.Me parece engorroso hablar de Rock and Roll, es un término que a lo largo de la historia se terminó relacionando con tantas cosas que es difícil tomarlo en serio ( en especial cuando en la misma bolsa termina entrando casi cualquier cosa), pero hay algo también cierto, no es difícil al escuchar algo darse cuenta si tiene o no ese espíritu, swing y rebeldía que tenían las canciones de Elvis o The Velvet Underground. Lo del Chino Burga no es fortuito, en casi tres décadas haciendo músico este limeño ha probado ser uno de los artistas mas versátiles y creativos de los últimos tiempos en Perú.
Foto por Mireya Molero Denegri
Hace ya un par de años, Burga le dio vida a 3 AM si no me equivoco el primer proyecto solista que encaro; su debut no tardó mucho en salir y fue así como UFO Blues Tapes llamó la atención de prensa tanto en su natal Perú como en el extranjero especialmente en medios europeos; esto sumado a la excelente carrera que Burga hizo con su banda la Ira de Dios, le permitió girar presentando este proyecto en distintos países de Europa y también editar sus trabajos en sellos como Levitation Records o Lay Bare Recordings.
Después de eso la carrera de Burga no hizo mas que ascender, hubo splits, EPs de covers (los cuales son sin dudas referentes para entender su trabajo) múltiples vídeos y conciertos. El broche de oro de un 2015 tan movido fue el lanzamiento de su segundo LP Transmissions y una nueva gira europea que acaba de terminar. Burga es además de excelente músico un gran organizador y un personaje que toma su carrera muy enserio. Su nuevo trabajo explora a fondo la propuesta de UFO Blues Tapes solo que esta vez esta llevada a un concepto musical mas universal.
Desde el primer momento cuando arranca UFH, Burga nos entrega a su sonido: el impulso básico, el beat enérgico que se transforma a través de la repetición en drone. Su voz refugiada tras su guitarra no se esconde sino que se mimetiza con ella para dar un resultado genial. Mas allá de los momentos volátiles como este también hay canciones como Cóndor, largas y que se desenvuelven de a poco casi caminando sobre sí mismas. La música de 3 AM tiene una base sencilla, está construida sobre guitarra con uso de efectos como el tremolo y bases musicales con loopeo, lo que las diferencia de cualquier otro artista es la ejecución que es impecable, es por eso que estas canciones suelen llegar en cierto punto al éxtasis sonoro que el Chino logra como one-man-band.
Temas como UFH o Rock and roll radio podrían sin mucho esfuerzo ser hits en la radio y llegar a públicos más amplios. Su sonido logra a la vez ser básico, directo e invita a moverse, sin perder por eso todos los valores de calidad en composición que tiene 3 AM, Es por eso que este disco es tan importante, Burga logra llevar su sonido de pysch and drone no solo a otros niveles de sonido sino a la vez crear canciones que apelan a ese sentimiento básico que entendemos todos, el del rock and roll en su mas puro estado.
Poco mas de un año después del lanzamiento de su LP debut Monolito, Adelaida lanzo Madre Culebra conservando su estilo musical los meses que pasaron en medio sirvieron para que la banda se consolidara en vivo como un trio sonoro potente e imponente en los escenarios chilenos, esto los llevo a llamar la atención de Converse Rubber Tracks dándose la oportunidad de entrar a grabar dos temas en sus estudios en New York.
La banda que contaba con cinco días para esto, salió de allí con un disco casi listo para lanzar. Fue en estas sesiones donde se gestó Madre Culebra un disco que como el último año de Adelaida es movido, frenético e impulsivo. Basta ver la sorpresa de Aarron Bastinelli, ingeniero a cargo de la sesión de grabación, con el resultado de las sesiones en este video que documenta la experiencia de la banda en New York.
