Presentando Sonidos: Danteinferno, la cuestión del tiempo.

A poco de cumplir dos décadas de vida  (y a quince años del lanzamiento de “Happy Easter”, su primer trabajo), los integrantes de Danteinferno parecen haber encontrado un ritmo que los mantiene vivos sin estar siempre juntos. “La cuestión del tiempo es imposible esquivarla — comenta la banda— y es algo aparte, que nos interesa en particular. La composición en Dante siempre fue bastante diversa: zapadas, a partir de bases, a partir de que Pancho traiga algo más armado. Eso la verdad que no cambió. De hecho, fue bastante loco que de la primer juntada que tuvimos después de 8 años, hayan salido unas 8 bases, que a posteriori fueron las bases de la mayoría del disco que grabamos. "

Danteinferno versión 2019, foto por Ruben Gallo

El ahora trío compuesto por Francisco Coelho, Martin Recto y Javier Gerfauo, mantiene a pesar de los años una química de juventud que les facilita reunirse cada tanto a grabar sin mayores pretensiones; en parte así surgió Celeste Lado A, la primera entrega de un disco doble con el cual piensan retomar actividades este año: “Fuimos al campo en búsqueda de algo. Tuvo mucho de ver qué tenía el lugar para decirnos y componer e interpretar a partir de eso. Ese horizonte lejano, los sonidos del campo, el no tener nadie a kilómetros de distancia fue parte de lo que pasó. Hay bastante improvisación en el disco. Generamos un montón de material del cual luego elegimos y, en algunos casos, sobregrabamos. Pancho escribió las letras de algunas piezas ahí. Generamos un estado. Al mismo tiempo, aparte de nosotros, viajó Sofía Peluda, quien registró vídeo. A la noche nos juntábamos y Sofía proyectaba lo trabajado en el día en alguna locación de aquel casco de estancia. Eso era registrado a su vez. Toda aquella dinámica hizo que llegáramos a la sonoridad que se logró.” 

Sin dudas las canciones que registraron para ese "primer lado"  tienen un raro atractivo: suenan crudas pero mantienen un toque orgánico en el sonido, producto, tal vez, del consenso entre lo inmediato de la composición y el estilo de grabación casero hecho con una TASCAM DR 40. No obstante, no se puede aislar a Danteinferno de su espacio: sus integrantes hacen parte de esa pequeña comunidad artística montevideana que se las ha arreglado para reinventarse y mantenerse en actividad en un circuito que no deja de ser limitado, “Creo que el ser de un país chico y con un mercado musical tan reducido te permite saber de antemano que muy probablemente no vivas del dinero que genera tu producción musical, lo que te hace poder vivir tu expresividad con mayores libertades compositivas y sonoras. Aunque ahora pensando, eso también es relativo, porque de repente tener mayor acceso a recursos, te permite manejar más variables para poder expresar tu idea. En definitiva lo que realmente importa es eso, una idea. El resto es manejar tus recursos lo mejor que te salga para poder expresarla.”

Esa necesidad de manejar los recursos, tangibles e intangibles, ha obligado a la banda a expandirse hacia sus fronteras inmediatas: su primer lanzamiento fue un  split con la banda bahiana Soma por el sello brasileño Music Box. Esta edición les permitió, con el formato de trío Coelho – Recto – Mayayo, hacer una gira por Brasil en enero del 2004 tocando en ciudades como Porto Alegre, Sao Leopoldo, Florianópolis, Sao Paulo, Vitoria da Conquista y Salvador de Bahia; el puente no se quemó y en el 2006, 2008 y 2009 volvieron a girar por Brasil. De igual manera, y siguiendo una relación de largo tiempo fraguada entre dos ciudades separadas por un río, durante esa primera época sus visitas a Buenos Aires fueron constantes. 

A partir del 2010 la banda entra en hibernación. No fue sino hasta el año pasado que Martín y Francisco se vuelven a juntar para dar vida a Celeste, un disco que, confiesan, tenían que grabar: “Utilizamos un método que adaptamos a nuestros tiempos y búsquedas, uno que inventamos e inauguramos casi al mismo tiempo, aprovechando todo lo que aprendimos en este impasse. El material terminó siendo grande como para elegir las mejores piezas en dos discos que verán luz en diferentes momentos del año”; ese primer trabajo, motivo de esta nota,  fue lanzado en marzo y el próximo 25 de mayo van a presentarlo oficialmente en vivo, junto con su edición física, en  la Sala Camacuá en Montevideo. De cara al segundo semestre planean lanzar la segunda parte y seguir extendiendo sus fronteras hasta donde las redes lo permitan.

