es un recuento historico bastante escueto y tal vez inexacto, creo que la mejor guía para conocer  las historias previas y relativas a "Culto al Qondor" se pueden encontrar hecha por Hákim de Merv en su blog "Apostillas desde la Disidencia". Lo clave  a entender es que este primer disco reúne una parte importante de la historia musical de Lima en las ultimas décadas,  en cada uno de sus proyectos Aldo, Burga y Dolmo han logrado tanto calidad como reconocimiento, especialmente fuera de su país. Inicialmente bautizados como "Qondor" el trío  estuvo activo entre el 2003/2005, existen algunos registros de esas primeras épocas tanto de presentaciones en vivo como algunas grabaciones que aparecieron en compilaciones, citando a Apostillas desde la Disidencia  "Existen testimonios de esa época, cedidos a la fundacional compilación Vamos A Ser Felices (2004, orquestada por Buh Records) y al triple Mixtape! (2004, gestionado por la desaparecida Internerds Recors). Hay que citar además el documento visual Mixtape! (también 2004), distribuido en formato VCD, que capta una performance del trío en el distrito de Breña -con el concurso del guitarrista Christian Abugatás." Sin embargo la idea de un disco completo languideció mientras sus integrantes se enfocaban en otros proyectos, es claro que algo quedo sin saldar ya que mas de una década después los mismos tres personajes deciden saldar las cuentas con el pasado.

Tras reunirse en el 2017 y dar algunas presentaciones se enfocaron en la grabación de "Templos". El disco fue grabado en una sesión en vivo en el local limeño "Hensley Monterrico" (bar en el que pulularon varias de las bandas del underground limeño durante varios años y que anuncio el cierre de sus puertas recientemente). Si algo muestra esta grabación es lo afilados que están los "Culto al Qondor" ya que la interpretación es tremendamente cuidada; de hecho hay una clara sintonía natural entre los tres integrantes que hace que los temas se desarrollen de una manera ordenada sin eso significar monótona. Desde una simple base, ya se guitarra, batería o bajo, las canciones van ganando fuerza y expandirse hasta llegar a impecables apoteosis. Me resulta  interesante el hecho que además de su instrumento principal cada integrante aporte un segundo elemento (Burga en en drones, Aldo en loops y Dolmo en Delays), estos se hacen presentes en esos medio-tiempos donde toda la energía se condensa en "momentos" orientados a lo menos rítmico en secciones de noise y drone. Estas estructuras se repiten en las canciones de Templos, cuatro composiciones extensas y de mucha intensidad que si bien recurren al sonido sucio y distorsionado lo hacen aferrándose a lo rítmico cuando es necesario.

Aunque solamente el tema "Antiguos Dioses sobre Chilca" tiene letra hay una temática clara en todo el disco, y por extensión en la banda. Al igual que otras bandas peruanas durante los últimos años (el ejemplo mas reciente que me viene a la cabeza es los trujillanos Ancestro, aunque otro buen ejemplo es Cholo Visceral), CaQ hace un rescate de la cultura ancestral peruana interpretada desde un sonido eléctrico y moderno. Aunque la instrumentación y "estilo" son distintos la premisa musical es la misma, el sonido se inclina por la repetición como una manera de llegar hacia frecuencias mas altas. Aunque la distancia entre el sonido es bastante esta resulta una resignificación interesante de un legado histórico y cultural que otros públicos/géneros dejan de lado constantemente.

PUEDEN SEGUIR A "CULTO AL QONDOR" EN FACEBOOK Y BANDCAMP, "TEMPLOS" SU DISCO DEBUT ESTA DISPONIBLE EN CD A TRAVÉS DE NECIO RECORDS Y PROXIMAMENTE EN VINILO A TRAVÉS DEL SELLO DRONE ROCK RECORDS.