La experiencia de grabar en un estudio profesional logro catapultar el sonido de Adelaida, su fórmula sigue siendo fiel a su raíz, la mezcla entre el grunge y el shoegaze sigue siendo certera. Los temas continúan buscando la resonancia y la potencia solo que la grabación esta vez logra capturarlo mucho mejor que en los discos anteriores. Los tres interludios instrumentales ayudan a dar cohesión al álbum y dar un sentido de concepto al disco como tal, haciendo de su escucha algo más compacto detalle que creo importante en un disco con temas tan potentes como Cerbatana o Colgar del Suelo
Madre Culebra tiene todo un concepto kafkiano, los interludios separan como capítulos dentro un libro y la madre culebra es un insecto endémico de chile y la región en donde vivimos es uno de los insectos mas grandes del mundo también.
Así casi de la nada Adelaida armo un disco, lo lanzaron hace un par meses y salió editado por Sello Mescalina en formato Cd, lo apresurado de todo esto ( son pocas las bandas que lanzan un disco en menos de un año) no tiene que ver con ningún apuro o cuestión de calidad, al contrario como el mismo Jurel (guitarrista fundador de la banda) afirma: en el disco anterior, el problema fue que pensamos mucho como queríamos sonar en vez de dejar que la cosa se diera de manera mas orgánica en este disco es así, muy orgánico, salieron a flote todas las influencias que hemos tenido cada uno por su lado, sin poner limitantes como géneros musicales o algo así.
Por otra parte con 8 años de historia a cuestas Adelaida se propone desafíos cada vez, este 2015 fueron por primera vez a tocar fuera de Chile (aprovechando su estancia en USA), sus canciones cada vez se acercan a un formato propio de hecho en Madre Culebra ninguna canción pasa los 5 minutos, pero sin embargo condensa intensidad de volumen, letras certeras y delirio sónico, algo que hace que su música sea disfrutable a varios niveles
La banda es cómoda al hablar del futuro, no dejan de tocar, no dejan de grabar y mas que todo de planear, eso es parte integral de la música, siempre poner el pecho por lo que se hace.
Me suele suceder que cuando un compilado es muy bueno me parece innecesario hacer una reseña puntual (tema por tema o algo por el estilo) por una parte me parece que el éxito de una buena compilación es lograr marcar un momento ya sea musical o histórico sin llegar a ser monótono a lineal. El nuevo lanzamiento de Superspace Records, el sello peruano fundado por el músico experimental Wilder Gonzales Agreda, tiene bastante música como para hacer un análisis amplio, sin embargo la misma exige paciencia, cada canción explora algún genero ya sea ambient, electronic o IDM y a la vez se enmarca en algún estilo de creacion por ejemplo experimental o minimalista, dando como resultado un amplio abanico de sonidos que creo va en cada quien juzgar y disfrutar
EL TRANSFONDO
Super Space Records nació en marzo del 2003 siendo el proyecto discográfico de Wilder Gonzales Agreda quien durante buena parte de los 90s hizo parte de distintos proyectos musicales de Lima enfocados a la música experimental. Este sello se convirtió no solo en una plataforma para mostrar algunos de sus trabajos (por ej. es tal vez el único lugar en donde se puede escuchar el único EP de Avalonia) sino de músicos amigos y también de proyectos de otros países a los que se fue acercando su fundador a través de su labor periodística.
Es así que con el tiempo el material fue surgiendo casi solo, de hecho este no es el primer compilado de este calibre que el sello lanza ya que en el 2006 como parte de la Revista Freak Out apareció Caminando Sobre Nubes que contenía además de bandas peruanas como TICA o The Electric Butterflies proyectos tan geniales como Loveliescrushing o Brian Jonestown Massacre
FÓSILES DE FUTUROS LEJANOS
El titulo (que además fue el nombre de un ciclo organizado por Agreda hace algunos años en Lima) deja claro algo, la intención de que esta compilación sea un documento, algo que sea escuchado a la luz de los años como parte de lo “fuera de foco” en su momento . Esta nueva entrega y reunión de artistas no solo deja ver el buen ojo que tiene Wilder como periodista musical sino también recrea un momento musical donde sin repetir algún patrón diferentes bandas y personajes al rededor del mundo combaten el conformismo de las radios con música cada vez mas abstracta.