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Presentando Sonidos: Koala Precipicio

Ecuador siempre ha sido un país curioso en cuanto a lo musical. Aunque no es conocido por una cultura musical propia tan fuerte como la de otros países vecinos tampoco tiene una "escena" musical alternativa muy formada o con resonancia fuera de sus fronteras. Ha habido algunos nombres importantes los últimos años siendo Sexores uno de los  mas conocidos. No obstante, mas allá de lo difícil que pueda resultar hacer cosas distintas en Ecuador, hay varios nombres y propuestas que han ido apareciendo y tratando de cambiar el panorama. "La verdad la escena ecuatoriana- comenta Alejandro Zambrano cantante y compositor de Koala Precipicio- ha crecido considerablemente pero sigue siendo un ambiente muy complicado para hacer música porque no hay una cultura de diversidad musical. La verdad es complicado subsistir con una banda pero siempre debes seguir tocando para la poca gente o mucha gente que quiera tu música."

Ya con un puñado de grabaciones bajo el brazo Koala Precipicio va definiendo su sonido e identidad, no ocultan sus influencias y estas están claras en su música: "Es el sonido que queríamos al tener una “banda” formada. Con influencias de Young Prisms, Chapterhouse, Drop nineteens, Diiv. Ese sonido de shoegaze noventero pero “mezclado” con el shoegaze de los dosmil" Su larga duración "Ontario" captura esa búsqueda y refleja con sus letras el espíritu aun despreocupado y adolescente del conjunto que completan: Pablo Suárez , Santiago Quevedo  y Jose Miguel Fabre. La comparación con su primer trabajo es inevitable, si bien el disco "Todos se van" ya mostraba esos rasgos hacia al pop ruidoso, estas nuevas canciones se potencian gracias al sonido y energía de una banda completa.

Foto por @pabloto13

"Hay muchos cambios. Pero sigue siendo la misma idea de ser música melancólica ruidosa con melodías de guitarras lindas y letras que van directo al grano sin referirse a algo en específico"

Ese "no referirse a nada" se puede presentir tanto en las letras como en los nombres de las canciones, las referencias no apuntan a lugares concretos y cuando lo hacen son lugares lejanos de su propia realidad geográfica. Sin embargo, las canciones parecen hablarnos de cosas comunes, "La Gran Ciudad",  "Solo se muda dos veces" o "Los Remolques" remiten a esa melancolía moderna que se debate entre lo vivido y lo que nunca fue: "De alguna manera la música del segundo disco si se relaciona con la vida diaria  en Quito. Pero no tiene ninguna referencia a Quito para nada. Solo son cualquier tipo de vivencias o cosas que me imagino. La verdad mi única aspiración es tocar lo más que pueda y que el disco se escuche alrededor del mundo! Y obvio poder salir del país para tocar donde sea. "

Ese entusiasmo casi inocente no es gratuito, además de llevar adelante Koala Precipicio, que hace poco sumo un lanzamiento mas con "Lejos de Casa", sus integrantes hacen parte  del sello Popsucio Records una plataforma que busca no solo apoyar su propia música sino la de otros proyectos locales  - El sello  cada vez se consolida más- comenta Zambrano- Es el proyecto de uno de mis mejores amigos y segundo guitarrista de Koala. La verdad buscamos justamente que se abra al público ecuatoriano, qué haya más música de la que se escucha a diario y así poder cautivar mas gente. No hay pretensiones de ningún tipo."

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Presentando Sonidos: Memoria Atari lanza su disco debut.