En Brasil se produce mucha música, tanto que es difícil seguirle la pista a tantas ciudades y tantos proyectos. Cada tanto también hay una nueva banda que aparece y logra ir más allá de lo esperado, Ceus de Abril ( Bautizados así en referencia al tema April skies de los Jesus and Mary Chain)es una de las revelaciones brasileñas de este año. El trio está formado por Wilson Alencar ( guitarra-voces) Stefany Martins (sintetizador y voces) y Renato Araujo ( bajo); originalmente el proyecto comenzó en el 2010 como un dúo-pareja entre Wilson y Stefany que aprovechan su relación para hacer canciones, no seria sino hasta el 2014 que empezarían a tomar forma las canciones y hacerse inminente la grabación de algún material.
Fanáticos de siempre del sonido shoegaze decidieron crear un proyecto en el cual volcar esa emoción noventera, como Wilson acierta a decir: "Sabemos que hacer shoegaze en Brasil es algo de lo que no se puede esperar mucha respuesta, Céus de Abril es un proyecto nacido de la pasión".
Cantan en portugués, igual que bandas como Duelectrum o Bela Infanta, sin embargo creo que van más allá de la concepción clasica del shoegaze donde la letra se ve como un simple complemento; las canciones de Ceus de Abril giran en torno a la letra y me atrevería a decir que fueron compuestas con estas como base (construyendo encima las bases de los instrumentos).
Su EP abre con Mae, el tema más largo y que explora mucho la textura del tremolo, la canción no tiene muchos cambios pero el canto de Stefany y los coros de Wilson son los que logran en cierto modo dar el giro argumental. Falso Amor es un tema rápido tanto que se hace necesario ponerlo una y otra vez para terminar de disfrutarlo, es lo mejor de la banda en tres minutos, guitarra a plena distorsión, Stefany y Wilson a dúo en la voz llevando una conversación con trasfondo a historia de amor.
Foto por Emerson Reis.
"Cada una de las canciones tiene una historia en especial, algunas veces hablamos del amor otras del desamor, otras son más existencialistas no seguimos ningún plan específico"
Ultimo Adeus que le da nombre al EP,es mucho más pausado que los anteriores, los teclado cobran bastante protagonismo y van entrelazándose con la guitarra y la voz hasta llegar al outro instrumental donde se cunden juntos. Vodka cierra con dando un par de guiños a un par de clásicos para armar con eso un tema distinto.
Ultimo adeus cumple con la primera regla para un debut: emocionar. Las cuatro canciones logran explorar bastante el sonido del reverb y el tremolo cada una aportando una textura o ritmo, más allá de eso los temas cierran porque tienen mucho espíritu y energía, suenan honestos y dejan abierta la puerta a lo que un disco debut puede lograr. La banda aún no sabe que sea, pero en algún lugar del Brasil esas canciones ya están tomando forma.
Silvania se transformó sin dudas en una de esas geniales anomalías musicales: la recepción de su música en el viejo continente fue casi unánime entre distintos circuitos especializados donde brillaron como gestores musicales y, más que nada, creadores de un sonido de avanzada.
Creo que una de las particularidades de su sonido es que para entender a Silvania hay que ponerse en contra del tiempo, localizarse a finales de los 80s y comienzos de los 90s, cuando Coco y Mario se encuentran en Europa lejos de su natal Lima y empiezan a hacer música juntos; ese ejercicio deja claro por qué su trabajo parece nunca haber envejecido, sino permanecer siempre vigente. Cumpliéndose 25 años de su primer EP, Miel Nube Hiel, charlamos con Mario Silvania, sobreviviente de esta bella aventura musical y de vida que nos dejó, tal vez, una de las bandas mas creativas de la historia latino americana:
Cumpliéndose 25 años de un trabajo tan importante como Miel Nube Hiel ¿cómo recuerdas esa época? Viéndolo en retrospectiva ¿qué sientes de ese inicio de Silvania como cuarteto y esas primeras canciones?.
Mario Silvania: Recuerdo mucha rebeldía por mi parte, muchas ganas de hacer cosas, de sueños que tenía que realizar. Oía a grupos y la verdad que la mayoría de ellos su música me parecía muy realista, entonces me dije : hazlo tú, es así como nació Silvania en el 89; un año más tarde comenzamos a grabar. No sé... fue bello y también de mucho trabajo, los medios de comunicación no eran tan buenos, vivía en Valencia, una ciudad que la verdad es como un pueblo grande, recuerdo a Silvia y a Santiago muy ilusionados con el grupo y Coco apoyándome en todo. Era grande la ilusión de Coco, era alegría pura …. fue genial.
¿Cómo fue el proceso de creación y grabación de ese primer LP?
MS: Vivíamos en Valencia, el estudio estaba a una hora de camino; íbamos todos los días ya que antes no existían las computadoras de grabación así que todo casi era analógico. En un primer momento queríamos que fuese un LP, pero el sello que nos fichó recién comenzaba; eran dos chicos uruguayos que nos vieron tocar y nos dijeron si queríamos estar en su sello, llamado Experience Records, eran personas maravillosas así que aceptamos. Al final no pudo ser un LP si no un Ep, eran carísimos los estudios de grabación de aquella época, así que dije ese Ep tiene que ser hermoso y así pasen los años tiene que seguir siendo bello. Recuerdo cuando compuse "Sueño Aerostático", una chica vivía en frente de mi casa, nunca dejábamos de mirarnos , un día la vi salir de su casa y el viento soplaba tan fuerte que las hojas de los arboles le caían por encima de su pelo casi rubio, ella solo atinaba a mirar hacia arriba y sonreía y yo la veía por mi balcón que tenía una ventana inmensa. Entré a mi habitación, cogí la guitarra y compuse sueño aerostático y fue la canción que más sonó por Cadena 100, una radio que llegaba a casi toda España. Una semana más tarde ya era disco del mes … es así como comenzamos.
Un detalle que siempre me ha llamado la atención es la parte visual y artística de sus trabajos: tapas hermosas, tan ensoñadoras como su música, y vídeos con una estética muy cuidada ¿Cómo pensaban y diseñaban cada una de ellas?
MS: A mano todos; los diseños de Silvania eran hechos a mano, ósea papel y tijera fotocopias y fotos, que siempre he hecho. Todas las portadas de Silvania eran hechas así, amábamos a gente como Renoir,Chagall también. Amo el impresionismo, la transparencia de los colores me vuelve loco y los vídeos igual, transparencias, colores o en blanco y negro …amo el cine mudo.
Hay una foto de Silvania en vivo que siempre me ha encantado ( la adjunto aquí abajo) en el Sonar de 1995, sino me equivoco; esa sola imagen me parece captura demasiado de lo que imagino eran sus conciertos ¿Cómo recuerdas la experiencia de tocar en vivo junto a Coco como compañero? ¿Cómo eran los conciertos de Silvania?
MS: Esta foto salió en un periódico francés, la tomo una chica francesa. Sí, es del Sonar 96, todavía recuerdo el primer directo de Silvania fue en el universidad de Psiquiatría de Valencia; la verdad que era muy loco todo: gente bailando y los del equipo de sonido diciendo: !me vais a quemar los parlantes! Siempre eran polémicos los directos de Silvania hasta los del Fib, no sé, nos encantaba siempre ir más allá pero era nuestro sonido, que le íbamos a hacer, jajaja.
La edición que has compartido hace poco de Miel Nube Hiel es tal vez las mas completa publicada online hasta el momento, además compartiste también el single Avalora ¿Quedan más sorpresas en el baúl a futuro en cuanto a la vasta discografía que dejaron junto a Coco?