Hay un tiempo para cada obra. Cada una está condicionada por el lugar y por las situaciones. Tal vez el nombre de Memoria Atari no resuene mucho pero hace ya hace 6 años lanzaron un EP titulado “Disonancias” que con apenas 3 canciones mostraba una sensibilidad musical poco normal para la época y el lugar. La idea de un disco formal estuvo desde ese momento presente, para que se hiciera realidad tendrían que pasar varias cosas. “Nunca tuve músicos fijos en la banda, - comenta Daniel Gerez único miembro estable de la banda- hubo grabaciones que no terminaron, esta vez salió y por ende tengo muchas canciones acumuladas de estos años. Vale destacar que no paramos de tocar nunca. La banda fue mutando, distintos músicos, tuvimos dos formaciones antes de la actual. Musicalmente fuimos cambiando aunque manteniendo siempre el sonido ambiental, lo pop y la búsqueda por la experimentación”

Esos lineamientos ya estaban puestos a andar en ese lejano primer EP que el entonces cuarteto de Santiago del Estero dejó como único documento durante mucho tiempo. “Estaba enfocado en tocar en vivo, y no existía las posibilidades adecuadas para entrar a un estudio de grabación” – sentencia Daniel- históricamente hacer arte desde el interior  de la Argentina parece algo no viable, en el caso del rock, Capital Federal y Provincia de Buenos Aires, es donde está la escena y el público, nosotros estamos a 1200 km”. Sin embargo esas mismas desventajas fueron dando forma a la banda y a su particular búsqueda por lograr lo que en otro lugar y situación no hubiese sido, tal vez, tan difícil. Durante los años que pasaron en medio la banda nunca dejó de existir, mientras aparecían nuevas canciones otras iban desapareciendo, cada intento por dar forma al disco era una caminata a tientas en la oscuridad. 

Finalmente el pasado mes de mayo Memoria Atari dio cierre a ese al largo y arduo proceso de crear su primer disco. Bautizado de manera homónima esta colección de canciones sigue el rastro de sus primeras grabaciones pero apunta a lograr algo más complejo y cohesionado entre sonido, letras y banda: “el disco tiene la intención de transmitir un concepto, un concepto que tiene que ver con los canticos Indígenas, manthras, repeticiones, conexiones, que viene de los Pueblos Originarios de América, hay cierto chamanismo, donde el ayahuasca, el San Pedro, plantas usadas para rituales de sanación tienen un lugar. La Letras hablan de eso. El álbum trata de compartir una experiencia, una conexión.”

Esa sea tal vez su marca más original, una suerte de simbiosis entre las texturas de teclados y guitarras creadas con pedales y el uso de ritmos étnicos propios de su entorno cultural. Gracia a eso canciones como “Tropic topic”, aun teniendo un título en inglés, resaltan por su interesante mezcla de sonidos autóctonos e internacionales. Memoria Atari logra un equilibrio puntual entre esas dos corrientes, su sonido no cae en la estridencia ni en lo exótico sino logra mantenerse en un punto de convergencia entre ambos: el trabajo vocal de Daniel Gerez mantiene un estilo particular que recuerda los cantos indígenas, las percusiones giran constantemente hacia lo tribal mientras que el eje guitarra- teclados aporta esos colchones de sonido ensoñadores. 

Por momentos parecía imposible llegar a terminar el disco , ya que todos los años intente grabar y pasaba algo, pero a la vez creo que este tiempo sirvió para madurar, para encontrar el sonido que uno quiere o va buscando, y para descartar canciones, conceptos en el camino. 

Actualmente establecidos como trío junto a Paula Díaz en batería y Fernando Catalfamo en bajo Memoria Atari ve hacia el futuro con otros ojos, la larga experiencia de su primer trabajo no ha sido en vano y la banda ya piensa sin muchas vueltas en el siguiente. Mientras tanto la edición física de su debut saldrá este mes con apoyo del Instituto Nacional de la Música (INAMU). Durante el segundo semestre la banda planea presentarlo en su ciudad y otras regiones del país.

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Presentando Sonidos: Black Pope Francis

Como introducción al estilo de Black Pope Francis, el vehículo musical principal del argentino Hernán Muleiro, recomendaría su participación en nuestra sección “Juguetes para Grandes” hecha hace ya un tiempo. Su enfoque es bastante simple, Muleiro admite: “ya que no soy músico las “canciones” que hago dependen de cómo se arman los loops de sonido”- para lo cual suele usar grabaciones y vinilos sampleados o bajo scratch. Sus herramientas son básicas y se podría decir que hasta arcaicas, más que nada en el modo que son usadas, lo que ya determina una posición de Muleiro hacia lo tecnológico. La búsqueda de Black Pope Francis es la de un lo-fi dentro del hi-fi, por ponerlo de alguna manera. Su sonido recurre constantemente a la reconstrucción y destrucción de grabaciones a las cuales va dando nueva vida.