MS: Sí, claro. Después de la muerte de Coco quedé muy mal, no podía oír nuestra música... me ponía a llorar; así que dije: no quiero más de esto, ni de sellos musicales que tanto daño nos hicieron, mentían por todos lados. No quería ver a gente que paraba con nosotros, muchos de ellos me decepcionaron tremendamente; pero poco a poco voy volviendo, me ha hecho mucho bien estar en Lima, una ciudad con océano, con atardeceres bellísimos, con un clima genial, no hace ni calor ni frio. Poco a poco voy sanando y eso ha hecho que vaya sacando cosas del baúl de los recuerdos, tengo para sacar muchas pero poco a poco, amigo.
Sin dudas su legado fue muy importante ¿Cómo te sientes en este punto de tu vida viendo todo lo que lograron?
MS: Sí, lo sé. También sé toda la influencia que hemos dejado, pero sabes que te digo siempre seré una persona muy cercana, muy positiva, he aceptado muchas cosas en mi vida, el nacer y saber que algún día moriré y no tenerle miedo a eso; eso me lleva a despertarme cada mañana y sonreír ,a luchar, a seguir siendo rebelde …mis vídeos mis fotos ,capaz vuelva algún día a entrar a un estudio, no lo sé ,pero sí que seguiré luchando y soñando.
0. Editado hace poco por el sello arequipeño Noxa recs, este split de tres esquinas nos presenta tres países distintos y tres aproximaciones distintas al uso del ruido en la música . Este lanzamiento será editado en físico por cada proyecto en su país por ahora para "amenizar" el fin de año se puede escuchar online:
1- Chile, proyecto MTMS un solista haciendo la parte tal vez mas harsh del split, tres composiciones lentas pero punzantes entre guitarra y tape.
2- Argentina, Terry dirtys oriundo de Merlo Gran Buenos Aires da la cuota mas armónica, el ruido se logra sobreponiendo capaz de guitarra mas armónica con otras mas crudas, todo grabado en un Nokia 535.
Terry Dirtys en vivo
3- Perú,Fiorella 16. Aquí en dos canciones encontramos una mezcla mas caótica, los dos nombres de los temas dan una pista a lo que estas grabaciones de ruido subterráneo recrean, paisajes de cuento-pesadilla hechas sonido.
Aire Espacial representa la viva imagen del inmigrante latino en Estados Unidos, hijos de inmigrantes mexicanos sus tres integrantes crecieron y se formaron en Fresno, California donde en el 2009 deciden formar una banda. Que tocan? Shoegaze sin dudas hasta ahí México parece lejano, pero después de escuchar los primeros temas de su debut "Figuras Cósmicas" es difícil no notar la influencia que su madre patria tiene en sus composiciones. Por una parte todas las canciones son cantadas en español lo que es un elemento atractivo: mientras muchos hacen la fórmula inversa ( cantar en ingles para llegar al mercado extranjero), Aire Espacial juega a rescatar su idioma en un mercado donde la lengua siempre ha sido factor determinante para llegar a ser escuchado.
Sin embargo, no creo que todo termine ahí. Al escuchar canciones como Bipolar o Maquina del tiempo, es notable el espíritu del rock mexicano, la voz de Carlos Valencia conserva ese acento fuerte y marcado que recuerda un poco a Saúl Hernandez y otros canta-autores clásicos del rock de México. Este es un disco grabado por una banda influenciada por un genero extranjero y creado también en una tierra extranjera pero que conserva el alma de su origen.
Este año este trió completado por Juan Rodriguez en Bajo e Ivan Ochoa en Batería completo su primer LP, un trabajo bastante conciso que logra pasajes sonoros bastante intensos e interesantes y liricamente propone algo al escucha. Ya con eso han ido incursionando en vivo en su circuito local donde conviven con en una escena bastante amplia y que tiene propuestas siempre innovadoras e imponentes. De a poco se han hecho un espacio, sus mismos integrantes consideran que entre el publico latino su música resulta atrayente por el sonido mientras que en entre el publico shoegazer lo es mas por el idioma.
Figuras Cósmicas es un disco que va dejándonos este 2015; vale la pena escucharlo, no solo por toda la configuración social, geográfica y musical que tiene detrás, sino porque nos presenta una banda viviendo en dos mundos distintos y logrando equilibrar esto en sus canciones,