Durante el último año Black Pope Francis ha estado plenamente activo, su bandcamp se ha ido llenando de grabaciones en vivo, experimentos formales, y no tanto, y otras cosas. Uno de los proyectos en los que Muleiro estuvo trabajando fue un disco largo el cual fue lanzado en marzo de este año por  The Burros Discos (Colombia) y por Calar Music (San Francisco, USA). Titulado “El Ultimo Parte 1” este es, en buena parte, un disco colaborativo junto a King Shinobi (alias de Alejo Grimaldi) el cual surge de una serie de 6 ensayos de los cuales ambos músicos fueron seleccionando las mejores partes. Para la grabación usaron un roland tr8, un kaos oscilator, una bandeja y un volca. Como resultado final el  disco conserva el sentido fragmentario de su origen, los temas esquivan una lógica consecutiva lo que permite que funcionen ya sea como tracks individuales o como una obra caótica donde Black Pope y Shinobi van despachando frecuencias de todo tipo. Algunos temas (#48 - “El Pulmotor de Lemmy” y “Boom Bap”) siguen patrones más rítmicos y “tranquis”, otros (“Sin taxis”- “Licuando” o “+15db LOW”) se arman sobre bases punzantes, agudas que pueden llegar a lo insoportable. De cualquier manera, es innecesario hacer una lectura esquemática de un disco como este, me parece mejor verlo como un experimento en movimiento. Algunos de los temas que no quedaron en el disco como tal comprueban eso, uno de ellos es una grabación in situ con Otomo Yoshihide durante uno de los talleres que el japonés dio en la UNTREF el año pasado, donde se puede escuchar a Muleiro proponiéndole “colaborar” en ese momento, así como las risas del público. La  otra es una colaboración más formal con el músico y poeta Adrián Yanzón.

"La tapa la hicieron Luis Noé y Lorena Alfonso cuando el disco estaba en un 30%, les gustó el nombre del proyecto, me divierte la idea de que un artista reconocido hizo la portada de música con nula formación académica"

Los últimos dos tracks fueron grabados solamente por Black Pope Francis en el Estudio de Emiliano Cabral (de la banda DHD), aunque parecen de primera mano una anomalía en un disco principalmente colaborativo funcionan como previa al EP que hace unos días Muleiro lanzó a través de priusdiscos. Estas canciones -según Muleiro- usan varios samples:  un vinilo de pájaros "cantando”, música clásica, un sample de música Disco y otro Federico Luppi en la película "Sobredosis", algo que anticipa el concepto de “Loops Robados”, cinco composiciones hechas durante los primeros días de abril de este año. Como su nombre y la repetición de la palabra “robo” lo indica, las canciones están basadas en distintos prestamos en base a  los cuales Muleiro va armando loops y secuencias.

Black Pope Francis hace mucho énfasis en su poca formación musical, su acercamiento a la música es intuitivo y practico. Tal vez por eso los resultados son variables, no siempre hay una forma definida, ni la búsqueda de crear “un disco” en el sentido más clásico; sin embargo, gracias a eso su trabajo termina tomando un tinte libre de ideas preconcebidas en el que casi cualquier cosa es posible.

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Presentando Sonidos: "Terraplana" cruce de dos encuentros

"Terraplana nació de la fusión de dos “dúos”, por así decirlo - comenta Wendeu Silverio baterista de este proyecto brasileño- Matheus y yo teníamos unos proyectos de post-rock y ambient, mientras que Stephani y Vinícius tenían sus composiciones de dreampop y shoegaze". Ese encuentro entre dos dúos y dos estilos dio como resultado un primer EP titulado "Exilio" lanzado a finales de diciembre del año pasado. Concretamente las canciones muestran aún esos rasgos característicos de las influencias que cada mitad de la banda admite tener. En varios momentos los temas mezclan el estilo "épico" del post rock con el carácter distorsionado del shoegaze, aún así  cada tanto encuentran un punto de equilibrio mas propio. Esos momentos son los que me resultan mas interesantes ya que dejan ver que mas allá de esas influencias el cuarteto se va acoplando y encontrando un sonido.

Es claro que Terraplana aun esta terminando de armar el rompecabezas, están aún probando y explorando sonoridades algo que se puede notar mas claramente en los dos temas instrumentales que han incluido en su primer trabajo " intro surgió mientras estábamos tocando sin ninguna pretensión en un ensayo. Nos gustó tanto que decidimos ponerla en el EP. Mientras tanto interlúdio,  es parte de una canción que formará parte de  nuestro próximo álbum, nuestra idea es remitir a algo del pasado." Esas confesiones sobre el estilo de composición nos muestran que la banda no ve su sonido como algo definido sino como un proceso en el cual las cosas pueden y deben ir cambiando.

"Exilio" fue grabado de manera casera, en la habitación del cantante y guitarrista Vinícius Lourenço, aunque esto no sea algo raro entre las nuevas bandas hoy  no deja de sorprender el nivel de calidad que Terraplana ha logrado. "Estamos muy influenciados por otras bandas underground brasileñas y la ideología del “hazlo tú mismo” nos sirvió de campo de prueba y aprendizaje, sobre todo a Vinícius. Este fue su primer trabajo en la rama de la producción. Como no teníamos compromiso con plazos, lo pudimos pulir a medida que las cosas iban surgiendo"  Todas esas circunstancias, el encuentro de dos proyectos distintos, la búsqueda y construcción de un sonido, la experimentación casera en la grabación, dieron como resultado un trabajo que mas allá de ciertos detalles (principalmente la falta de cohesión entre algunos temas, algo que se entiende al venir las composiciones de proyectos distintos) es bastante placentero y emotivo. 

 "Del  cine, tuvimos influencias de films como  "Melancholia ", por ejemplo, la canción “fall” fue inspirada en la película "Taxi Driver". Pero, más allá de lo que consumimos, intentamos convertir en música lo que hemos vivido, nuestras experiencias interiores y personales."

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Presentando Sonidos: Seatemples, por la ruta de la memoria:

La idea de “escena musical” se construye alrededor de muchas cosas, intervienen factores sociales, geográficos y de época que ayudan a construir esa sensación de identidad. De Chile se suele hablar mucho de Santiago y Valparaíso pero poco de otras regiones del país. Al igual que en otros países la tensión entre el centro y la periferia es un fenómeno normal y constante. Sin embargo, más allá de las zonas centrales e hiper-modernas se han ido formando pequeñas escenas musicales que de a poco empiezan a mostrar al mundo su trabajo. En la Cuarta Región chilena se ha ido formando un nicho musical entre las ciudades de La Serena y Coquimbo nutrido por el poder de las distorsiones del shoegaze y la sobriedad del post punk, esta escena gira alrededor de bandas como Bedroom Dreamers, Kilometro 22 o de los que nos ocuparemos en esta oportunidad: Seatemples.

"La zona a la cual pertenecemos tiene lugares y características bastante especiales, el Valle del Elqui por ejemplo que tiene los cielos más limpios del planeta lo cual lo convierte en epicentro de la observación astronómica mundial. Una extensa costa que nos abraza por el pacifico y que es una fuente infinita de inspiración y viajes, estos factores han incidido en representar esos panoramas estelares y costeros en nuestra música. Muchas bandas que han venido a tocar desde otros puntos de Chile o Latinoamérica se han sorprendido por el nivel de auto-gestión y profesionalismo que existe en esta conurbación conformada por dos ciudades, somos pocos habitantes, pero la ciudad desde sus inicios ha tenido movimiento y visitantes lejanos, navegantes y otros que llegaron para quedarse. Somos parte de una escena artística emergente integral bastante orgánica, que, si bien tiene como eje la música, convoca a fotógrafos, escritores y artistas visuales quienes complementan su trabajo con las necesidades de proyectos musicales desde hace algún tiempo".

Bajo ese panorama y con un proceso de tres años de aprendizaje detrás, el cuarteto formado por Patricio Zenteno (voz, guitarra y programación), Priscila Ugalde (bajo y voz), Moisés Segovia (sintetizador y guitarra) y Diego Herrera (batería), lanzó “Down Memory Lane”, su disco debut en septiembre del año pasado. Las canciones fueron evolucionando desde demos caseros y conciertos en vivo en los cuales fueron tomando forma. El proceso, me arriesgaría a decir, fue totalmente intuitivo, Seatemples fue probando y acercándose a cada detalle tanto de la composición como de la grabación a través de la prueba y el error. Aunque las letras de sus canciones están en inglés y el sonido nos remite a los orígenes del post-punk y el gothic rock, las historias de Seatemples  presentan las particularidades de su entorno, desde la constante presencia del mar y los cielos  en su geografía a referencias a la mitología local:

“Hay elementos transversales en las letras, el amor, nostalgia, los ciclos, los viajes que emprendemos, nuestra aproximación al cosmos, la belleza y mística en la naturaleza, noches de cielos estrellados, emociones que configuran un sentir clandestino.”

Con todo esto la banda ha construido un mapa de referencias. El titulo del disco nos dirige hacia el ejercicio de la memoria de lo pasado, pero no solo del pasado personal (la historia de una banda chilena creando su primer disco durante los últimos años) sino también el pasado geográfico que los rodea, el pasado que cuenta su geografía de manera silenciosa.

Aunque estos son recién los primeros movimientos de esta “escena” (con discos como este, los varios singles de Bedroom Dreamers. los dos trabajos lanzados por Kilometro 22 y otra serie de bandas que han ido apareciendo) ya es bastante para una región que hasta hace un tiempo no tenía mucho protagonismo en la escena nacional chilena. La Cuarta Región se han ido convirtiendo de a poco en parada tanto para visitantes nacionales e internacionales, ahora no solo por sus limpios cielos sino por la música que se está haciendo.

Para Seatemples el 2018 parece aún más prometedor, este año además de concretar el lanzamiento físico de su debut a través  de “ Custom Made Music”, sello de Virgina USA, planean presentarse en nuevos escenarios y concretar la salida de un nuevo single en febrero y una versión de The Field Mice para un tributo organizado por The Blog That Celebrates Itself.

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Presentando Sonidos: Estanislao Lopez lanza "Despertar" su primer single

Hay diferentes maneras de hacer música, hay también diferentes maneras de llegar a ella. Si bien para Estanislao Lopez la creación musical ha estado presente desde su adolescencia durante los últimos años su mayor campo de acción ha sido la producción y grabación de otros artistas. Ahí se ha hecho un nombre destacado habiendo producido grandes trabajos para bandas como Asalto al Parque Zoológico, Niños del Parque, Trementina o mas recientemente La Suma de Todos los Tiempos, en todos ellos Estanislao ha puesto en perspectiva no solo un estilo de producción sino también su empatia y sensibilidad en lo sonoro. Tal vez por eso no es raro imaginárselo componiendo sus propias canciones, sin embargo el proceso como tal para él ha sido diametralmente distinto a su modo de trabajar como productor.

"Después de idas y vueltas decidí que era hora de sacar y desprenderme de estas canciones que hace un tiempo largo las tenia guardadas, pensé en este formato de singles dobles por así decirlo, una especie de 7" digital para poder enfocarme en dos o tres canciones a la vez y no en un disco entero, que conlleva un trabajo mucho mas largo, grande y exhaustivo. Mi idea de ahora en mas es sacar dos o tres canciones cada 6 meses y de esa manera ir mostrando diferentes facetas (antiguas y nuevas) y momentos de experimentación personales. La necesidad de expresarme artísticamente, de una u otra forma siempre fue una constante, sea dentro del estudio como productor o ingeniero, tocando en vivo con distintos artistas de distintos géneros o como músico que hace sus propias canciones."

El titulo de este primer par de canciones alude entonces a un Despertar como artista, a la necesidad de mostrar una faceta que aunque siempre ha estado presente logra manifestarse enteramente con este primer single. Lo interesante es que aunque Estanislao tiene una amplia experiencia en la composición y grabación estas canciones podemos verlo acercarse a la composición de una manera mas espontánea y natural. Es por eso que "Río" y "Despertar" tienen ese aire a primeras canciones, a primeras impresiones y sentimientos del artista. "Rio" cuenta con la participación vocal de Emilia Lupica, la voz de Estanislao aparece momentáneamente y la producción es sobria, suave y detallista constituyendo una dulce apertura que se contrapone muy bien con la otra cara: "Despertar" donde su pasión por lo eléctrico se hace latente. El track se va abriendo con una linea de guitarra a través de la cual se van desprendiendo múltiples tomas de guitarra y teclados sobre los cuales la voz se Estanislao aparece clara y concisa. En comparación con el tema anterior hay mucho mas dinamismo y detalle convirtiéndose en un excelente lado B.

"Este fue un proceso mas complejo, por que la carga emocional es distinta. Al estar produciendo o como ingeniero, me transformo en un transductor del artista, mi trabajo es interpretarlo y ayudarlo a expresarse de la manera que el o ellos idealizan y/o sienten, intentando siempre exponenciarlos, destacando todo lo bueno y puliendo sus puntos flojos si los tiene. Al trabajar en mis canciones el que tiene que expresarse soy yo, y a veces uno tiene tanto para decir que es difícil ponerse un freno. Además con mis canciones busco siempre algo distinto, algo que no haya hecho antes como productor o ingeniero, la premisa de romper cierta estructura y dar un paso mas es lo que me motiva no solamente en mi trabajo sino en la vida misma, así que siempre aplico esto a todo lo que haga."

El sentido de iniciación, de primera experiencia en las canciones de Estanislao Lopez logra que su lado mas personal (el mas sentimental) salga a flote junto a su faceta mas experimentada,  relacionada con el proceso de la creación y grabación de las canciones. Ambas facetas llegan a buen puerto en esta primera muestra. El cuidado y detalle en la grabación ha sido especial con Estanislao encargándose de la grabación en su estudio casero y aprovechando los viajes de trabajo para encargar a Greg Calbi la masterización del single.

Este lanzamiento esta disponible en todas las plataformas digitales a través de Casa del Puente Discos, pueden conocer mas sobre el trabajo de Estanislao Lopez a través de su sitio web y su Facebook.

Presentado Sonidos: Sadfields, re-configurando la nostalgia

El esperado debut de los mexicanos "Sadfields" comienza con un corto y sencillo instrumental titulado "Missing", la composición en si es simple pero muy profunda a la vez, el eco aplicado a la guitarra logra crear un ambiente que se hará cada vez mas presente con el paso de los minutos y los temas. Curiosamente  aunque siendo la única canción que no lleva letra parece decir ya mucho y remitir en una suerte de lazo a su portada que guarda también ese sentido directo e impactante que "Homesick" tiene como obra completa:

"La fotografía utilizada en la portada del álbum es de un fotógrafo llamado Dave Rothschild, de Virginia (EUA). Encontramos su trabajo por Internet y al ver la imagen nos capturó al instante. Teníamos varias ideas sobre lo que queríamos en la portada, e inclusive pensamos en tomar la foto por nuestra cuenta, pero fue innegable el impacto de esa fotografía sobre nosotros, inmediatamente nos sentimos identificados con ella y simplemente creímos que tenía que ser esa. El poder expresivo de la imagen es inmenso; el daño está hecho."

Directamente de esa primera apertura pasamos a "Whenever" una canción que empieza a profundizar en la intinerancia entre los momentos calmos y los planos mas explosivos. Sin dudas lo que logra que estos dos planos se equilibren de manera acorde es la esmerada producción y grabación del disco que resalta lo justo y necesario de un trío mas bien básico:  Daniel Espinoza  ( Voz/Guitarra), Miguel Flores (bajo) y Erick Román (batería). Aunque Sadfields empezó apenas hace dos año este disco ya viene marcado por un proceso de grabación complejo que enfrentó  a estos tres muchachos con la realidad de hacer un álbum.

"El álbum comenzó a sabotearnos desde que estábamos en el estudio. Algunas canciones no se grabaron completas e incluso hubo un apagón de varias horas el primer día de grabación. Pese a todo, grabar en Testa ha sido una de las mejores experiencias que hemos tenido en nuestra vida como banda y como músicos. Estuvimos muy cómodos de hacer "Homesick" en ese estudio, principalmente por todo lo que conllevó. Guanajuato está a unas cuatro horas de la Ciudad de México (donde residimos) y el hecho de viajar a hacer tu primer álbum representaba apartarte de todo y todos; concentrarte y desprenderte de tu rutina diaria."

"Como tal, componer las canciones del álbum fue un proceso bastante natural y que fue sumamente íntimo para los tres. Nunca hubo una “línea” o un “tema” central para las canciones, solo se fueron armando gracias a la química y entendimiento que hay entre la banda. Muchas canciones se quedaron fuera justo porque quisimos evitar ser redundantes y presentar una obra reiterativa y poco concisa."

Esa búsqueda de un sonido y un disco concretos es evidente, con apenas seis canciones en el primer trabajo de Sadfields cada track forma parte de un entramado que termina de cobrar sentido en el disco completo. Hay un animo general en "Homesick" (un sentimiento que la misma palabra emula) pero cada canción pone en perspectiva una manera y modo de expresarlo. Es por eso que el disco crece a cada escucha ya que es difícil no dejar de verlo como un producto honesto tras del cual hay mucho sentimiento. Para un época donde los debuts se hacen con la idea de tener "algo que mostrar", este trió, sin enredarse demasiado en cuestiones genéricas o conceptuales, ha sabido crear algo que se sustenta gracias a su sonido, imagen, estética y uso del lenguaje.

"Homesick" ha sido lanzado por Buen Día Records en una versión limitada en cassette así como en diferentes plataformas digitales. Pueden seguir a Sadfields a través de Facebook y Bandcamp.

Presentando Sonidos: Verano del 83 - pop enérgico y limpio

Antes de que apareciera "Llévame a Casa", disco debut de la banda trujillana Verano del 83, fueron apareciendo una serie de singles durante un lapso de tal vez un año. Una de esas  primeras canciones fue "Un Paraíso Eterno"  lanzado como single en julio del 2016, la cual curiosamente termino siendo la que cierra el disco, un tema sencillo con arreglos claros que desbordan guitarras limpias y voces dulces.  A comienzos de este año apareció también "Ven a mi" en el compilado de Chip Musik Records "Lego 8 LACASAAZUL Lado A".  Con esas dos canciones la banda logro ganar adeptos tanto en Perú como en otros países gracias a  sus letras dulzonas y su sonido prístino tan en linea del dream pop mas limpio.

"Este proyecto comenzó a finales del 2011, siempre pensando en hacer canciones de la forma más suave y siguiendo el instinto de los buenos sentimientos . Empecé grabando en cassettes, cuando la tecnología iba avanzando lo hice a través de un celular y después quería hacer una grabación no tan lo - fi sino algo termino medio, como meterme a un estudio y grabar parte por parte. Al comienzo solo pensé en grabar y que solamente quede ahí , pero más adelante sentí la necesidad de tocar en vivo con una banda musical."

Esa evolución se puede apreciar en los cambios que fueron teniendo las canciones desde sus primeras versiones hasta su forma final en el debut formal de esta banda. Resulta curioso que lo que comenzó como un proyecto de dormitorio de Miky Bendezú termino transformándose en una banda con una fuerte energía femenina, si bien Miky es quien se ha encargado de la creación de las canciones estas han ido tomando otra dimensión en compañía de sus compañeras de banda:   Hanny Del Castillo (voz, guitarra), Diana Esthefany ( voz-teclados), Marie Ramirez (batería) y Karen Elena (bajo).

"Estas canciones pertenecen a un periodo de vivencias que he mantenido escrito durante de 15 ó 16 años. En un inicio grabé todas las canciones pero después reuní a mis amigas para comentarles del proyecto y se sintieron identificadas. Ellas pusieron aporte que jamás había imaginado. Siento que Verano del 83 se ha complementado por la aparición de Hanny, Diana, Marie y Karen Elena. "

Fue así como"Llévame a Casa" termino siendo un disco debut con una energía contagiante; en buena parte estas son canciones de amor que dentro un terreno ya conocido y bien explorado como es el de la música pop logran proponer un sonido fresco y honesto. Si bien la mayoría de las canciones desbordan optimismo hay espacio para momentos mas  taciturnos en "Ven a mi" o en "Paraíso Eterno". Este trabajo ha encontrado casa en el sello mexicano "Emma House Records" (con los cuales tuvimos una entrevista hace poco) el cual ha lanzado este trabajo en una edición limitada en CD

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